466 431-2OVERTURES… (《十九世纪序曲和芭蕾音乐集》… )(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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isbn号码:9780289466438

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• 器乐
• 芭蕾舞
• 序曲
• 19世纪
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瑰丽的交响诗篇：回溯十九世纪的音乐辉煌 收录曲目： 德彪西： 《被遗忘的圣歌》 (La Damoiselle élue) 圣-桑： 《非洲幻想曲》 (Fantaisie africaine) 拉威尔： 《圆舞曲》 (La Valse) 弗雷： 《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲 (Pelléas et Mélisande Suite) 普朗克： 《双钢琴协奏曲》 (Concerto for Two Pianos and Orchestra) 专辑概念： 本专辑旨在带领听众穿越时空，沉浸于十九世纪末至二十世纪初法国音乐的黄金时代。尽管标题暗示了“序曲”与“芭蕾音乐”，但本精选集更侧重于展现该时期作曲家们在器乐、管弦乐乃至受异域文化影响下的创新与成熟。我们精心挑选了五部风格迥异、却又共同构建了印象派及后浪漫主义美学的标志性作品，它们共同构成了一幅色彩斑斓的音画长卷，展现了法国音乐如何从德奥传统的束缚中解放出来，开创出独树一帜的抒情与革新之路。 --- 一、 德彪西：《被遗忘的圣歌》(La Damoiselle élue) （约 1887-1888 年创作，为女高音独唱、女声合唱与管弦乐队而作） 这部作品是克劳德·德彪西早期艺术生涯中的一个重要里程碑，标志着他开始探索象征主义文学的意境。它基于诗人但丁·加百列·罗塞蒂（Dante Gabriel Rossetti）的同名诗歌片段，描绘了一群来自遥远东方、为爱所苦的女子，在绿光中等待着一位被遗忘的圣女的到来。 音乐特征与解读： 《被遗忘的圣歌》虽然创作时间较早，却已显现出德彪西对音色和氛围的极致追求。作品的基调是神秘、空灵且略带忧郁的。开场由竖琴、长笛和弱音弦乐构筑出一种薄雾般的音响背景，仿佛置身于一个遥远而静谧的梦境。 女高音的旋律线极为自由，几乎脱离了传统歌剧咏叹调的结构，更像是吟诵而非歌唱，完美契合了罗塞蒂诗歌中那种朦胧的、非线性的叙事感。女声合唱团（多以柔和的高音区出现）扮演着“群芳”的角色，她们的声部交织在一起，形成了一种近乎圣歌的、却又充满世俗渴望的复调织体。 这部作品的管弦乐配器展现了德彪西对色彩的敏感：他大量使用柔和的木管音色，以及对和声的独特处理——频繁使用九和弦、十一和弦，以及模糊调性的模糊处理，使得整部作品弥漫着一种“光影变幻”的听觉体验，预示了未来印象派音乐的成熟形态。它不是一部宏大的序曲，而是一次深入心灵的、极具个人色彩的声乐冥想。 --- 二、 圣-桑：《非洲幻想曲》(Fantaisie africaine), Op. 62 （为钢琴与管弦乐队而作，1891 年创作） 卡米尔·圣-桑，作为一位跨越了浪漫主义晚期和现代主义初期的重要作曲家，对异域题材的描绘尤为擅长。这部《非洲幻想曲》创作于他访问阿尔及利亚的经历之后，是他对北非风情、色彩与节奏的一次高度提炼与交响化。 音乐特征与解读： 与传统的钢琴协奏曲不同，《非洲幻想曲》更接近于一部带有炫技色彩的钢琴与乐队的“交响诗”。作品以其强烈的节奏感和鲜明的异域风情立即抓住了听众的注意力。 第一部分是雄浑的引子，乐队奏出带有阿拉伯式五声音阶色彩的主题，钢琴随后以一段华丽的、仿佛是即兴演奏的琶音和分解和弦进入。圣-桑运用了大量的小调和半音阶进行，模拟出北非市场喧嚣的热烈与异域的神秘。 钢琴的角色是绝对的主导，它不仅要展现出辉煌的技巧（如快速的音群、宽广的音域跨度），更要模仿当地的乐器音色，尤其是一些模仿打击乐器或弦乐的快速对位段落。作品的结构松散而自由，更像是一系列情绪和场景的快速切换。它展现了圣-桑在结构控制力上的高超技巧，同时又成功地营造出一种狂野、奔放、充满阳光气息的异域氛围，是法国“东方主义”音乐的一个杰出范例。 --- 三、 拉威尔：《圆舞曲》(La Valse) （管弦乐队作品，1920 年创作） 莫里斯·拉威尔的《圆舞曲》是二十世纪管弦乐队作品中最具心理深度和结构复杂性的杰作之一。它并非传统意义上的舞曲，而是一部关于“圆舞曲的毁灭”的心理描绘。 音乐特征与解读： 拉威尔本人明确表示，这部作品是献给“一位年轻的、热情的、以令人眩晕的速度旋转的圆舞曲舞者”。然而，随着音乐的推进，这种旋转逐渐失控，从最初的优雅、流畅、维也纳式的甜美（模仿了施特劳斯家族的风格），逐渐演变成一种近乎癫狂、充满不安的、结构松散的宿命。 作品的标志性特征是其对“速度的渐进性变化”（Accelerando）的精妙运用。音乐始于一个微弱的、模糊的C大调的动机，由低音提琴和单簧管奏出，仿佛一个遥远的、即将苏醒的记忆。随着乐器组的不断加入，音量和速度开始不可遏制地增加。 拉威尔对和声的运用极具现代感，他不断在传统的调性框架内进行半音化和增和弦的扩展，使得圆舞曲的节奏虽保持着三拍子，其听觉感受却越来越刺耳和不和谐。当乐曲达到高潮时，复杂的对位、尖锐的铜管和打击乐的介入，描绘的不再是宫廷舞会，而是第一次世界大战后欧洲社会普遍存在的焦虑、颓废与即将崩溃的边缘感。结尾，音乐在强烈的、不稳定的和弦中戛然而止，仿佛那支舞者最终摔倒在地，留下了无尽的寂静。 --- 四、 弗雷：《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲 (Pelléas et Mélisande Suite) （管弦乐组曲，基于 1902 年歌剧改编） 加布里埃尔·弗雷是法国“抒情歌剧”的奠基人之一。他的歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》是莫里斯·梅特林克的象征主义戏剧的完美音乐化身。本组曲精选了歌剧中几个最能体现其“音乐戏剧”精髓的段落。 音乐特征与解读： 与瓦格纳的宏大叙事不同，弗雷的音乐是内敛、克制且充满潜台词的。他避免使用传统歌剧中的大段咏叹调，转而采用一种近乎宣叙调的、自然流畅的歌唱线条，这要求管弦乐必须成为叙事的真正载体。 组曲中的段落往往通过色彩和动机的暗示来推动剧情。例如，描绘城堡阴影和地下迷宫的乐章中，配器倾向于使用低沉的木管、柔和的拨弦乐器和带有颤音的弦乐，营造出一种永恒的、令人窒息的静谧感。 梅丽桑德的主题总是温柔而脆弱，常常由双簧管或英国管以极其柔和的音色呈现，其和声进行充满了弗雷标志性的、微小的半音阶色彩变化，暗示着角色之间无法言说的情感和命运的悲剧性。 弗雷的配器是极其精细的，他像一位高明的画家，用细小的笔触描绘出复杂的心理状态。组曲的整体氛围是忧郁的、唯美的，是对纯粹爱情与必然死亡的沉思，展现了法国音乐中对“美”的非理性追求。 --- 五、 普朗克：《双钢琴协奏曲》 (Concerto for Two Pianos and Orchestra) （1932 年创作） 弗朗西斯·普朗克是“六人团”（Les Six）中最具活力和旋律感的一位。这部双钢琴协奏曲创作于他音乐风格成熟期，完美融合了新古典主义的清晰结构与法国传统的诙谐、抒情色彩。 音乐特征与解读： 这部协奏曲并非那种强调两个钢琴家进行炫技对决的作品，而是更像两个声音（两个钢琴）在交谈、嬉戏，并在乐队的烘托下共同完成一幅色彩丰富的画卷。 第一乐章（Allegro ma non troppo）： 结构严谨，带有明显的巴赫或莫扎特的影响。两个钢琴的对位清晰而富有活力，充满了法国式的机智和灵巧。乐队的介入往往带着一丝讽刺的幽默感，两个钢琴的十六分音符跑动如同轻快的对话。 第二乐章（Lento）： 这是全曲中最具抒情性的部分，它仿佛是一首被拉长的、带有宗教意味的冥想曲。一个钢琴承担着持续的和声背景，而另一个钢琴则奏出如圣歌般庄严而缓慢的旋律线。这里的音乐语言变得极其纯净，回响着普朗克内心深处的信仰与宁静。 第三乐章（Rondò）： 以极其快速的节奏和强烈的讽刺性回归。这个乐章充满了狂欢节的气氛，节奏变化多端，充满了普朗克标志性的轻快与偶尔的“粗野”幽默。双钢琴在此处进行了精彩的互应与竞奏，最终在乐队的辉煌齐奏中，以一种果断而毫不含糊的方式结束了全曲。 --- 总结： 本专辑集合了从德彪西对光影的捕捉，到圣-桑对异域风情的浪漫演绎，再到拉威尔对心理状态的尖锐解剖，以及弗雷的内敛抒情和普朗克的古典幽默。这些作品共同构成了十九世纪末至二十世纪初欧洲音乐界最激动人心、最具创新力的篇章，它们是法国音乐家对传统解放、对声音色彩的无尽探索的伟大证明。

