刘家昌深情系列1华语歌星金曲(CD)

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isbn号码:9787799623818
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具体描述

《东方乐章:跨越时代的旋律之旅》 内容简介 本书并非对某一特定歌手或某一特定时期作品的简单汇编,而是一次跨越半个多世纪的华语流行音乐史诗般的回溯与品鉴。我们试图勾勒出从上世纪五十年代初萌芽期的“时代曲”,到六七十年代国语流行音乐的黄金时期,再到八九十年代百花齐放、风格多元化的整个宏大图景。 本书的立足点在于“文化迁移”与“音乐融合”这两条主线。华语音乐的形成,离不开两岸三地的文化互动、西方音乐元素的渗透,以及本土传统艺术的滋养。我们不仅关注歌曲的旋律和演唱者的声音,更深挖其背后的社会语境、时代情绪,以及对后世音乐人产生的深远影响。 第一部:溯源与奠基(1950s - 1960s 初) 本部分将重点考察国语流行音乐的早期形态。这一时期,上海作为文化中心的影响力逐渐向香港、台湾转移。我们探讨“时代曲”如何演变为早期的“国语流行歌曲”。 香港的“电懋”与“邵氏”体系: 分析电影工业如何催生了第一批具有专业水准的国语歌手。探讨早期的作曲家和填词人在构建现代华语流行乐语汇中的贡献。重点分析林家庆、姚莉等奠基者们如何在中西合奏中找到了平衡点。 台湾的起步与校园民歌的酝酿: 台湾地区的音乐发展初期,受到欧美爵士、布鲁斯以及本土歌谣的复杂影响。本节将梳理台湾如何在相对封闭的环境中,孕育出渴望本土化表达的年轻一代。探讨如文夏等本土歌手在语言和风格上的探索,为后来的校园民歌运动埋下伏笔。 曲风的初步定型: 这一阶段的歌曲多以抒情、略带哀婉的风格为主,旋律优美,注重演唱技巧的细腻处理。分析早期母带录制技术的局限性如何影响了音乐的听感,以及这些技术特点如何反过来塑造了那个时代的标志性音色。 第二部:黄金年代的爆发(1960s 中期 - 1970s) 这是一个充满变动与创新的时期,音乐的风格边界开始拓宽,主题也更加贴近大众生活。 香港的“粤语歌”与“国语歌”的并行发展: 探讨香港作为“东方好莱坞”如何平衡两种语言市场的需求。分析在国语歌曲领域,如何开始出现更具现代感的编曲,以及对欧美(特别是披头士乐队及拉丁音乐)的借鉴如何被本土化。 台湾校园民歌运动的兴起与核心价值: 详细解读台湾校园民歌运动的社会背景——对政治环境的疏离感与对本土文化根源的追寻。重点分析杨弦、胡德夫、李双泽等先驱者们如何确立了“唱自己的歌”的理念,并打破了传统流行乐的桎梏。分析民歌如何从相对纯粹的民谣形态,逐渐过渡到具有高度艺术性的“创作型歌手”模式。 “中西合璧”的极致探索: 这一时期,一些具有国际视野的音乐人开始将交响乐、管弦乐、甚至部分摇滚元素融入到国语歌曲中,使得歌曲的格局和气势显著提升。探讨这种融合如何为后来的“制作人时代”铺平了道路。 第三部:风格的多元化与市场的成熟(1980s - 1990s) 随着唱片工业的成熟和录音技术的飞跃,华语流行音乐进入了真正意义上的“工业化”和“偶像化”阶段。 台湾的“四大天王”与制作人主导的时代: 详述李宗盛、罗大佑、陈升等创作大师如何通过对都市情感、社会议题的深刻捕捉,将国语流行歌曲提升到了文学和哲学的层面。分析滚石、飞碟等唱片公司在人才发掘、音乐企划和市场推广上的策略。 香港“粤语流行曲”对国语乐坛的反哺: 探讨香港音乐如何凭借其成熟的工业体系和强大的造星能力,反过来影响了国语歌曲的演唱方式和包装模式。分析谭咏麟、张国荣等歌手在转型期对国语市场的影响力。 “城市民谣”与“另类音乐”的探索: 在主流情歌占据市场的同时,一些地下或半地下的音乐人开始探索更尖锐、更个人化的表达。本节将回顾在主流光环之外,那些对音乐结构和歌词意境进行大胆实验的作品,它们是衡量整个时代音乐深度的重要标尺。 结语:传承与展望 本书最后一部分将总结上述三个阶段的相互影响,并探讨这些历史经验如何体现在当今华语音乐的格局中。我们强调,无论是早期的细腻婉转,还是中期的激情澎湃,抑或是后期的都市疏离,这些旋律共同构成了“华语音乐”这一庞大而丰富的体系,它不仅仅是娱乐产品,更是承载了几代人共同记忆的文化载体。 本书力求以严谨的音乐史学视角,结合丰富的文化背景分析,为读者提供一个清晰、立体、且充满洞察力的华语流行音乐发展脉络。

