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出版者:北京工艺美术出版社

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页数:0

译者:

出版时间:2006年1月

价格:380.0

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isbn号码:9787805266251

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《古籍修复与保护：纸质文献的守护之道》 书籍简介 本书聚焦于古籍文献的修复与保护领域，旨在为文物工作者、图书馆员、档案管理员以及对传统工艺和文化遗产保护感兴趣的读者，提供一套系统、深入且实用的技术指南与理论阐述。我们深知，纸质文献是人类文明传承的载体，其脆弱性要求我们以最严谨的态度和最精湛的技术来应对时间的侵蚀与环境的破坏。 本书并非对艺术作品的鉴赏，而是深入到物质载体本身的“生命维护”层面。全书结构严谨，内容涵盖了从历史背景、材料科学到具体操作技艺的各个环节，力求全面覆盖古籍保护工作的核心议题。 --- 第一部分：古籍文献的认知与历史语境 本部分首先建立了对古籍载体本身的理解基础。我们探讨了不同历史时期纸张、墨水、装帧材料的演变，这些物质基础的变化直接决定了其易损性与修复策略。 第一章：纸张的物理与化学特性 详细解析了古代手工纸的纤维构成（如麻、桑皮、竹、稻草等），以及这些成分随时间推移发生的物理老化（如脆化、粉化）和化学变化（如酸性水解、氧化变黄）。我们运用现代材料科学的视角，解释了为什么某些古籍保存状况良好，而另一些则迅速劣化。此外，还介绍了不同年代墨水（如松烟墨、油烟墨）对纸张纤维的侵蚀机理。 第二章：装帧形制的演变与文献结构 追溯了从卷轴、经折装、蝴蝶装到册页装的演变过程。每一装帧形制都对应着特定的使用习惯和抗损能力。本章详细分析了封面、护封、线绳等辅料的材料特性及其在整体结构中的受力点，为后续的加固和修复提供了结构分析的依据。 第三章：环境因素对古籍的威胁 环境控制是保护工作的基础。本章深入探讨了温度、湿度、光照（尤其是紫外线和可见光）、微生物（霉菌和虫害）对纸张和墨色的综合影响。提供了环境监测标准和理想保存条件的科学数据，强调了气候变化对文物库房的潜在风险。 --- 第二部分：损伤评估与修复前的准备工作 在着手修复之前，科学的评估是至关重要的。本部分侧重于诊断性工作和安全操作规程的建立。 第四章：古籍损伤的类型学分析 系统分类了常见的物理性损伤（撕裂、缺损、折痕、压痕）和化学性损伤（水渍、霉斑、虫蛀、酸蚀）。结合高分辨率成像技术，指导读者如何准确判断损伤的严重程度和成因，为制定个性化的修复方案奠定基础。 第五章：无损检测技术在修复中的应用 介绍了利用红外反射、紫外荧光、X射线成像等无损技术对墨迹成分、纸张层次进行初步判断的方法。这对于识别原装订结构、确认修补痕迹以及避免在修复过程中对敏感区域造成二次伤害具有指导意义。 第六章：修复工作区域的设置与安全规范 详细阐述了修复工作台的配置要求，包括工作表面的材料选择（如玻璃板、无酸垫板）、照明要求，以及化学试剂的安全存储和使用规范。强调了个人防护设备（PPE）在操作过程中的重要性。 --- 第三部分：核心修复技术精讲 这是本书的技术核心，以图文并茂的方式，详细演示了现代与传统相结合的修复工艺。 第七章：基础处理：去污与脱酸 去污技术： 演示了针对不同污渍（油污、霉斑、锈斑）的局部清洁方法，重点介绍了微型吸附工具和惰性溶剂的选用。 纸张脱酸： 详细比较了非水性脱酸法（如使用碳酸镁、碳酸钙分散液）和水性脱酸法的优缺点及适用范围。强调了控制pH值精确性的重要性。 第八章：纸张的补洞与接纸技术 系统介绍了传统“打浆”技术，包括如何根据原纸的纤维类型自制修复用纸浆。重点讲解了“接纸法”的操作流程，特别是如何通过控制纸浆的厚薄和纤维的搭接方向，实现修补后痕迹的最小化和强度的最大化。书中配有大量微距操作图解，确保读者能够掌握关键的“铺浆”和“压平”技巧。 第九章：撕裂修复与折痕压平 针对纸张的撕裂，讲解了不同撕口的处理方式——直线撕裂与不规则撕裂的应对策略。深入阐述了利用低温加湿或使用薄膜隔离进行折痕压平的工艺流程，避免过度施压导致纸张纤维断裂。 第十章：装帧的恢复与加固 修复的最后一步是恢复其结构完整性。本章指导读者如何根据原始装帧的痕迹，重新进行穿线、包角、粘贴等方面的工作。重点在于使用稳定、可逆的修复材料（如特制淀粉胶、纤维素醚），确保修复的文献在物理稳定性上达到新的平衡。 --- 第四部分：长期保存与预防性保护 保护工作并非修复结束即告完成，长期的环境维护和预防性干预同样关键。 第十一章：修复材料的选择与可逆性原则 详细列举了现代修复实践中常用的无酸纸、修复胶带、保护膜等材料的性能指标。贯穿始终的是“可逆性”这一核心伦理原则——任何修复措施都应在未来可以被安全移除，不应对原件造成永久性改变。 第十二章：微环境的精细调控 超越基础的温湿度控制，本章探讨了库房内的空气质量管理，包括对挥发性有机化合物（VOCs）的监测与过滤。同时，指导读者如何设计和使用合适的隔离材料（如缓冲衬垫、档案盒），为古籍提供一个长期稳定的微环境。 结论：古籍保护的未来展望 本书最后展望了数字化存档与实体修复之间的关系，强调了两者是互补而非替代的关系。实体修复工作是保障信息载体能够继续存在的关键，是人类对历史进行物质性“对话”的延续。 本书汇集了数十年的修复经验和最新的材料学研究成果，是指导一线实践者精益求精的专业参考书。它教会的不是如何简单地“粘合”破损，而是如何以敬畏之心，延缓时间对文明痕迹的剥夺。

