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出版者:Focal Press

作者:Roger Derry

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:2006-10-16

价格:USD 40.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780240519692

丛书系列:

图书标签:

• Adobe Audition
• 音频编辑
• PC音频
• 数字音频工作站
• DAW
• 音频处理
• 声音编辑
• 录音
• 后期制作
• 教程

音乐制作与声音设计的前沿探索：沉浸式音频的无限可能 图书名称：沉浸式声音景观：从基础理论到尖端应用的实践指南 内容简介： 在信息爆炸的时代，声音不仅仅是背景，它已成为叙事、体验和情感连接的核心载体。本书旨在为所有对现代音频技术、声音设计和沉浸式体验构建充满热情的专业人士、学生和发烧友提供一份全面、深入且高度实用的指导手册。我们不再仅仅关注传统的线性录音和混音，而是将目光投向一个由空间化、交互性和多维度构成的前沿领域——沉浸式声音景观。 本书结构清晰，内容涵盖了从最基础的声音物理学原理到最复杂的空间音频制作流程，确保读者能够建立坚实的技术基础，并能灵活应对行业内快速迭代的技术挑战。 第一部分：声音的本质与感知基础 (The Essence of Sound and Perceptual Foundation) 本部分将打下坚实的理论基石。我们将深入探讨声音的物理学特性，包括声波的传播、频率、相位和时间对人类听觉系统的影响。理论部分绝非枯燥的公式堆砌，而是紧密结合实际应用场景。例如，我们将详细分析驻波如何影响小型录音空间的声学特性，以及如何通过精确的EQ调整来补偿环境对声音信号的染色。 重点章节包括： 听觉心理学导论： 探索人耳如何感知响度、音高和空间位置。我们将研究“遮蔽效应”和“菲利普斯曲线”在混音决策中的实际意义，帮助读者理解为什么某些频率的相对响度比绝对响度更重要。 声场重建的原理： 剖析基础的双耳听觉理论（Binaural Hearing），详细介绍 HRTF（头部相关传输函数）在模拟真实声场中的作用。这为后续的沉浸式技术打下认知基础。 数字音频的极限： 深入探讨采样率、位深与动态范围之间的权衡。我们不满足于“24bit/96kHz就是最好”的简单论断，而是分析在特定制作场景下（如VR/AR内容制作或低带宽流媒体）选择不同参数集的工程考量。 第二部分：构建现代录音室 (Engineering the Contemporary Studio) 一个卓越的声音始于卓越的采集。本部分将指导读者如何规划、搭建并优化一个面向空间音频和高保真制作的录音环境。我们强调“声学优先”的原则，并讨论如何在预算有限的情况下实现最佳的声学处理效果。 核心内容包括： 麦克风技术的多维应用： 不仅涵盖心形、超心形等传统指向性麦克风的使用，更侧重于M/S（中侧）、双环绕（Blumlein Pair）以及Ambisonics（全向声场）阵列的精确部署。