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读后感

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说实话,我原本对这种“系列”性质的精选集是抱持着一丝怀疑态度的,因为很多时候,它们为了凑数或者涵盖面广,往往牺牲了某一特定风格的深度。然而,当我真正开始听下去时,这种疑虑完全被打消了。这里的编曲简直是一门艺术课。它展示了那个时期华语乐坛在编曲上是如何的讲究和多元化。你能在其中听到非常明显的时代烙印——比如那种宏大叙事的管弦乐配置,那种用极简的木吉他就能撑起整个情感基调的功力。更让我惊喜的是,它没有完全局限于那些家喻户晓的“爆款”,而是穿插了一些相对冷门,但艺术价值极高的作品。这对于一个老乐迷来说,简直是挖到了宝藏。这些“遗珠”的出现,让整个系列的完整性和收藏价值大大提升。我甚至开始尝试着去分析一些器乐的配置,比如某首歌曲里鼓点的敲击方式,那种带着一点点延迟和混响的处理,是现代数字音乐里很少能复刻出来的“呼吸感”。这种细节的把控,显示出制作方对原母带的尊重,而不是简单地进行一次性的数字化重制。听完一整张碟下来,我感觉自己完成了一次对特定年代音乐美学的深度巡礼,非常充实。

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这套唱片刚到手的时候,我立刻就被它的包装吸引住了。那种复古的质感,配合上那些经典的黑白照片,一下子就把我拉回到了那个黄金年代。拆开塑封的那一刻,空气里似乎都弥漫着老唱片的独特香气,这是新制CD永远无法比拟的韵味。我迫不及待地把第一张碟放进了播放器,前奏一起,那种醇厚的模拟音质,那种老录音棚特有的温暖感,瞬间就包裹住了我。你知道吗,现在很多重新制作的专辑,为了追求所谓的“清晰度”和“动感”,把人声和乐器都弄得非常“锐利”,听久了耳朵会很累。但这套碟完全没有这个问题,它保留了那个时代录音的厚度和层次感,每一个音符都像是被精心打磨过的玉石,温润而有分量。尤其是在听那些慢板情歌时,伴奏的弦乐铺陈得极其细腻,仿佛能看到当年指挥家挥动指挥棒的每一个细微动作。这种听觉上的享受,已经超越了简单的“怀旧”,它是一种对精湛制作工艺的致敬。我通常喜欢在深夜,关掉所有的灯,只留一盏台灯,用质量不错的头戴式耳机来欣赏这类老歌,那样才能真正体会到歌手声音里那种不加修饰的、直击人心的力量。这套碟的选曲品味也极其老道,绝对不是那种随便拼凑的热门金曲集,它更像是一份经过时间沉淀的歌单,每一首都值得细细品味。

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作为一名对中文流行音乐史略有涉猎的人,我一直认为,衡量一个歌手或一个音乐时期的水准,关键在于“情感的穿透力”。很多歌手技巧再好,如果感情是“表演”出来的,听众是能轻易分辨的。而这套唱片里收录的歌,每一个字、每一个转音里,都仿佛凝结着歌手真实的人生体验。那种从胸腔深处迸发出的,带着岁月沉淀的沙哑或清亮,是任何现代后期处理都无法“伪造”出来的“真”。听着这些歌曲,我常常会不由自主地联想到歌者在录音时的情景,那种全身心投入,仿佛在对着自己最亲近的人倾诉的姿态。特别是那些讲述离别、思念的主题,达到了催人泪下的效果,但这催泪不是靠煽情或夸张的演唱技巧,而是靠最纯粹的共鸣。这种共鸣是跨越时代的,即便我没有经历过歌词里描绘的具体情境,也能被那种普世的情感力量所打动。对我而言,音乐的最高境界就是如此——它成为了情感的载体,而不是单纯的娱乐产品。这套碟无疑达到了这个高度。

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这套碟的“意境”营造能力,是我最欣赏的一点。它不仅仅是音乐的集合,更像是一扇通往特定文化氛围的窗口。听着这些旋律,我仿佛能闻到那个年代特有的,略带潮湿的空气,看到霓虹灯下行色匆匆的行人。它唤醒了我记忆深处那些模糊的片段,也许是我童年时依稀听到的某段旋律,也许是父母辈年轻时常哼唱的小调。这种集体记忆的投射,是任何新歌都无法给予的。而且,这种意境的营造是连贯的,从第一张到最后一张,形成了一种叙事感。听众不需要去深究背后的故事,仅仅通过音乐本身的张力和情绪流动,就能构建起一个完整而细腻的画面。这套碟让我产生了一种强烈的“仪式感”,我会特意留出大块不被打扰的时间来欣赏它,而不是把它当作背景音乐来播放。这种需要全神贯注去聆听的音乐,在信息爆炸的今天,显得尤为珍贵。它提醒我们,真正的艺术是需要时间和心力去消化的,而这份享受,是无可替代的。

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关于这套系列的音质,我必须单独强调一下。我用不同的播放设备试听了,包括一套老式的功放系统和一套现代高解析度的解码器。令人意外的是,它在不同设备上都能展现出极佳的适应性。在老设备上,它呈现出温暖、饱满的“模拟味”,低频恰到好处地包裹住人声,让人感到舒适放松。而在高保真设备上,它的解析力则展现了原录音的细微之处,比如微小的气息声、乐器之间的空间感,都清晰可辨,但又丝毫没有刺耳的感觉。这说明在母带处理的过程中,平衡感做得极其出色,避免了现代母带压制中常见的动态范围压缩问题。很多老歌在重新制作时,为了让它们在今天的便携设备上听起来“响亮”,会过度压缩动态,结果就是听起来很“扁平”。但这套碟的动态范围被很好地保留了,高潮部分依然可以震撼人心,而安静的段落则能保持应有的静谧。这种对动态的尊重,是判断一套音乐制品是否“良心制作”的重要标准之一,而这个系列无疑是教科书级别的示范。

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