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最让我眼前一亮的是，作者在描述一些“非主流”或地域性极强的画作时所展现出的热忱和知识储备。我们都知道那些“明星画家”的介绍总不会太差，但这本书的价值在于，它把聚光灯打在了那些在艺术史长河中容易被淹没的璀璨星辰上。例如，书中对北欧黄金时代一些静物画的解读，那种对光线折射在玻璃器皿上所蕴含的象征意义的挖掘，细致到令人咋舌。它告诉我们，一篮水果、一串串珠子，在那个特定历史阶段，承载了远超其物质价值的道德和信仰信息。这种“小中见大”的叙事技巧，让我的知识版图得到了极大的扩展，打破了我过去对“名画”的狭隘定义。阅读这些章节时，我仿佛跟随一位经验丰富的向导，走进了从未踏足的艺术小径，发现了很多令人拍案叫绝的“遗珠”。这是一种真正意义上的“鉴赏”，它教会我如何去看，如何去感受，而不仅仅是被动地接受既有的结论。

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这本书的装帧和印刷质量，是作为一名重度“书痴”最直观的感受点。毫不夸张地说，这本册子的纸张手感和油墨的细腻程度，达到了收藏级别的水准。我将它放在日光下仔细端详过几幅文艺复兴时期的肖像画的复制品，皮肤的纹理、衣物的褶皱，甚至背景中微小的笔触残留，都被惊人地捕捉了下来。这对于研究那些对细节有着极致要求的画家作品来说，是至关重要的优势。市面上很多艺术画册为了追求低成本，往往在色彩饱和度上做了不自然的调整，使得原作的微妙光泽完全丢失。但在这本书里，无论是提香的“肉感”还是维米尔的“窗边光”，都保持了高度的真实性。此外，书中对不同时期画框、装裱方式的介绍，虽然是辅助内容，却体现了编辑团队的专业素养，让我明白一副画作的完整体验，并不仅仅局限于画布本身。这本沉甸甸的“鉴赏录”，与其说是阅读材料，不如说是一件精心制作的艺术品，值得被反复摩挲和品味。

