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出版者:天津人民美术出版社

作者:今野由惠

出品人:

页数:0

译者:窦金兰 等

出版时间:2001-1

价格:70.0

装帧:

isbn号码:9787530514535

丛书系列:

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古籍重现：宋代文人画中的山水意境与笔墨探索 内容提要： 本书旨在深入剖析宋代文人画（士人画）的独特艺术追求、理论基础及其在不同时期的演变脉络。重点考察以苏轼、米芾、李公麟等为代表的文人士大夫如何将儒释道的哲学思想、深厚的文学修养融入绘画实践，从而构建出一种区别于院体画的、强调“写意”而非“写形”的全新审美体系。全书通过对传世代表作的细致摹写与解读，阐述了“论画以形似，见与 শিল্পী不 কলা”的艺术观如何确立，并追溯了水墨技法的成熟过程，以及山水、竹石题材作为文人精神寄托的文化意涵。 --- 第一章：时代背景与士人画的兴起（约 300 字） 宋代，特别是北宋中后期，是中国艺术史上一个关键的转折点。随着科举制度的完善和社会结构的变迁，士大夫阶层日益壮大，他们不再将仕途视为唯一的价值实现途径。在这一背景下，绘画从单纯的技艺层面上升为涵养心性的重要载体。 本章首先勾勒出唐末五代以来，中国思想界“内转”的趋势——即关注个体精神世界和内在情感表达的深化。我们考察了儒家“修身、齐家、治国、平天下”理念在艺术领域的投射，以及禅宗对“顿悟”和“直指本心”的强调，如何与绘画中的“不着一笔，尽得风流”的境界相契合。 文人画的崛起，标志着艺术创作主体身份的重大转变：画家不再仅仅是宫廷或私人定制的匠人，而是具有独立思想和道德标准的知识分子。他们反对院体画中过度追求形似和装饰性的风格，转而追求笔墨中的“性灵”与“意趣”。本章将详细梳理这一社会思潮如何为后世中国画的发展奠定了哲学基石。 第二章：理论奠基：从“格物致知”到“写意”的转换（约 350 字） 宋代文人画的理论构建，是其艺术实践的指南。本章聚焦于早期理论家对绘画标准的重塑。 二、一：苏轼与“论画”的开创 苏轼的艺术观是文人画理论的里程碑。他明确提出“论画以形似，见与物理，尚禆，论诗以意”的观点，将绘画与诗歌并列，强调画面的“意境”和“气韵”高于对客观物象的精确描摹。我们分析了苏轼对“胸中有丘壑”的推崇，即强调画家需先有内在的审美储备和哲学思辨，方能落笔成章。这种强调主观能动性的理论，直接对抗了传统上以李思训为代表的青绿山水的“着色”传统。 二、二：米芾的“刷”与“尚意”的深化 米芾在实践中进一步推动了尚意论的发展。他自诩为“书画家”，将书法中的飞白、侧锋、疾笔融入山水画中，形成了独特的“米点皴”，又称“积墨法”。本章将详述米芾如何通过简化皴法和追求“天真烂漫”的笔墨效果，展现出对自然浑厚之气的即时捕捉，体现了其对古人笔意的“别开生面”。 