69 Ways to Play the Blues (Foreign Agents) pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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☆☆☆☆☆

出版者:Semiotext(e)

作者:Jürg Laederach

出品人:

页数:160

译者:Wortsman, P.

出版时间:1990-11-01

价格:USD 11.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780936756622

丛书系列:

图书标签:

Blues
Music
Guitar
Instruction
Foreign Agents Series
Music Theory
Jazz
Improvisation
Musical Forms
Performance

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具体描述

The phone refuses to ring. I sit here on 82nd Street; no, on 83rd; no, on 81st; I forget where I am. The phone refuses to ring, to tear me out of this enforced solitude, which I know only too well. This solitude that makes me sick and stirs me to tears, but surely not tears of compassion. A call is bound to come any minute now up from the Village and afford me the company I desperately desire. The phone isn't ringing. The bell doesn't work.<br /> <br /> Written after the Swiss writer Jurg Laederach's third trip to New York in the late 1980s, 69 Ways was hailed by award-winning author Walter Abish as a text predictive of "a Europe to come, when borders dissolve." Like Alain-Robbe Grillet, Georges Perec, and the great Oulipo writers, Laederach constructs seamless narratives based on sly compositional strategies. The reader is only somewhat aware of the rules of the game. Transposed to America, Laederach's texts, Abish argues, "function as a scanning device. Characters vanish, reappear. There is something relentless... Everything is transitory. No sentimentality. No clinging to the past. Everything is on the verge of being discarded. Everything is on the verge of dissolution. Everything resonates with imminent change."

