Thomas Hirschhorn (Contemporary Artists) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Phaidon Press

作者:Benjamin H.D. Buchloh

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:2004-10-01

价格:USD 39.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780714842738

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• ideal
• 当代艺术
• 装置艺术
• 公共艺术
• 雕塑
• 艺术理论
• 托马斯·赫施霍恩
• 艺术史
• 文化评论
• 政治艺术
• 瑞士艺术

《材料的革命：当代艺术中的物质性与政治》 本书导言 在当代艺术的版图中，物质性（materiality）与感知体验的交织构成了理解艺术实践的核心维度。本导览深入探讨了自二十世纪末至今，艺术家们如何重新激活并重构“材料”这一传统概念，使其不再仅仅是载体，而是承载思想、历史与政治批判的有力工具。我们聚焦于那些大胆挑战既有媒介界限，并将其创作手法推向极端的艺术实践，揭示材料在构建意义、介入公共空间以及反思全球化权力结构中的关键作用。 本书的探讨横跨雕塑、装置艺术、影像乃至表演的边界，旨在呈现一个多元且富有张力的当代艺术图景。我们关注的焦点在于，当艺术作品拒绝被传统美学范式所定义时，其在物理实体层面所展现出的强悍力量与脆弱性。 第一章：非传统物质的再语境化：日常废弃物与工业残余 本章聚焦于艺术家如何从日常生活中提取被忽视或抛弃的物质——从塑料包装、建筑废料到电子垃圾——并将其提升至艺术的场域。这种对“低级”或“无用”材料的采纳，本身即是一种对消费主义文化和物质过剩的批判。 我们首先考察了那些以堆积、拼贴和缠绕为主要手法的实践。这些作品通过材料的累积，制造出令人眩晕的体积感和压迫感。材料的粗粝质感、未经处理的表面以及来源的痕迹，成为作品叙事中不可磨灭的一部分。例如，通过使用大量胶带、纸板和保鲜膜构建的临时性结构，艺术家探讨了不稳定、短暂性以及人类对构建庇护所的本能需求。这些结构往往处于一种持续的、未完成的状态，暗示着社会秩序的内在易碎性。 其次，本章深入分析了工业材料（如钢筋、混凝土碎片、隔离材料）在艺术中的运用。与极简主义对材料纯粹性的追求不同，这里的运用强调材料的“污染性”和“历史重量”。艺术家们并非简单地展示材料的几何形态，而是通过暴露其制造、运输和废弃的工业流程，将作品置于全球供应链的宏大叙事之中。材料的冷硬与作品所探讨的个体经验之间的张力，构成了强烈的视觉冲击。 第二章：身体、空间与介入性：装置艺术中的物质性政治 当代装置艺术的物质性往往与其空间关系和观者的身体体验紧密相连。