黄梅戏 红楼梦(两碟装)(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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《梨园旧梦：徽州戏曲的兴衰与传承》 一部深入探究徽州地方戏曲艺术，尤其是黄梅戏发展脉络的学术专著。 作者： 汪承德 著 出版社： 安徽人民出版社 出版年份： 2018年 装帧形式： 精装，共三册，附赠珍贵历史剧照集 定价： 388.00 元 内容简介： 本书并非聚焦于某一特定剧目的改编或演绎，而是以宏大的历史视野和扎实的田野调查为基础，全景式地描绘了徽州地区——这片孕育了黄梅戏艺术的沃土——从清代中叶至今，地方戏曲艺术的发生、演变、鼎盛与挑战。全书共分七大部分，近百万言，力求为戏曲史学界和地方文化研究者提供一部详实、权威的参考资料。 第一部分：徽州文脉与戏曲土壤的形成 本部分追溯了徽州文化的深厚底蕴，探讨了徽商的崛起及其对民间娱乐和戏曲发展的推动作用。重点分析了在徽州府县衙、宗祠、以及市井街巷中，传统“花部乱弹”、“徽调腔”等地方声腔的初始形态。我们详细考察了徽州地区独特的宗族结构和商业贸易活动如何催生了对地方性、生活化的戏曲表演的巨大需求。书中收录了若干早期戏班的组织结构和演出契约范本，揭示了当时戏曲演出的经济基础。 第二部分：黄梅戏的早期雏形与声腔的地域分化 “黄梅戏”并非一蹴而就，本书深入剖析了其前身——以湖北黄梅县为中心，辐射至安徽安庆、池州一带的民间“采茶戏”的音乐特征。着重比较了安庆一带早期声腔与池州、宣城等地声腔在板式、过门音乐以及伴奏乐器使用上的细微差异。作者通过对清末民初手抄本戏目和民间艺人口述资料的整理，重建了早期黄梅调的“田歌”韵味与“山歌”腔调的交融过程，强调了其朴素、生活化的初始美学特征。 第三部分：都市化进程中的声腔规范与剧目创新 进入二十世纪二三十年代，随着安庆作为区域性商业中心的地位确立，黄梅戏开始走出乡村，进入城市剧场。本部分聚焦于这一关键的转型期。详细梳理了以“四大名旦”为代表的早期表演艺术家如何将原本松散的民间曲调，逐步规范化、程式化，形成了具有更强舞台表现力的唱腔体系。我们引入了音乐分析的方法，详细解读了如“二八慢”、“哭腔”等标志性唱腔在舞台化过程中进行的结构调整和情感张力的构建。同时，本书也探讨了这一时期如何吸收京剧、徽剧等“花部”剧目的表现手法，丰富舞台表演的叙事性。 第四部分：战后重建与艺术高峰的探索 抗战胜利后，黄梅戏迎来了重要的发展机遇。本部分详尽记录了建国初期，地方戏曲改革运动对黄梅戏艺术的深刻影响。重点研究了剧作家和音乐家如何尝试“移植”传统经典剧目，如吸收《白蛇传》、《天仙配》等题材的改编经验，并尝试创作反映现实生活的新剧目。书中特别设立专章，分析了在这一时期，舞台美术、服装设计等视觉元素如何随着“新戏”的创作而发生革命性的变化，以适应更大型剧场的演出需求。 第五部分：经典剧目的母题研究与文本解读 本书摒弃了对著名剧目的简单介绍，转而进行深层次的文本分析。本部分选取了数部在不同历史时期具有里程碑意义的黄梅戏经典剧目，从叙事结构、人物塑造和伦理道德观三个维度进行剖析。例如，对《女驸马》中“反串”艺术的社会心理根源进行了社会学层面的探讨；对早期田园题材剧目的乡土情怀进行了文化地理学的考察。所有分析均基于原始剧本和不同年代的舞台实录对比。 第六部分：传承危机与艺术生态的变迁（1980年代至今） 随着大众娱乐方式的多元化，地方戏曲面临前所未有的挑战。本部分深入探讨了改革开放后，黄梅戏在市场经济冲击下所经历的困境。研究对象包括剧团的解散与重组、青年演员的培养瓶颈、以及观众群体的代际更替。我们特别关注了当代艺术家在保持艺术本体性的前提下，如何尝试与现代音乐、多媒体技术相结合的探索性实践，客观评估了这些尝试的成效与争议。 第七部分：口述史料与非物质文化遗产的保护实践 本书的最后一部分是本书价值的集中体现——收录了对数十位健在的老艺术家、老乐师、戏曲史学家的口述访谈记录（附录光盘收录了部分访谈视频片段）。这些一手资料，从个人经历的角度，还原了历史的细节与温度。同时，本部分也总结了当前安徽省及周边地区在黄梅戏非物质文化遗产保护方面所做的努力、面临的政策困境与未来展望。 本书特色： 史料翔实： 引用了大量首次公开的档案文献、民间票据和手抄本。 跨学科视角： 融合了戏曲学、社会学、文化人类学及音乐分析方法。 研究严谨： 对“黄梅戏”这一术语的内涵和外延进行了清晰界定，避免了概念混淆。 配图丰富： 附有大量珍贵的历史演出照片、舞台设计图纸及老乐器照片。 本书是研究中国地方戏曲史、安徽地方文化史，以及对中国传统表演艺术有浓厚兴趣的读者不可或缺的案头工具书。它讲述的，是徽州人如何用唱腔和身段，记录他们数百年来的喜怒哀乐与对家乡土地的眷恋。