蓝调的无限可能：探索音乐创作的边界与灵魂一卷关于音乐哲学、演奏技巧与情感表达的深度探索之作本书并非关于如何掌握特定布鲁斯和弦或复制某位传奇吉他手的独奏。相反，它是一次深入挖掘布鲁斯音乐核心精神的旅程，探寻驱动这种音乐形式穿越百年，依然保持其原始力量与现代相关性的底层逻辑。我们聚焦于“可能性”，即布鲁斯音乐作为一种艺术语言，其构建、解构与重塑的无限潜力。第一部分：布鲁斯的本体论——超越十二小节的结构布鲁斯，常常被简化为固定的和声进行或特定的音阶，然而，其真正的生命力在于其结构的可塑性与情感的真实性。本书首先挑战了对布鲁斯进行教条式定义的传统观念。 1. 节奏的弹性与律动的形而上学：我们不会教授“如何卡在节拍上”，而是探讨节奏如何成为一种叙事工具。布鲁斯节奏的精髓在于其内在的张力——那些被“推迟”或“提前”发出的音符，它们在听觉上制造了一种持续的、未完全解决的渴望。这部分将深入分析“摇摆感”（Swing Feel）的细微差别，以及在不同地域风格（如德尔塔、芝加哥、堪萨斯城）中，节奏如何服务于叙事目的。我们研究了次秒级的速度变化如何彻底改变一段旋律的“情绪体重”，从沉重的宿命感转变为轻快的自我解脱。 2. 和声的“不和谐”哲学：布鲁斯和声的魅力在于其对完美解决的抗拒。本书细致考察了“蓝调音阶”的实际应用，强调其核心是“音高间的张力点”，而非仅仅是音符的堆叠。我们将解构那些看似简单的七和弦（Dominant 7th）是如何在功能和声中扮演颠覆性角色的。更进一步，我们探讨了爵士乐和更现代的音乐形式如何吸取布鲁斯的“不和谐偏好”，将其转化为复杂的和声色彩，而无需背离其情感根基。这里的重点是理解为什么某些音程听起来“伤感”或“愤怒”，这与人类听觉系统的内在运作方式息息相关。 3. 旋律的“留白”艺术：伟大的布鲁斯独奏往往是关于未发出的声音。本章分析了空白（Silence）在音乐结构中的重要性，它不仅是乐句之间的停顿，更是情感的呼吸和听众的参与点。我们探讨了如何通过控制乐句的长度、密度和清晰度来构建叙事的高潮和低谷，将听众带入一种沉浸式的体验，让他们自己去填补旋律之间的情感空隙。第二部分：演奏者的工具箱——超越技巧的表达本书拒绝提供标准的指板图或速度训练。我们关注的是如何将技术转化为具有个人印记的“语言”。 1. 音色的雕塑：触感与器物对话：吉他、口琴、萨克斯风——每一种乐器都有其固有的“声音个性”。我们深入研究了演奏者的触感（Touch）如何成为决定性的因素。对于弦乐器而言，揉弦（Vibrato）的宽度、深度和频率不仅仅是装饰，而是演奏者心跳和呼吸的延伸。我们探讨了如何有意识地控制拨片或手指与琴弦的接触角度，以制造出“粗糙”、“光滑”或“嘶哑”等质感，从而赋予音符以物理上的重量感。 2. 声音的“人化”：模仿与超越人声：布鲁斯是一种高度模仿人声的音乐形式。本部分聚焦于如何将乐器演奏得“更像人”。我们分析了推弦（Bending）的精确控制，这不应被视为简单的音高改变，而是模仿人类声带在痛苦、恳求或狂喜时所发出的微妙颤动和变形。通过对萨克斯风演奏中气息控制的研究，我们发现，即便是无生命力的乐器，也能通过对气流的管理，表达出最深层的人类脆弱性。 3. 循环与变奏：即兴的结构化自由：即兴演奏并非随心所欲的胡乱发挥，而是一种受制约的创造。我们讨论了如何建立即兴的“框架”：基于听觉记忆和情感驱动的即兴并非无序，而是对既有音乐素材的即时重组。本章提供了分析不同即兴大师（如B.B. King对旋律的重复、Albert King对音色的极端利用）的方法论，旨在教会读者如何从模仿的阶段过渡到“自我引用”——在演奏中巧妙地插入自己独特的音乐“口头禅”。第三部分：布鲁斯的社会生态位——连接历史与未来布鲁斯是历史的承载者，也是社会脉搏的反映。理解它的背景，才能真正释放其潜力。 1. 叙事的重量：歌词背后的社会学：布鲁斯歌词往往是朴实无华的，但其力量在于其无可辩驳的真实性。我们分析了歌词中反复出现的意象（如铁路、贫穷、爱情的失落、上帝的缺席）如何构建了一个特定历史时期的社会景观。重点在于，布鲁斯是如何在压抑的社会环境中，成为一种公开的秘密表达，一种在限制中寻求自由的艺术宣言。 2. 跨界与融合：布鲁斯的基因突变：布鲁斯从未静止不前。本书将追溯布鲁斯的影响力如何渗透到摇滚乐的原始能量、灵魂乐的饱满和声、乃至当代嘻哈音乐的采样结构中。我们探讨了“布鲁斯的DNA”——那种根植于冲突与解决的音乐张力——如何在完全不同的音乐语境中被重新激活和变异。这不仅仅是关于风格的混合，而是关于核心情感在不同文化载体中的适应性。 3. 音乐的“疗愈性”：听众的参与：布鲁斯为何能持续吸引听众？因为它提供了一种“共同的悲伤”。当演奏者真诚地表达自己的挣扎时，听众体验到的是一种被理解的共鸣。本书最后探讨了这种音乐的共情回路，以及演奏者如何通过其音乐，在听众与自身之间建立起一座桥梁，从而实现一种超越言语的、纯粹的情感释放与精神慰藉。本书旨在激发演奏者和严肃音乐爱好者对布鲁斯进行更深层次的反思，鼓励他们走出模仿的舒适区，挖掘隐藏在经典结构之下的无限创意空间，用自己的声音，书写下一段属于自己的“蓝调故事”。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