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这套唱片真是个宝藏！我是在一家老式的音像店里偶然发现它的，当时就被封面上那略显复古的设计吸引住了。迫不及待地带回家一听，简直是惊喜连连。整个专辑的选曲品味非常高，不仅仅是那些耳熟能详的经典，更多的是一些被时间掩埋的、但旋律同样优美的作品。演奏者的功力毋庸置疑，他们的处理方式非常细腻，无论是管弦乐的层次感，还是木管乐器的独奏片段，都处理得恰到好处，丝丝入扣。特别是那些序曲部分，那种开场就抓住人心的力量感，让人仿佛置身于十九世纪欧洲那座宏伟的歌剧院里，灯光初上，幕布即将拉开的瞬间。听着这些作品，感觉时间都慢了下来，所有的烦恼都被那优美的和声冲散了。我个人尤其喜欢其中几段略带忧郁的慢板乐章，那种深沉的情感表达，绝不是简单的技术堆砌就能达到的，需要演奏者对那个时代的社会氛围和作曲家心境有深刻的理解。CD的音质也相当不错，清晰度很高，动态范围处理得当，即便是用普通耳机听，也能感受到录音师的用心。对于古典音乐爱好者来说，这绝对是一张值得反复品味的佳作，它提供了一个深入了解十九世纪管弦乐精髓的绝佳窗口。