本章探讨了艺术家如何利用材料的物理属性，设计出能够迫使观者重新评估自身位置和环境的沉浸式场域。 关键在于“介入”（intervention）的概念。艺术家不再满足于创作可供观看的对象，而是构建了一个需要被穿越、被规避甚至被感受的物质环境。例如，利用临时搭建的隔板、覆盖物的织物或光线的操纵，艺术家可以瞬间改变既有空间的感知逻辑。材料的纹理、重量和气味——那些往往被传统艺术范式所忽略的感官维度——被放大并用作情感触发器。 我们审视了那些使用易燃、易碎或需要持续维护的材料创作的作品。这种对材料生命周期的关注，将艺术品的“完成”状态推向了质疑。作品的变质、腐朽或需要人工干预才能维持其存在的特性，揭示了艺术、维护与时间之间的复杂关系。物质性在此成为一种动态的、非永恒的存在论。 第三章：光影的物质化：透明度、反射与感知欺骗 超越了传统的绘画和雕塑材料，一些艺术家将光线本身视为一种可塑的物质。本章探讨了如何通过使用反光、透明或半透明的材料（如镜面、塑料薄膜、树脂或液晶屏）来探讨视觉的可靠性与感知的主观性。 关键在于“模糊界限”。当镜面材料被用来模糊艺术品与观众、内部空间与外部环境的界限时，作品的物质实体似乎在不断地“逃逸”。反射性表面不仅复制了周围的环境，还将其扭曲、分层，迫使观者面对一个由自身形象构成的、不断变化的物质场域。 此外，对光线的控制，无论是通过霓虹灯管、LED矩阵还是投影，都被视为一种对物质的“注入”。这些人工光源不仅照亮了物体，它们本身也成为了雕塑性的元素。这种对“虚无”和“能量”的物质化尝试，常常关联着对现代技术社会中信息流动与可见性政治的探讨。 第四章：表征的崩塌：文本、图像与物质残余的碰撞 本章关注那些将印刷品、图像碎片和文字符号整合入物理结构中的艺术实践。艺术家们使用这些信息载体作为一种“软材料”，并将其与硬质的、结构性的物质（如金属、混凝土）并置，以探讨信息过载与物质现实之间的断裂。 通过对报纸、广告牌、书籍页面的撕裂、覆盖或浸泡，艺术家们破坏了既有符号的权威性。物质的损毁过程本身成为解读的工具，暗示着主流叙事结构的瓦解。当一个清晰的文本被污渍、油漆或泥土覆盖时，它从一个清晰的指代物转化成了一个带有强烈历史和身体印记的物质残余。 这些作品挑战了媒介的等级制度，即“观念”高于“执行”，“清晰”优于“模糊”。相反，材料的混乱性、污损和物理阻力被确立为批判思想的有效载体。这种物质与符号的辩证关系，构成了对当代文化中意义建构过程的深刻反思。 结语：物质性的持久回响 本书的考察表明，当代艺术的活力很大程度上来源于对物质的重新探索和挑战。艺术家们通过对材料的激进使用，不仅拓宽了艺术的物理可能性，更重要的是，他们利用物质的在场性、脆弱性与关联性，构建了批判性的立场。从被抛弃的废弃物到精心操纵的光线，物质性不再是艺术的次要附属品，而是其最直接、最不可回避的政治宣言。这些实践迫使我们以一种全新的、更具触感的态度去理解我们所处的物质世界及其背后的权力运作。