我拿到这本书的时候，立刻被它那种深沉而内敛的气质所吸引。打开目录，那种结构划分就显得极为专业且富有逻辑性，它不是那种零散的片段拼凑，而是遵循着一条清晰的脉络，层层递进地构建起一个完整的知识体系。我注意到作者在章节划分上非常注重细节，即便是最基础的乐理概念，也被细致地拆解成了易于消化的单元。比如，某个关于和弦进行的小节，它不仅解释了“是什么”，更深入探讨了“为什么会这样”以及“在不同风格蓝调中如何应用”这三个维度，这种由浅入深、全面覆盖的处理方式，极大地满足了我对系统性学习的需求。书中的术语解释清晰明了，没有使用过多的晦涩难懂的行话，即便是对于初学者来说，也能很快抓住核心要点。这种严谨的学术态度和流畅的叙事风格完美结合，使得整本书读起来既有深度，又不失趣味性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现，简直是一场对阅读体验的“微整形手术”。首先，它的边距处理得非常巧妙，既保证了文字有足够的呼吸空间，又没有浪费版面，整体视觉平衡感极佳。我特别喜欢它在引用示范音阶或和弦图表时所使用的特殊标记和颜色区分，这种细微的差别，极大地提高了信息的可识别度和记忆效率。有些音乐书籍的图表往往做得密密麻麻，让人望而生畏，但这本书在这方面做得非常人性化，所有的图示都经过了精心布局，重点突出，让人一目了然。更值得称赞的是，书中对某些历史背景的描述部分，采用了略微不同的字体或背景色块进行区分，这种设计上的“留白”和“强调”，让枯燥的理论知识读起来也充满了故事性。整体而言，这本书在视觉设计上，展现出一种“少即是多”的极简主义美学，却又处处体现出对读者的关怀。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，封面采用了那种复古的哑光纸张，触感温润，边缘的烫金字体在灯光下泛着低调而优雅的光泽。我尤其欣赏它字体选择的考究，那种略带手写感的衬线体，一下子就把人拉回到了六七十年代蓝调音乐最鼎盛时期的那种醇厚氛围中。内页的纸张厚度适中，墨迹清晰，排版疏密得当，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。这本书的尺寸设计得非常便于携带，无论是放在背包里通勤时翻阅，还是周末泡在咖啡馆里细品，都显得恰到好处。这种对物理载体的重视，在如今电子书盛行的时代显得尤为可贵，它不仅仅是一本书，更像是一件精心制作的工艺品，让人忍不住想珍藏。翻开扉页，里面没有任何多余的装饰，干净利落，直奔主题，这种朴实无华的设计哲学，恰恰契合了蓝调音乐那种直击人心的真挚情感。这本书的整体观感，无疑为阅读体验打下了坚实而美好的基础。

评分☆☆☆☆☆

我习惯于在阅读时做大量的批注和标记，而这本书的纸张质量，对我的习惯给予了完美的反馈。它吸收墨水的能力恰到好处，无论是用细头的油性笔还是相对湿润的钢笔书写，都没有出现洇墨或透底的现象，这对于我这种喜欢在书本边缘写下心得体会的人来说，简直是福音。而且，书脊的装订工艺非常扎实，无论我如何用力将书本完全摊平进行临摹或对照阅读，它都没有发出任何令人担忧的撕裂声响，显示出出版商在材料选择上的不惜工本。这种坚固耐用的物理属性，让我确信这本书可以伴随我度过漫长的学习周期，不会因为频繁翻阅而轻易损坏。这种对耐用性的关注，体现了制作者对知识价值的尊重，他们明白这本书会被真正地使用，而不是仅仅陈列在书架上充当装饰品。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容结构上的组织逻辑，给我带来了极大的启发。它不像很多教材那样，把所有复杂的技巧一股脑地堆砌在前面，而是采取了一种螺旋上升的学习路径。开篇部分着重于建立坚实的基础概念，语调平和，引导性强，就像一位耐心的导师在和你进行初次对话。随着阅读深入，你会发现作者逐渐引入更具挑战性的概念，但每一次的难度提升都伴随着前一阶段知识点的巧妙回顾与深化应用。这种编排方式，极大地避免了读者在学习初期产生畏难情绪。尤其令我印象深刻的是，某些复杂的乐句解析部分，作者采用了多角度的论述方式，先从宏观的音乐情绪入手，再拆解到微观的指法和节奏细节，这种由大到小、层层剥开的叙事手法，使得即便是最晦涩难懂的技巧，也能被有效地吸收和理解，读起来完全没有那种“硬啃”理论的痛苦感。

评分☆☆☆☆☆