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出版者:陕西人民美术出版社

作者:薄松年等

出品人:

页数:435

译者:

出版时间:2008-1

价格:53.00元

装帧:

isbn号码:9787536821057

丛书系列:

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远古回响与时代精神：一部西方艺术史的深度巡礼 导言：穿越时空的审美之旅 本书旨在带领读者进行一场宏大而精微的西方艺术史之旅。我们并非专注于一册教科书的既定框架，而是致力于挖掘艺术在不同历史阶段如何作为人类精神、社会结构、宗教信仰与哲学思潮的载体和镜子而演变。我们将从史前洞穴的神秘符号开始，追踪艺术的起源，直至步入当代对媒介、身份和体验的深刻反思。这不是一部简单的年代罗列，而是一部关于“观看”与“被观看”的编年史，是关于形式、功能与意义之间永恒对话的记录。 第一部：神性的塑造与世俗的觉醒（史前至中世纪） 第一章：石与火的低语——史前艺术与早期文明的符号世界 我们将探究拉斯科和阿尔塔米拉洞穴壁画中狩猎场景的原始冲动与巫术性。这些早期图像的意义远超装饰，它们是生存的祈愿，是人与自然界限模糊的体现。随后，我们将转向美索不达米亚的楔形文字浮雕和埃及金字塔的永恒秩序。古埃及艺术的严谨性，其对“永生”和“永恒不变”的追求，如何通过严格的比例、固定的姿态和多角度透视的“正面律”得以实现？我们会分析美索不达米亚雕塑中对统治者神权授予的强调，以及对战争叙事的记录，理解早期国家权力如何借助视觉符号来巩固自身合法性。 第二章：从“雅典的理想”到“罗马的实用”——古典艺术的辉煌与遗产 本章聚焦古希腊的“黄金时代”。我们将深入解析米隆的《掷铁饼者》所体现的“理想化的人体美”——基于数学比例、和谐与克制的“黄金分割”。帕特农神庙的建筑美学，如何将宇宙秩序和城邦精神融于建筑的微妙曲线（Entasis）之中？继而，我们将转向罗马。罗马艺术的革新在于其对现实主义的偏爱和工程技术的结合。从卡拉卡拉浴场的宏伟拱券，到图拉真纪念柱上的连续叙事浮雕，罗马艺术不再仅仅服务于神，更服务于帝国管理和公民荣耀。我们着重探讨肖像雕塑如何成为政治宣传的有力工具，以及它如何为后世的写实主义奠定基础。 第三章：信仰的堡垒与光线的寓言——中世纪的灵性空间 当古典世界瓦解，基督教成为欧洲的中心。中世纪的艺术是为信仰服务的“盲人语言”。我们将详细剖析早期基督教的墓葬艺术，以及拜占庭帝国如何通过圣像画（Icon）建立起与神圣世界沟通的“窗口”。圣索菲亚大教堂的马赛克，以其非自然的光辉和扁平化的形象，如何引导信徒超越尘世的局限？随后，我们将进入罗马式和哥特式建筑的竞赛。罗马式的厚重、封闭象征着教会的坚固；而哥特式大教堂，如沙特尔或兰斯，则是一场光线的胜利。飞扶壁、肋拱和彩色玻璃窗，它们共同创造了一个向上升腾、充满叙事张力的“天国模型”。我们将分析经文抄本和雕塑如何承担起“文盲之书”的功能，将圣经故事具象化。 第二部：人类的回归与理性的张力（文艺复兴至新古典主义） 第四章：人的发现与透视的革命——文艺复兴的黄金时代 文艺复兴是艺术史上的一个巨大转折点。人文主义将目光重新聚焦于人类自身及其潜力。本章将重点分析透视法的发明与完善（布鲁内莱斯基、马萨乔），这不仅仅是技术进步，更是世界观的转变——世界成为一个可以被精确测量的、以人为中心的理性空间。我们将比较早期文艺复兴的清晰线条与盛期文艺复兴（达·芬奇、拉斐尔、米开朗基罗）对和谐、完美形式的极致追求。