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对于很多从小听着传统戏曲长大的观众来说，改编名著的风险在于“忠于原著”与“艺术创新”之间的权衡。我个人认为，这部黄梅戏版本在选材上一定做了大胆的取舍。它不可能面面俱到，所以它最核心的任务，是抓住“情”字。我反复思考的是，它是否成功地塑造了贾宝玉的“痴”？这种“痴”在京剧或昆曲中可能表现为更激烈的外部冲突，但在黄梅戏相对柔和的腔调里，如何体现那种“不入世”的疏离感？我猜测，可能通过大量的内心独白式的吟唱来完成。另外，关于配乐，这也是我非常关注的一点。黄梅戏的伴奏，尤其是对鼓板和胡琴的运用，直接影响到戏曲的节奏感和情绪张力。如果能巧妙地运用慢板来表现沉思，用流水板来推动情节的急转直下，那么即便是VCD的音质，也能传递出强烈的艺术感染力。我希望看到的是一种“润物细无声”的改编，它不喧宾夺主，而是用戏曲的独特美学，为我们提供一个全新的、带有地方剧种鲜明印记的《红楼梦》侧面解读。

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最近整理旧物，翻出了这套“黄梅戏 红楼梦”，感觉就像打开了一个时间胶囊。VCD时代的画质，对于习惯了4K画质的眼睛来说，确实是一种视觉上的“降维”。但奇怪的是，当我关上灯，只专注于舞台上的表演时，那种颗粒感反而衬托出舞台的真实感，仿佛真的置身于一个老剧院里，空气中弥漫着油彩和汗水的味道。我当时主要关注的是舞台调度。黄梅戏的舞台空间相对有限，如何用有限的布景来表现贾府的煊赫和后期的衰败？我看重的是“空景”的运用。比如，用一两件道具，配合演员的走位和唱腔的速度，来暗示环境的变化，这才是传统戏曲的精髓所在。如果这部片子只是简单地把小说场景搬上舞台，那它就失去了戏曲改编的意义。我对梅派艺术家的演绎尤其关注，他们如何在遵循传统戏曲规范的前提下，注入对《红楼梦》人物性格的独特理解。是更偏向于悲情哭腔，还是更侧重于叙事性腔调的铺陈？这次重温，我打算跳出“故事性”的评判标准，而完全从“表演艺术”的角度去审视，看它如何用黄梅戏的语汇，重新诠释悲剧的永恒主题。