针对复杂的声场录制，我们将提供详尽的步骤指南，包括如何校准和补偿阵列的相位差异。 前置放大器与信号路径的优化： 探讨不同类型的前置放大器（晶体管、电子管、变压器耦合）如何为信号添加独特的“色彩”和动态特性。我们还会详细分析阻抗匹配在保持信号完整性中的关键作用。 监听系统的精确校准： 详细阐述如何利用测量麦克风和声学分析软件（如REW）对监听环境进行校准，确保监听环境下的频率响应和相位响应尽可能线性化，这是进行空间混音决策的前提。 第三部分：空间化音频设计与沉浸式叙事 (Spatial Audio Design and Immersive Storytelling) 这是本书的核心与创新所在。我们跳脱出传统的L/R立体声思维，全面进入三维声场的构建与操控。本部分深入探讨了当前主流的沉浸式音频标准及其在不同平台上的实现策略。 重点聚焦于： 面向对象的音频 (Object-Based Audio)： 详细解析Dolby Atmos、Auro-3D等主流沉浸式格式的渲染机制。我们将指导读者如何标记（Tagging）、定位（Panner）和管理音频对象，实现灵活的声场编辑。 VR/AR环境下的动态声景 (Dynamic Soundscapes for XR)： 探讨如何将声音与虚拟环境中的事件（如角色移动、光源变化）进行绑定，实现声音的实时交互。内容包括空间化插件的使用、基于距离衰减的模型构建，以及如何利用游戏引擎（如Unity或Unreal）的音频中间件（如Wwise或FMOD）进行复杂的状态机音频管理。 空间混音的艺术： 混音不再是平衡响度，而是平衡“空间感”。我们将教授如何利用混响、延迟和空间扩散参数来创造深度、宽度和高度。例如，如何通过精确控制早期反射声（Early Reflections）来模拟特定建筑空间的体积感。 第四部分：高级声音处理与后期制作流程 (Advanced Processing and Post-Production Workflows) 本部分关注效率、创造力和解决复杂后期问题的策略。我们将探讨传统效果器的空间化应用，以及新兴的AI辅助工具在声音清理和声音设计中的潜力。 关键议题包括： 非线性声音处理的创造性应用： 深入研究脉冲响应（IR）的采集与编辑，如何利用卷积混响来“重塑”环境，以及如何使用相位处理技术（如频谱操纵）来改变声音的感知三维形态。 噪音与干扰的深度修复： 超越基础的降噪。我们将教授针对特定干扰（如嗡嗡声、呼吸声、环境噪音）的定制化滤波和频谱修复技术，包括利用先进的频谱编辑软件进行逐点修复的精细化操作。 工作流程的互操作性与交付标准： 探讨不同DAW（数字音频工作站）平台之间进行沉浸式项目协作的策略。详细解析行业交付规范（如响度标准Loudness Units Full Scale, LUFS）在多声道和沉浸式项目中的特殊要求，确保最终成品能够在全球发行平台合规通过。 本书的最终目标是，让读者不仅掌握工具的使用，更深刻理解声音在当代媒介中的叙事潜力。通过大量的案例分析、实践练习和对未来音频趋势的展望，读者将具备独立设计、制作和交付具有强烈感染力的沉浸式声音作品的能力。本书是通往声音设计未来的一把钥匙。