达芬奇对解剖学和光影（Sfumato）的探索，米开朗基罗雕塑中那股冲破大理石束缚的内在生命力，以及拉斐尔作品中的宁静与平衡，共同构建了西方艺术史上对“完美”的定义。 第五章：情感的爆发与戏剧的张力——巴洛克与洛可可的变奏 16、17世纪的欧洲，在宗教改革的反思和绝对君主制的巩固中，艺术风格急剧转向。巴洛克艺术（卡拉瓦乔、贝尼尼、鲁本斯）抛弃了文艺复兴的克制，转向了动态、激情和强烈的明暗对比（Chiaroscuro）。它是一门为情感动员而生的艺术，无论是宗教题材的瞬间救赎，还是世俗权力的宏大展示。我们将分析贝尼尼雕塑中那种捕捉到的“时间停止”的一刻，以及卡拉瓦乔作品中对卑微者的真实刻画。随后，洛可可作为巴洛克在法国宫廷的精致化和享乐化分支，其轻盈、粉饰的风格（弗拉戈纳尔），揭示了贵族阶层对精致享乐的沉溺，也预示着社会结构内部的松动。 第六章：秩序的回归与启蒙的理性之光——新古典主义的复兴 面对洛可可的“轻浮”，启蒙运动呼唤回归古希腊罗马的道德、理性与公民美德。新古典主义（大卫、安格尔）以其清晰的轮廓、庄重的题材和严谨的构图，试图重建道德的典范。我们将分析大卫的《马拉之死》如何将政治事件转化为近乎宗教殉道的永恒图像，以及他对古典雕塑形式的刻意模仿，如何服务于法国大革命及其后续的政治叙事。 第三部：现代性的破碎与重建（19世纪至今） 第七章：风景的解放与个体的呐喊——浪漫主义与现实主义的对峙 浪漫主义是对启蒙理性反思的回应。泰纳的风景画（透纳、康定斯基）不再是背景，而是艺术家内心风暴的投射，强调“崇高”（Sublime）体验——对无限和不可控力量的敬畏。与此同时，对社会不公和日常生活的关注催生了现实主义（库尔贝）。“我只画我能看见的”的宣言，标志着艺术主题从神祇和英雄转向了矿工、农夫和普通劳动者，挑战了学院派的审美等级。 第八章：光影、色彩与主观视角的胜利——印象派到后印象派 摄影技术的出现极大地解放了绘画对“记录现实”的义务。印象派（莫奈、雷诺阿）将关注点从描绘对象本身转向了“光线作用于对象的一瞬间感觉”。户外的写生、松散的笔触，是对瞬间视觉体验的忠实记录。后印象派（塞尚、梵高、高更）则开始了对绘画语言的进一步解构。塞尚对几何结构的探索，梵高对色彩和线条的强烈情感注入，以及高更对原始和象征的回归，直接为20世纪的艺术爆发埋下了伏笔。 第九章：形式的解构与意义的重构——现代艺术的爆炸 20世纪初，艺术进入了彻底的实验阶段。立体主义（毕加索、布拉克）通过多视角的并置，彻底打破了文艺复兴以来建立的单点透视，宣告了视觉经验的多元化。野兽派的纯粹色彩、表现主义对内心焦虑的扭曲呈现，以及未来主义对速度与机械的颂扬，共同构成了对传统美学的全面颠覆。我们将探讨抽象艺术的诞生（康定斯基的纯粹精神性与蒙德里安的几何秩序），这标志着艺术彻底摆脱了对再现外部世界的责任。 第十章：超越画布的边界——二战后艺术与当代议题 二战后，艺术的中心从欧洲转移到美国。抽象表现主义（波洛克、罗斯科）以其宏大的尺幅和行动性的创作过程，强调了艺术家的“在场”与无意识的爆发。随后，对消费主义的反思催生了波普艺术（沃霍尔、李奇登斯坦），模糊了高雅艺术与商业图像的界限。从极简主义对艺术本体论的拷问，到观念艺术将“想法”置于物质实体之上，艺术的定义不断被拓宽。最后，我们将审视当代艺术如何聚焦于身份政治、全球化、环境问题和媒介的渗透性，探讨艺术在数字时代所扮演的批判性角色。 结语：永恒的提问者 本书最终意在表明，艺术史并非一条单向的进步阶梯，而是一系列围绕着“人与世界、神与世俗、形式与内容”的周期性提问与回答。每一次风格的更迭，都是对前一个时代审美准则的反思与重塑，这种永不休止的对话，构成了人类文明最深刻的精神图景。

