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出版者:The University of Massachusetts Press

作者:Lewis Rowell

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:1983

价格:$ 28.19

装帧:

isbn号码:9780870234613

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《古琴心传：从指法到意境的千年回响》 作者： 林怀瑾 出版社： 翰墨轩文化 装帧： 精装，函套收藏版 页数： 580页 定价： 380元 --- 内容梗概 《古琴心传：从指法到意境的千年回响》是一部深入剖析中国传统七弦琴艺术的权威著作。本书并非停留在对乐理或历史的简单梳理，而是致力于构建一座连接古代琴学思想与现代演奏实践的桥梁。作者林怀玦，当代著名古琴演奏家与琴学理论家，耗费二十载心血，融合了田野考察、古谱解读、以及自身的演奏心得，为读者呈现了一部集技术指南、哲学思辨与审美鉴赏于一体的百科全书。 全书结构严谨，分为“溯源”、“筑基”、“进阶”、“悟道”四大篇章，层层递进，由浅入深，旨在引导读者真正理解“琴之为乐，修身以养性”的深层内涵。 --- 第一篇：溯源——琴之源流与精神脉络 (The Roots: Lineage and Spiritual Context) 本篇聚焦于古琴的起源、演变及其在中国传统文化中的独特地位。 一、琴的诞生与形制考辨： 追溯至先秦时期，探讨“琴”与“瑟”的分野。详细描绘了不同历史时期（如汉代、唐代、宋代）琴体的结构变化，如“大音希声”理念对琴体木材选择、漆面的影响。特别收录了多幅珍贵古琴的拓片与复原图，解析“凤舌”、“雁柱”、“轸池”等部件的象征意义。 二、文人精神与琴学思想的交织： 分析孔子“伯牙绝弦”的故事，确立古琴“言志”、“载道”的核心功能。深入探讨魏晋名士对琴的推崇，尤其是“嵇康与竹林七贤”中，琴如何成为个体精神自由的象征。阐述了“中和”、“清微”、“淡远”等审美范畴，这些范畴不仅是音乐的描述，更是古代士大夫处世哲学的体现。 三、古谱的迷宫与破译： 详细介绍了中国古琴记谱法的复杂性，重点解析了“减字谱”的结构、读法和书写规范。本书通过大量实例，将枯燥的符号转化为可操作的演奏指示，并辨析了不同流派（如广陵、浙派、川派）在记谱习惯上的细微差异。 --- 第二篇：筑基——技法精要与指法心法 (The Foundation: Essential Techniques and Fingering Philosophy) 本篇是技术层面的核心指南，强调指法不仅仅是动作的模仿，更是意图的传达。 一、七弦的个性与定位： 对“宫、商、角、徵、羽”五音以及“文、武、曲、速、慢”的五行、五志理论进行详细阐述。解释了“上、下、进、退”等基本指位如何对应身体的姿态与气息的运用。 二、基础技法：三十六法详解： 摒弃传统教材中机械的招式罗列，林怀玦教授将基础技法分为“吟猱”、“绰注”、“上、下、进、退”三大类，并引入“气势的流向”概念。 吟猱（颤音）： 区分了“实吟”、“虚吟”、“活猱”、“死猱”，强调其对音色色彩的决定性作用，指出不同的“猱法”反映了演奏者内心的“急”与“缓”。 绰注（滑音）： 细致入微地分析了指头在弦上移动的速度、压力与音高变化的微妙关系，强调“绰”的圆润和“注”的坚定。 