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总的来说，这本书给我的感觉更像是一份对特定历史阶段数字音频编辑黄金时代的珍贵记录，而不是一本面向当前生产环境的实用指南。我并不是指责它过时，恰恰相反，我欣赏它所承载的“匠人精神”。它迫使读者慢下来，去理解每一个操作背后的计算代价和声音后果。书中对于工作流程的描述，那种需要预先规划每一个步骤的严谨性，与现在一键式解决方案的便利形成了鲜明对比。我尤其关注了书中关于母带处理（Mastering）章节的措辞，在2.0时代，这个过程更像是精细的“混音调整”而非我们今天所理解的响度优化和最终染色。如果作者能提供一些关于如何利用当时的限制去创造出具有特定年代感音质的建议，例如如何利用早期的过载模拟来增加温暖度，那这本书的收藏价值和历史参考价值就达到了顶峰。它是一扇窗，让我得以窥见数字音频工具发展脉络中一个关键的、略显粗糙却充满创造力的起点。

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这本书的封面设计，坦率地说，有点让人回想起千禧年初期的那种工业设计风格，厚重、直接，没有太多花哨的装饰。我刚拿到它的时候，主要被它名字里包含的“Adobe Audition 2.0”这个版本号吸引了。要知道，现在我们谈论的都是CC系列，或者至少是CS系列了。所以，这立刻给我一种怀旧的感觉，仿佛在翻阅一本记录历史的档案。我购买它并非为了学习最新的混音技巧——毕竟，2.0版本的功能与现代DAW相比，简直是史前技术了——而是出于一种对数字音频制作早期实践的强烈好奇心。我想了解，在那个技术尚未完全成熟的年代，工程师和音乐制作人是如何利用这个特定工具来解决音频编辑难题的。这本书的厚度暗示着它对这个特定版本的软件进行了详尽的剖析，可能涵盖了诸如非破坏性编辑的基础逻辑、早期采样率处理的限制，以及界面布局的演变过程。我特别期待能看到作者是如何处理那个时期特有的插件兼容性问题，或者他们是如何在资源有限的硬件上实现复杂的音频叠录和效果链的。如果书中能包含一些当年使用这款软件的“黑科技”或者效率秘诀，那对我来说就太有价值了，这比学习最新的自动修复算法要有趣得多，因为它展现了解决问题的创造力。

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这本书的目录结构看起来非常系统化，似乎是将整个软件的功能模块一一拆解，然后进行深入讲解。我特别留意了关于“效果器链构建”的部分。在2.0时代，VST/DirectX插件的标准化和兼容性是一个巨大的挑战。我很想知道作者是如何处理跨平台或跨版本插件加载失败的情况，或者他们推荐了哪些内建效果器组合来模拟现代插件的功能。例如，那个时代均衡器（EQ）和动态处理的算法往往更“粗犷”一些，书中是否探讨了如何利用这种粗犷感来创造特定的声音特征，而不是简单地去“修复”声音？此外，章节中对于文件管理和项目备份的描述，也反映了那个时代对数据安全性的重视程度，毕竟那时候硬盘空间是昂贵的资源，任何一次导出或保存都伴随着更重的思考成本。我希望看到一些关于如何最大化利用有限的轨道数量和总线配置的策略，因为那时的软件在多轨处理能力上远不如今天这般挥霍自如。

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翻开内页，我首先注意到的是排版风格，它给人一种非常扎实、教科书式的严谨感，几乎没有多余的视觉干扰。我注意到书中对软件界面的截图是低分辨率的，这完全符合那个时代的技术限制，但同时也让读者立刻意识到这是一部“文物级”的指南。我试图从中寻找一些关于声音设计哲学的讨论，而不是单纯的“点击这里，然后选择那个菜单”的操作步骤。毕竟，任何好的音频编辑书籍都不应该仅仅是操作手册，它应该提供一种思考框架。我期望看到作者如何指导读者理解“时间伸缩”和“音高修正”在2.0版本中的底层算法差异，以及这些差异对最终声音质量的影响。更重要的是，我想知道，在那个缺乏实时预览和强大计算能力的时代，作者是如何培养出听觉判断力的？是否有关于“录音室心态”的章节，教导读者如何在迭代速度较慢的环境中保持清晰的听力焦点和决策速度？如果这本书仅仅停留在基础操作层面，那它的价值会大打折扣，我更希望它能触及到软件背后的设计意图和音频工程的底层逻辑。

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阅读过程中，我发现书中对音频修复和降噪技术的介绍显得尤为谨慎和基础。这很符合2.0版本的技术背景，当时的降噪工具往往只能处理非常明显的、固定频率的噪音，面对复杂的环境声或宽带噪音时显得力不从心。我好奇作者是如何指导读者去“接受”某些无法完全消除的瑕疵，并将它们转化为声音的“纹理”而非“错误”。这本书似乎更侧重于“编辑的艺术”——如何在剪切、淡入淡出和时间对齐中实现流畅的叙事，而不是依赖强大的后期处理滤镜。我特别想知道，作者是如何讲解瞬态塑形（Transient Shaping）的，因为在早期的数字音频工作站中，精确控制鼓点的起音和衰减是一项精细的手工活，可能需要结合多点的切割和交叉淡入淡出。如果书中能提供一些关于如何通过手工操作达到类似现代工具效果的实例，那将是极佳的教学材料，它体现了早期音频工程师的耐心和精确度。

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