通过对二者理论的对比研究，我们可以清晰地看到，宋代文人画确立了以“笔墨”为核心的语言体系，即笔墨不再是描绘物体的工具，而是表达画家性情与学养的媒介。 第三章：水墨技法的成熟与笔墨语言的探索（约 400 字） 宋代是水墨画语言真正成熟的时期。本章深入探讨了文人士大夫如何将书法中的点画提炼为绘画的独立语言。 三、一：墨法的层次与韵味 在院体画中，墨色多用于勾勒轮廓和渲染层次。而文人画家则开始探索墨色的丰富性。我们详细研究了“焦、浓、重、淡、清”五墨的运用，以及如何利用墨色的晕染变化来营造空间感和湿度感。以荆浩、关仝开创的北方山水雄伟气势为基础，文人士大夫发展出更内敛、更具内省意味的墨法。 三、二：皴法的精神化 皴法，作为表现山石肌理的主要手段，在宋代得到了极大的丰富和情感化。本书将详细辨析如披麻皴、斧劈皴等传统技法在文人笔下如何被赋予新的内涵。例如，披麻皴的使用，不再仅仅是描绘麻状纹理，而成为表达山体沉稳、厚重，具有历经风霜的“古拙”之感的有效手段。我们还会对比李唐和刘松年的“院体化”的皴法与早期文人画家的区别，揭示两者在精神气质上的分野。 三、三：竹石与“四君子”的象征意义 竹、兰、梅、石作为文人画中独立的题材，承载着高洁、坚韧、不屈的品格象征。本章将分析文人如何通过对竹枝的劲挺、竹叶的疏朗、怪石的嶙峋的描绘，完成自我人格的投射。这些题材的兴盛，标志着绘画题材从宏大叙事转向对个体道德操守的私密表达。 第四章：题材的转向：山水画成为“心灵的风景”（约 450 字） 宋代山水画的发展，是从描绘可游可居的现实风景，转向表达无法言说的内心世界。 四、一：全景式山水与局部特写 北宋全景式山水，如范宽的《溪山行旅图》，体现了“可行、可望、可游、可居”的理想境界，强调人与自然宏大秩序下的和谐共处。这代表了儒家对宇宙秩序的认知。而到了南宋，由于政治环境的变化，山水画开始转向对局部景致的精微刻画和个人情感的宣泄。 四、二：南宋“院体”与文人画的张力 南宋时期，宫廷画院依然存在，但文人画的思潮愈发占据主流。本章将详细探讨马远和夏圭等画家的“边角式构图”（“马一角，夏半边”）。这种构图，以留白的大量运用，强烈的空间压缩感，表达的不再是可居的理想家园，而是处于漂泊、孤寂状态下，个体对逝去繁华的怅惘与哲思。 四、三：绘画中的“禅意”与“空”的境界 文人画与禅宗思想的结合，使得画面中的“空”（留白）具有了特殊的意义。留白不再是未完成的部分，而是“气”的流动之处，是“虚”与“实”、“有”与“无”辩证统一的哲学体现。这种对“空”的追求，使得宋代文人画达到了极高的精神高度，超越了单纯的视觉愉悦，成为一种内观的媒介。 结语： 本书通过对宋代文人画理论、技法和题材的全面梳理，旨在揭示中国艺术史上“士人精神”对绘画语言的决定性影响。宋代士人以其深厚的学养，将绘画从匠艺的藩篱中解放出来，奠定了后世中国画强调主观精神表达的艺术传统。阅读本书，如同与宋代文人对坐，一同领略笔墨中蕴含的浩然之气与深沉之思。