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这张CD的魅力在于它的“醇厚”感。它不是那种为了追求速度和炫技而录制的唱片，你能明显感觉到演奏家们是带着一种对历史负责的态度去对待这些作品的。他们的演奏充满了温暖的木头质感，没有过度锐化的数字感，这对于欣赏十九世纪的室内管弦乐编配尤其重要。我听着那些充满幻想色彩的柔板，仿佛能闻到旧式剧院里丝绒幕布散发出的淡淡的香气。特别是某几段描绘宫廷场景的段落，铜管乐器的使用极其克制和高雅，完全没有现代乐团那种咄咄逼人的气势，而是用一种内敛的方式，展现出那个时代贵族阶层的审美情趣。作为一名业余的音乐爱好者，我最看重的是音乐能否触动灵魂深处最柔软的部分，而这张专辑做到了。它让我重新审视了那些被我们习惯性归类为“背景音乐”的序曲和舞曲，认识到它们其实蕴含着多么深刻的艺术价值和情感密度。强烈推荐给所有渴望从音乐中寻找古典优雅和心灵慰藉的朋友们。

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说实话，一开始我对“序曲和芭蕾音乐集”这个标题有点保守，觉得可能会过于偏重仪式感或纯粹的舞曲节奏。但实际听下来，我的看法完全被颠覆了。这里的“序曲”绝非简单的引子，它们是独立、完整的音乐小品，充满了叙事性和象征意义，每一段都有其独特的情绪铺垫。而芭蕾音乐部分，更是展现了管弦乐团惊人的掌控力。试想一下，要在一组为舞蹈服务的音乐中，依然保持住音乐本身的艺术完整性，难度是极高的。这张专辑里的乐团做到了，他们让节奏服从于旋律的流动，而不是让旋律被节奏所束缚。我发现自己听得时候，甚至会不自觉地在脑海中勾勒出舞者的身形和动作，这种画面感非常强烈，说明音乐的画面感塑造得极其成功。对我这个对十九世纪音乐史有一定了解的听众来说，它提供了一个很好的横向对比视角，可以看到不同作曲家在处理类似主题时，风格上的微妙差异，非常具有学术研究的价值，同时又不失纯粹的欣赏乐趣。

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我通常对这种特定主题的精选集持谨慎态度，总担心会为了凑数而加入一些平庸之作。但这张《十九世纪序曲和芭蕾音乐集》完全打消了我的疑虑。这里的每一首曲目都像是经过了精挑细选，它们共同构建了一个连贯而丰富的十九世纪音乐图景。我特别欣赏录音师对低音提琴和低音管的录制方式，它们在整体混音中保持了足够的厚重感，为整个乐章提供了坚实的地基，使得小提琴的高音部分和木管的明亮音色能够更加突出，形成鲜明的对比。这种平衡感在现场演出中都难以完美把握，更不用说在录音制品里了。此外，整张专辑的长度设置也十分合理，不像有些多碟套装那样让人感到疲劳，它在恰到好处的时间点结束，留给听者充分的回味空间。我经常在做需要高度集中注意力的工作时播放它，它的中性、典雅的风格并不会分散注意力，反而像是一种背景的催化剂，让思绪更加清晰、流畅。

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我得说，这张合集给我的感觉更像是一次穿越时空的旅行，而不是单纯的音乐欣赏。我一直对那个时代充满了浪漫的想象，而这张专辑里的曲目，尤其是那些芭蕾舞剧的选段，恰好满足了我对那个“金色时代”的所有幻想。它们是那么的优雅、华丽，但又不失内在的激情与戏剧张力。举个例子，其中一段著名的场景音乐，指挥的处理手法非常大胆，他没有过度渲染那种感伤，反而用一种近乎克制的力度将情感推向高潮，这种“留白”的艺术，真是高明。我注意到，很多被主流榜单忽略的作曲家的作品也被收录进来，这体现了制作方在挖掘历史音乐遗产方面的努力和诚意。我本来以为这些“非主流”作品会显得有些生涩难懂，没想到，一旦进入演奏者的诠释体系，它们立刻焕发出勃勃生机，旋律线条流畅自然，充满了歌唱性。我经常在傍晚时分播放它，尤其是在灯光昏黄的书房里，感觉自己仿佛是那个时代某个贵族家庭的座上宾，静静地享受着私人音乐会。这份宁静与古典之美，是现代快餐文化中难以寻觅的奢侈品。

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