按音的质感： 探讨了“上”、“下”、“进”、“退”时，指尖与指腹的接触角度，如何产生如泣如诉的“骨感”或如诉如描的“肉感”。 三、指法与呼吸的统一： 提出“以气运指，以指带气”的理论，详述了如何通过腹式呼吸来控制每一个音符的起止和力度变化，使演奏达到“声中藏气”的境界。 --- 第三篇：进阶——名曲深度解析与风格流派 (Advancement: Deep Analysis of Masterpieces and Stylistic Schools) 本篇从实践层面出发，引导学习者进入古琴艺术的广阔天地，探究不同曲目的演奏要义。 一、流派风格的辨识与模仿： 梳理了自明清以来影响深远的各大流派： 广陵派： 着重分析其“刚健、洒脱”的特点，以《广陵散》为例，剖析其大量快速轮指和强烈的节奏变化所蕴含的抗争精神。 浙派（以徐青山为代表）： 探讨其“细腻、典雅”，解析《流水》中对水流形态的模拟，如何通过快速的散音和复杂的指法变化来描绘动态。 川派（以张子英为代表）： 考察其“古朴、深沉”，分析其在“散吟”和“滑音”处理上的独特韵味，如何体现巴蜀文化的厚重。 二、经典曲目“心法”解构： 本书选取了《梅花三弄》、《平沙落雁》、《阳关三叠》等十首核心曲目进行单曲深度解析。 《梅花三弄》： 不仅是音高结构，更在于对“三弄”中力度层次（轻、中、重）的递进表达，体现“不著一字，尽得风流”的意境。 《平沙落雁》： 侧重于“散音”的处理，分析如何通过轻重有别的弹奏，营造出开阔天际、雁阵和鸣的画面感，而非仅仅是模仿鸟鸣。 三、琴谱的再创作与现代演绎： 探讨在尊重古谱精神内核的前提下，如何进行适当的节奏调整和指法优化，以适应现代音乐厅的声学环境，同时保持作品的“古意”。 --- 第四篇：悟道——琴学境界与身心修炼 (Enlightenment: The Realm of Qin Studies and Self-Cultivation) 终篇升华至哲学与审美层面，探讨古琴演奏者应追求的终极境界。 一、琴、音、人、道的统一： 深入阐释“心手相应”的修炼路径。强调“静”是演奏的前提，唯有内心澄明，指下之音方能“扣人心弦”。引用《琴学心声》等古籍，探讨如何通过抚琴来调和自身的“七情六欲”。 二、音色的“相”与“用”： 区分了“实音”、“泛音”和“散音”在情感表达中的功能。 泛音： 探讨其“虚空”之美，如何营造出山林空谷的回响感。 实音： 如何通过按音的力度变化，表达如泣、如诉、如叹的情绪。 三、从“匠”到“师”的蜕变： 总结了优秀演奏家必备的素养，包括对中国诗词、书法、园林艺术的跨界理解。本书最后以“琴之为器，修心之镜”作结，鼓励演奏者将每一次的弹奏，都视为对生命本真的探寻与对话。 --- 专家推荐 “林怀玦先生的这部巨著，是近年来古琴研究领域罕见的集大成之作。它不仅是演奏者的案头必备，更是所有热爱中国传统文化者的精神指南。其对减字谱的细致梳理和对流派风格的精准把握，令人叹服。”——清华大学 音乐学院 钱教授 本书特色 1. 实例导向： 全书包含超过200个详细的指法图例与乐谱解析，直观易懂。 2. 文化融合： 将琴学融入儒释道思想、中国美学与文人精神，构建完整的知识体系。 3. 深度挖掘： 首次对一些失传已久的指法处理手法进行了理论重构和实践复原。 4. 收藏价值： 采用宣纸内页印刷，配有精美线描插图，装帧典雅考究。 --- 目标读者： 古琴学习者（中级至高级）、音乐学院学生、中国传统文化研究者、对中国古典美学有浓厚兴趣的读者。