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我通常阅读技法书时，最怕的就是那种过于“放之四海而皆准”的论调，让人觉得所有流派和风格都变成了一个模子刻出来的。然而，这部作品最成功的地方，恰恰在于它对不同地域、不同历史时期“美学偏好”的细致区分。作者在描述“云鬓”的画法时，专门辟出一章来对比了吴地的婉约与长安的雍容，这简直是醍醐灌顶。他不仅指出线条上的差异——吴地偏向于流畅的“水墨韵”，而长安则更重于饱满的“设色浓烈”——更深入到文化土壤的分析。这种深入浅出的对比，帮助我建立了一个更具辨识度的审美框架。读到这里，我感觉自己仿佛拥有了一把“鉴别尺”，不再人云亦云，而是能开始思考：在模仿技法的同时，我更偏向于哪一种文化语境下的表达？这种引导式的思考，让学习过程从单纯的模仿，升级为了带有个人哲学色彩的探索。

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老实说，我是一个动手能力强但理论基础相对薄弱的爱好者，很多关于“意境”和“气韵”的空泛描述对我来说都是听天书。我更需要的是实打实的“如何操作”。这本书在这方面做得出乎意料的扎实，它并没有回避那些形而上的概念，而是用非常务实的步骤来落地这些高深的理论。比如，当谈到如何表现人物的“高古之态”时，作者并没有空谈什么“道法自然”，而是详细讲解了一套专门针对“衣褶”的处理顺序：先用淡墨定骨架，再以中墨铺设暗部结构，最后用极细的渴笔勾勒出衣料的摩擦感。这套近乎SOP（标准作业流程）的讲解，对于我这种需要明确指导的实践者来说，简直是救星。每一次实践，我都可以带着书上的步骤一步步来检验和修正自己的落笔点，让那些原本模糊不清的“感觉”，变成了可以量化、可以重复的技巧，极大地提升了我的学习效率和自信心。

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我最近迷上了研究古代人物肖像的动态捕捉，总觉得书本上那些静态的描摹少了点“气韵生动”的要诀。这本书在讲解人物神态的拿捏上，给了我一个全新的视角。它细致地剖析了眼神的“点睛”之术，不仅仅是瞳孔的描绘，更重要的是眼角眉梢与面部肌肉群的微妙联系。作者似乎对人体的解剖学有独到的理解，他用一种近乎“文学化”的语言描述了如何通过面部细微的结构变化来传达人物的内心活动——是内敛的哀愁，还是外放的喜悦。我尤其喜欢其中关于“S”形构图在展现女性柔美曲线上的应用分析，那段文字写得如同行云流水，将骨骼的支撑、肌肉的松弛以及衣料的褶皱如何共同服务于整体的动态美感，描绘得淋漓尽致。读完这部分，我立刻拿起笔尝试去临摹，虽然还远远达不到书中的境界，但至少我知道了，原来我们看到的古典仕女画，背后隐藏着如此精妙的结构学和心理学支撑，绝非简单的“照猫画虎”就能企及。

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这部书的装帧真是让人眼前一亮，硬壳的封面带着一种古典的厚重感，翻开后，纸张的触感也十分考究，那种微微泛黄的米白色调，仿佛能带人穿越回古代画师潜心研习的年代。我本来还担心内容会过于学术化，晦涩难懂，但读了几页后就完全放下了心。作者的叙述方式非常平易近人，他没有直接堆砌那些深奥的理论，而是巧妙地将历史背景、名人轶事和技法讲解融为一体。比如，他讲到唐代仕女画的精髓时，不是简单地描述线条的粗细，而是穿插了当时的服饰风尚和社会对“美”的定义，让你明白为什么那时候的画家会选择那样夸张而又和谐的柳叶眉和丰腴的体态。尤其欣赏的是他对色彩运用的解析，那些矿物颜料的取法、调和的秘诀，读起来就像在听一位经验丰富的老先生在耳边低语，充满了生活的气息和实践的智慧。我感觉这不是一本冰冷的教科书，更像是一本充满温度的“画匠手记”，让人在沉浸于历史的同时，对传统的审美情趣有了更深一层的体悟。

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这本书的排版设计真是绝了，简直是视觉享受的盛宴。大量的插图穿插得极其自然，而且每一幅图的选取都极具代表性，绝非泛泛而谈的随便找几张名作应付了事。最让我惊喜的是，作者没有满足于仅仅展示最终成品，他非常大胆地将一些古代画作的“局部放大图”和“草稿痕迹”也呈现了出来。比如，某一页特写了一位宋代闺秀的发髻细节，你可以清楚地看到那几缕发丝是如何用极其细微的干笔触勾勒出来的，甚至能感受到画笔的运行方向和速度。这种对“过程”的尊重和展现，对于我们这些希望提升线条表现力的学习者来说，是无价之宝。它让你明白，大师的笔触并非一蹴而就，而是无数次精准控制的结果。每次翻阅到这些细节图，都像进行了一次“近距离的学术考察”，让人对古人的耐心和对细节的执着肃然起敬，也激发了我对“慢工出细活”的重新理解。

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真是手把手教你

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初中在图书馆借过，当年还临摹过好几张，都找不到了。。

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内容很赞呀~！

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真是手把手教你

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初中在图书馆借过，当年还临摹过好几张，都找不到了。。