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阅读这本书的过程，与其说是欣赏，不如说是一场持续的、对“真实性”的审视与辩论。书中的文本部分，那些穿插在图像之间的访谈录和艺术家声明，以一种近乎于断裂和重复的方式组织着，读起来需要极大的耐心和专注力。它完全没有那种温和的、引导性的叙事口吻，而是充满了尖锐的、常常是自相矛盾的断言。当我读到关于他如何看待“美学疲劳”的段落时，我立刻联想到了前面几页展示的那些用廉价塑料布和荧光灯管构建起来的场景。这种并置带来的张力，才是真正引人入胜之处。仿佛作者在告诉你，艺术的价值并不在于材料的稀有性或工艺的精湛度，而在于其背后所承载的、毫不退缩的智力投入和对既定秩序的持续挑战。它探讨的不是“这是什么”，而是“为什么它必须是这样”，这种哲学层面的追问，使得这本书的阅读体验远超出了单纯的视觉享受，更像是一次与一位固执的、却又极具洞察力的思想家的深度对话。

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这部作品集（我们暂且这么称呼它）的装帧设计本身就透露着一种毫不妥协的、略带粗粝感的现代主义精神。封面采用了厚实的哑光纸张，触感粗粝，仿佛直接从工作室的地面上拾取而来，上面印着的字体——那种近乎于工业标识的无衬线体——带着一种不容置疑的、近乎于宣告的姿态。我翻开扉页时，首先映入眼帘的是一系列高分辨率的装置照片，它们的光影处理极其讲究，即便是对那些看起来像是用胶带和瓦楞纸板随意搭建起来的结构，摄影师也捕捉到了光线在那些临时材料上折射出的微妙层次感。这不仅仅是一本记录作品的图册，它更像是一份详尽的、近乎学术性的视觉档案，记录了一个创作过程的各个阶段，从早期的草图、材料清单的碎片，到最终完成的、占据整个房间的巨型“雕塑”。那种对细节的痴迷，那种对日常材料如何通过精心布局转化为具有强大冲击力场域的展示，让人不禁要停下来，仔细辨认每一处胶带的纹理和每一张被裁剪的报纸边缘。它强迫读者慢下来，去参与到那种近乎于苦行僧式的、对物质性的执着探求之中，这与如今许多追求快速视觉满足的艺术出版物形成了鲜明的对比。

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最让我感到意外的是，尽管主题严肃且材料粗粝，这本书在处理“装置的消逝”这一概念时，却展现出了一种近乎诗意的理解。许多作品是为特定场所和特定时间而存在的，一旦展览结束，它们便被拆除、被丢弃。书中的这些定格的图像，与其说是作品的纪念碑，不如说是它们幽灵般的残影。文字中流露出一种对“痕迹”的珍视，那种对物质性转瞬即逝的确认，反而赋予了这些图像一种超越时间的重量感。它不沉溺于怀旧，而是以一种冷静的、近乎于科学记录的方式，承认了艺术实践中固有的破坏性与重建性循环。这让我反思，我们所阅读的，究竟是艺术本身，还是艺术留下的“意外的副产品”？这种对暂时性和非永恒性的深刻探讨，使得这本书不仅停留在对具体作品的记录层面，更上升到了一种关于艺术媒介本质的哲学探讨，其深度和广度是令人敬佩的。

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这本书的版式设计简直是一场对传统艺术画册规范的公然藐视。章节之间的过渡是如此突然，以至于你常常需要在两个截然不同的项目之间进行一次精神上的“硬重启”。例如，前一页还是对某件临时装置从上方俯视的、近乎于地图测绘般的精确记录，下一页可能就跳跃到了一张模糊不清的、拍摄于某个仓库角落的黑白照片，照片中的某个元素——也许只是一堆废弃的木条——却被用粗黑的箭头和手写的符号做了标注。这种排版的混乱感，恰恰精准地模仿了艺术家工作现场那种高度集中的、但又充满偶然性的创作环境。它拒绝提供平滑的、线性的解读路径，而是强行将读者投入到一种类似于考古发掘的状态中，需要我们自己去拼凑、去连接那些看似不相关的碎片，从而构建出作品背后的逻辑骨架。对于那些习惯于被清晰讲解的艺术爱好者来说，这无疑是一种挑战，但对于热衷于探索创作本质的人来说，这恰恰是最迷人、最诚实的呈现方式。

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我注意到书中对特定色彩的使用有着一种近乎于偏执的强调。那些饱和度极高的红、黄和蓝，往往是以最原始的、工业涂料的形式出现的，它们被涂抹在粗糙的墙面，或者被用作搭建简易结构的支撑色。这种色彩的选择，显然不是为了营造愉悦的视觉效果，而是带有强烈的警示意味和符号性。在阅读那些关于地缘政治和消费主义批判的引文时，我感到这些色彩仿佛在画面中“嗡嗡作响”，它们并非装饰，而是刺耳的噪音，是艺术家用来切割宁静、强行介入观看者日常经验的工具。这种对“低级”或“廉价”色彩的执着运用，揭示了一种对主流美学范式的抵抗，它不再试图通过精致的调和来获得认同，而是直接使用那些最具有原始冲击力的色块，将观者置于一个充满紧张感的、非舒适区之中。这本书成功地将这种视觉上的“不适感”也一并印刷和保存了下来。

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废物不废

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后悔没仔细看文字///结果一年后再借 上一个借这本书的人还是我

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废物不废

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