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翻开这本精装书，映入眼帘的是那些耳熟能详的经典作品，每一个笔触都仿佛在低语着光影的故事。我本以为这会是一本标准的艺术史教科书，充斥着晦涩难懂的术语和枯燥的背景介绍，但事实远超我的预期。作者显然是一位深谙大众心理的行家，他没有将我们拽入学院派的象牙塔，而是用一种近乎讲故事的口吻，将我们带到了画家创作的那个瞬间。比如解析伦勃朗的光影处理时，那种细腻入微的描写，让我仿佛能闻到画室里松节油和尘土混合的气味，感受到画布上颜料堆叠的厚重感。更让我惊喜的是，书中对画作“情绪”的捕捉。它不仅仅是告诉你“这是印象派”，而是深入挖掘了莫奈是如何通过捕捉瞬间的光线变化来表达他对自然那份稍纵即逝的迷恋，那种近乎哲学的探讨，让我对那些曾经只是“路过”的画面，有了全新的敬畏。这种不拘一格，既有学术支撑又充满人文关怀的叙述方式，使得即便是对艺术史一窍不通的朋友，也能轻松地沉浸其中，发现自己的“心头好”。书中的版式设计也十分考究，留白恰到好处，色彩还原度极高，每一次翻阅都像是一次小型的高清画廊之旅，让人心旷神怡，久久不愿合上。

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坦白说，我对这种“鉴赏”类的书籍通常抱持着一种审慎的态度，总担心它会流于表面，只做些皮毛的赞美。然而，这本书的深度远远超出了我的初始设定。它处理不同地域和时代风格的作品时，展现出惊人的广度和跨度，这绝非三五年的功夫可以积累。我特别留意了它对巴洛克时期和浪漫主义时期作品的对比分析，那简直是一场视觉的“辩论赛”。书中没有简单地将它们对立起来，而是巧妙地梳理了从对古典秩序的回归到对个体情感的爆发这一微妙的过渡。尤其是在分析德拉克洛瓦的《自由引导人民》时，作者没有停留在对构图的机械描述，而是深入挖掘了革命浪潮下，艺术如何从宫廷走向街头，成为一种社会力量的载体。这种将艺术史置于宏大历史背景之下的解读，给予了画面更厚重的时代回响。我发现，那些我过去仅仅凭感觉去欣赏的色彩和线条，在书中的解析下，突然间都有了清晰的逻辑脉络，像是被赋予了灵魂和使命。这种由表及里，由形入神的探究过程，极大地满足了我对“理解”的渴望。

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从阅读体验的流畅性来说，这本书的结构设计堪称教科书级别的典范。作者巧妙地规避了传统艺术书籍常见的“年代线性叙事”的沉闷感。它更像是一个精心策划的主题展览，每一章都有一个明确的切入点，可能是某种颜料的革新，可能是某种宗教仪式的变迁，也可能仅仅是一种特定情绪——比如“忧郁”或“狂喜”——在不同画作中的体现。这种主题式的串联，使得不同时期、不同地域的作品得以产生有趣的对话。比如，某一章可能先讨论了日本浮世绘对欧洲后印象派的影响，紧接着就分析了梵高如何将东方线条的简洁性融入他燃烧般的笔触中。这种跨文化的比较分析，极大地激活了我的批判性思维。读完后，我发现自己看任何图像的习惯都被潜移默化地改变了——我不再只看“画了什么”，而是开始追问“为什么这么画”以及“这种画法带来了什么新的可能性”。这本书成功地将一个知识体系，转化成了一种可习得的、灵活的观察世界的方法论，这是它最大的成功所在。

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