评分☆☆☆☆☆

很多地方都断货了... 在网上订的。 结果对书有点失望，翻开一股报纸味道而不是书的味道，很难闻。 印得也不好，纸质也很差，现在随便一家出版社也不能出书出成这样啊！

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这本书的装帧设计颇具匠心，封面采用了一种略带粗粝感的纹理纸张，墨绿色的主色调沉稳大气，中间的烫金字体“中国美术史教程”在光线下闪烁着低调的光芒，让人在拿起它的瞬间就能感受到一种历史的厚重感。内页的纸张选择也十分考究，米白色的纸张有效缓解了长时间阅读带来的视觉疲劳，印刷的清晰度更是无可挑剔，无论是线条流畅的古代壁画临摹件，还是色彩斑斓的近现代油画作品，都得到了最大程度的还原。尤其值得称赞的是，书中对不同历史时期代表性作品的版式安排，常常采用跨页的大图展示，配合简洁的文字说明，使得视觉冲击力和信息传达力达到了完美的平衡。装订方面，采用了锁线胶装，翻开时书页平整，不用担心书脊过紧导致内容缺失或破损，这对于一本需要经常翻阅、查阅的工具书来说，是极其重要的细节考量。整体而言，这本教材在“硬件”上的投入，无疑是为内容的高质量呈现打下了坚实的基础，体现了出版方对学术性和实用性的双重重视，让人爱不释手，也更愿意沉浸其中。

评分☆☆☆☆☆

这本书在选材的覆盖面上体现出了极强的包容性和现代视野。我们知道，传统的美术史教程往往过度聚焦于架上绘画和宫廷艺术，但令人惊喜的是，这本书显著增强了对非主流艺术形式和地域性艺术的关注。比如，对于中国少数民族的传统服饰图案、民间剪纸艺术，乃至于建筑装饰艺术的探讨，篇幅虽不如主流艺术宏大，但其引入的时机和角度都非常巧妙，它们被定位为对主流审美范式的补充和反思。这种多元化的视角，极大地修正了我过去对“中国艺术”的片面认知。它让我意识到，审美与创造力是根植于社会生活的方方面面，而不是仅仅存在于庙堂之上。这种视野的拓展，无疑是当代美术史教育改革的积极体现，让整部作品充满了生命力和现实关怀。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读之后，我最大的感受是作者在梳理中国美术史脉络时所展现出的那种清晰而富有逻辑的叙事能力。它绝非简单的年代堆砌或名人录，而是构建了一个完整且相互关联的知识体系。作者擅长在宏观的时代背景下，精准地切入到具体艺术流派和代表人物的革新之处。例如，在论述唐代绘画的巅峰时，不仅仅停留于对吴道子“吴带当风”的描述，而是深入剖析了其笔法背后所蕴含的时代精神和哲学思辨。更精妙的是，书中常常穿插一些“小专题”或“拓展阅读”，这些部分并非主干，却如同一粒粒闪光的珍珠，串联起艺术与其他学科（如文学、宗教、社会制度）之间的复杂互动关系。这种处理方式极大地拓宽了读者的视野，让美术史的学习不再是孤立的，而是融入了整个中华文明的宏大叙事之中，使得学习过程充满了发现的乐趣，而不是枯燥的记忆。

评分☆☆☆☆☆

从教学辅助的角度来看，这本书的编排逻辑充分考虑了教学场景中的实际运用效率。每一单元的末尾，都设置了“思考题”或“比较分析”的环节，这些设计并非敷衍了事，而是真正引导学生进行批判性思维的训练。比如，它会引导你去对比不同时代对“人像”描绘理念的差异，要求你不仅仅是识别作品，更要去解释其背后的文化动因。此外，书中的时间轴和概念索引做得非常清晰明了，便于快速定位和复习查阅。作为一本工具书，它的检索友好度极高。更难得的是，行文的语气始终保持着一种严谨的学者风范，但又避免了过度学术化的晦涩，使得读者在获取知识的同时，也潜移默化地学习了一种科学、客观的学术研究态度。总而言之，它成功地架起了一座从入门到精深之间的坚实桥梁。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，作为一本“教程”，它在内容的深度和广度上做出了非常令人印象深刻的平衡。它既能满足初学者对基本概念、重要时期和核心代表作的系统认知需求，同时也为有一定基础的进阶学习者留下了足够的思考空间。书中对于宋代文人画的分析尤其精彩，作者细腻地描摹了“逸笔草草，不求形似”背后所蕴含的士大夫阶层对自我精神世界的追求与物化形式的抗拒。这种分析不是空泛的理论说教，而是紧密结合了当时文人士大夫的交往圈层、审美趣味的变迁，使得抽象的艺术理念变得鲜活可感。书中穿插的图注和注释详尽而精准，很多关键术语都有清晰的解释，避免了术语障碍对理解造成的阻碍。读完一个章节，我感觉自己像是完成了一次有向导带领的深度田野考察，对那些久远的美术现象有了直观而深刻的理解。

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教材...

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教材嘛。。

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对生字的注音很贴心。

评分☆☆☆☆☆

教材嘛。。

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图书馆的书 我把这本书的的要点抄了一遍 拿来应试的话绝对五星噢