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老实说，我入手这套VCD纯粹是出于对传统戏曲艺术的某种情怀。我对黄梅戏的了解并不算深入，但知道它讲究水袖的功法和唱腔的韵味。这次看到它改编《红楼梦》，我首先好奇的是时长限制。VCD一盘的时长是有限的，如何浓缩“薄命司”里那上百个人物的命运和错综复杂的关系网？这无疑是个巨大的挑战。我更倾向于认为这更像是一个精选版的“折子戏”，侧重于表现几场标志性的情节，比如黛玉葬花、宝玉出家，而不是试图全面覆盖全书内容。如果真是如此，那么对演员的功力要求就极高了，每一个亮相、每一个转身，乃至每一个拖腔，都必须精准到位，承载起原著中复杂的人物心理活动。我希望看到的不是流水账式的剧情堆砌，而是通过极具程式化的戏曲表演，将人物的内心世界进行提炼和升华。比如，王熙凤的那种泼辣和精明，如何在唱腔里被表现出来？那需要极强的板式转换和情绪爆发力。如果仅仅是平铺直叙，配上略显陈旧的录制技术，那恐怕只会让新一代的观众感到枯燥，让老戏迷感到遗憾。我更看重的是，它是否找到了戏曲艺术与古典小说之间，那条最巧妙的平衡线。

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说实话，我购买这部VCD，很大程度上是因为它携带的“两碟装”的标识，这暗示着内容量是相对充足的，不至于匆匆了事。我对黄梅戏的审美，停留在那个朴素的年代，注重的是演员的台风和基本功，而不是后期的特效和剪辑。所以，当我观看时，我的注意力完全集中在舞台调度和演员的眼神交流上。比如，探春理家时的那种雷厉风行，是如何通过身段展现出来的？还有，妙玉在栊翠庵的那种遗世独立，那种“槛外人”的清冷，单凭声音和极简的布景，要如何刻画到位？这对我来说，是衡量一部戏曲片是否成功的关键。如果这部片子只是将小说对白“唱”出来，而没有将小说中的意境“演”出来，那它的艺术价值就会大打折扣。我更欣赏那种大胆的、符合戏曲逻辑的“意象化”处理，比如用一色的服装来代表贾府的兴衰，或者用特定的过场音乐来烘托气氛。总而言之，我期待的是一次对经典文本的“戏曲化转译”，而不是简单的舞台录像，它必须展现出黄梅戏这门古老艺术在诠释复杂人性时的独特力量与美感。

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这部“黄梅戏 红楼梦(两碟装)(VCD)”的影碟，我拿到手的时候，首先就被它那略显复古的包装吸引住了。虽然现在高清蓝光满天飞，但VCD那种特有的厚重感和色彩饱和度，总能唤起一种旧时光的温柔记忆。我对黄梅戏的热爱是毋庸置疑的，尤其是那些经典名段，听着就让人心头一颤。然而，对于《红楼梦》这个宏大叙事，我一直以来都更偏爱文字的细腻，影视改编总难免有取舍。我特别期待的是，这部戏曲片是如何处理宝黛钗三人的情感纠葛，以及大观园的诗意氛围。黄梅戏的唱腔以婉转优美著称，能否驾驭《红楼梦》中那种深沉的悲剧底色，而不是仅仅停留在风花雪月之上，是我最大的疑问。我希望看到的是，舞台美术和服装造型能尽可能贴合原著的清雅，而不是过度装饰，毕竟曹雪芹笔下的悲剧美感，重在“白茫茫大地真干净”的那种空灵与苍凉。如果它能捕捉到林黛玉的清高孤傲和薛宝钗的圆融世故，并通过唱腔的起伏来体现，那这部作品就绝对值得珍藏了。期待它能带给我一次纯粹的、充满古典韵味的视听享受，是对原著精神的一种尊重和再现。

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