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这本书的魅力在于其强烈的、近乎宣言式的个人立场，它是一部充满激情和批判精神的“音乐社会史”。作者毫不留情地批判了20世纪后半叶音乐评论界中存在的精英主义倾向，认为很多评论家沉溺于抽象的审美讨论，却忽视了音乐的物质生产过程和商业流通环节。他以详细的数据分析了唱片工业在后朋克和新浪潮时期如何通过市场细分来塑造听众的品味，并探讨了“地下”场景如何被资本反向收编的过程。阅读这些章节时，我不断被书中那种“音乐不仅仅是艺术品，更是商品与意识形态载体”的观点所震撼。书中对早期电子音乐制作人如何利用廉价合成器进行DIY创作的描绘尤为生动，展现了技术普及对音乐民主化的早期推动作用。这本书的论证方式非常有力，充满了一种打破砂锅问到底的决心，它迫使我们重新审视那些被奉为圭臬的“经典”作品，并思考其背后的权力运作。对于希望理解音乐产业运作机制的读者来说，这是一份必读的、振聋发聩的参考。

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阅读这本书的过程，更像是一场认知科学的奇妙旅程。它并非传统意义上的音乐学著作，而是一本横跨心理学、神经生物学和听觉感知领域的跨学科探索。作者巧妙地运用最新的脑成像技术数据，来解释为什么某些特定的和弦进行（比如增六和弦的解决）会立刻引发听众的“满足感”或“紧张感”。书中详尽地描述了前庭系统在处理复杂节奏型时的参与度，这彻底颠覆了我过去对节奏感仅仅是皮层活动的理解。令人耳目一新的是，作者引入了“预测编码”模型来分析听众如何主动地在脑海中构建尚未到来的音乐部分，而当我们实际听到的音符符合甚至略微超越我们预测时，大脑会释放出多巴胺。这本书的图表和实验设计清晰易懂，即便是对神经科学不甚了解的音乐爱好者，也能被其中关于人类听觉系统的奥秘所深深吸引。它确实挑战了我们对“音乐天赋”的固有观念，表明了我们的大脑是如何被精心“编程”来享受声音的。

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这本新近出版的音乐理论专著，无疑在学术界投下了一枚重磅炸弹。作者以一种近乎诗意的、却又严谨至极的笔触，解构了巴赫赋格的内在逻辑，特别是对D小调BWV 565的分析部分，简直是教科书级别的展示。他没有停留在传统的对位法分析上，而是引入了现代拓扑学的一些概念来阐释主题在复调织体中的“空间性”运动，这使得原本枯燥的结构分析瞬间变得灵动起来。尤其令人称道的是，书中对“动机发展”的讨论，突破了仅关注音高和节奏的局限，深入探讨了“时间张力”在音乐结构中的决定性作用。作者用大量篇幅梳理了18世纪末欧洲知识分子对“美”与“秩序”的哲学思辨，并将其巧妙地嵌入到对奏鸣曲式发展部处理的批评之中，让我对古典主义时期的创作意图有了全新的理解。读完这些章节，我感觉自己不仅仅是在学习理论，更像是在与作曲家本人进行一场跨越时空的对话，体悟他们如何在既定的规则内，爆发出无限的创造力。书中引用的参考文献也极其丰富，覆盖了从阿多诺到当代认知科学的诸多领域，为深入研究提供了坚实的后盾。

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这本书的视角非常独特，它完全避开了主流的西方艺术音乐史叙事，而是聚焦于20世纪中叶拉丁美洲民间音乐的社会功能与权力结构。作者的田野调查扎实得令人惊叹，她深入到安第斯山脉偏远村落，记录了那些几乎失传的吟唱传统。书中通过对比分析两种截然不同的乐器——一种是用于仪式庆典的传统排箫，另一种是战后引入的金属吉他——来探讨全球化对地方文化身份的冲击。语言上，作者的叙事充满了人情味，她不厌其烦地记录了音乐家们在面对政治高压或经济困境时，如何通过音乐进行无声的抗议和情感的维系。特别是关于“歌词的修辞策略”一章，揭示了那些看似简单的民间叙事背后，如何巧妙地嵌入了反殖民和维护族群尊严的信息。对于想了解音乐如何作为一种社会行动力的读者来说，这本书提供了极其宝贵的第一手资料，它提醒我们，音乐研究绝不应仅仅停留在音符层面，更要深入到演奏者和听众的真实生活之中。

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我本来以为这会是一本晦涩难懂的专业书籍，毕竟封面设计透着一股严肃的学院派气息，但翻开后，那种流畅且富有个人色彩的叙事风格立刻抓住了我。作者似乎完全摒弃了那种冰冷的、公式化的音乐术语堆砌，转而采用了一种近乎口述历史的方式来探讨即兴演奏的艺术。书中花了相当大的篇幅描述了爵士乐黄金时代的几位传奇钢琴家的演奏习惯，不仅仅是记录他们演奏的音符，更细致地描绘了他们在录音室里与乐手之间眼神的交流、微妙的呼吸停顿如何影响了最终的音乐走向。最让我印象深刻的是关于“旋律线建构”的章节，作者用一系列生动的比喻，比如将即兴旋律比作在迷宫中行走，而不是沿着既定轨道前行，极大地帮助我理解了听觉经验与指法运动之间的复杂关系。这本书的价值在于，它成功地架设了一座桥梁，让那些习惯于纯粹学术分析的人，能够真正地“听见”音乐背后的汗水与灵感，它更像是一本关于“如何成为一个倾听者”的指南，而非简单的技术手册。

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