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出版者:重庆大学

作者:宋玉成

出品人:

页数:100

译者:

出版时间:2007-9

价格:26.00元

装帧:

isbn号码:9787562442370

丛书系列:

图书标签:

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浩瀚星河中的璀璨文明：世界建筑史的宏伟画卷 简介： 本书将带您踏上一场跨越数千年、遍及五大洲的建筑文明之旅。我们聚焦于那些塑造了人类居住环境、承载了民族精神与信仰，并以石材、木材和混凝土书写下不朽篇章的建筑杰作。本书并非对“外国美术史”中可能涉及的建筑部分进行简单罗列或重复，而是以建筑学自身的发展脉络、技术革新、社会功能与美学演变为核心线索，构建起一个独立而完整的叙事体系。 我们将深入剖析建筑是如何从早期的庇护所，逐步演化为表达权力、宗教和哲学思想的复杂艺术形式。从尼罗河畔的宏伟金字塔，到美索不达米亚的空中花园遗迹；从古希腊的理性和谐的柱式体系，到古罗马的工程奇迹——拱券和混凝土的革命性应用，每一个篇章都旨在揭示特定时代背景下，人类如何运用智慧与材料塑造空间。 第一部分：文明的基石——早期与古典建筑的理性与神性 我们从史前巨石阵的神秘排列开始，探讨早期人类对宇宙秩序的朴素认知如何投射到他们的聚居形态中。随后，重点转向美索不达米亚的神塔（Ziggurat），分析其阶梯结构如何象征着人与神之间的连接，以及泥砖技术在干燥气候下的适应性。 进入古埃及，本书将详细解读金字塔的几何精度和神庙的轴线布局。这不仅是技术层面的奇迹，更是法老王神权统治的物质体现。我们不仅描述其外观，更剖析其内部空间的序列感如何引导祭司和朝拜者进入神圣领域。 古典建筑的巅峰——古希腊，是本书浓墨重彩的一笔。我们深入探讨多立克、爱奥尼和科林斯三种柱式的严格比例与内在逻辑，阐释帕特农神庙如何体现“黄金分割”与人类尺度（Man as the measure of all things）的哲学思想。紧接着，我们将剖析古罗马如何吸收希腊的柱式美学，并通过拱、券、交叉拱顶的创新，实现了前所未有的室内空间拓展，从万神殿（Pantheon）的巨大穹顶到宏伟的公共浴场，建筑的实用性与纪念性达到了完美的统一。 第二部分：信仰的扩张与结构的精进——中世纪的史诗 中世纪的建筑艺术，是西方世界在基督教主导下，对空间和光线理解的一次彻底重塑。 早期基督教与拜占庭的过渡： 重点分析君士坦丁堡圣索菲亚大教堂的突破性结构——如何用巨大的圆形穹顶覆盖方形平面，以及对马赛克镶嵌工艺的极致运用，创造出“天堂之光”的室内效果。 罗马式建筑的厚重与防御： 探讨厚墙、小窗和筒形拱顶所带来的稳定感与封闭性，这种风格如何与修道院体系的严谨生活方式相契合。 哥特式建筑的向上冲刺： 这是技术与精神的结合点。本书将系统介绍飞扶壁（Flying Buttress）、肋拱（Rib Vault）和尖拱（Pointed Arch）这三大结构支柱，如何解放了墙体，使得高耸的尖塔和几乎完全由彩色玻璃构成的“光之墙”（如沙特尔大教堂）成为可能。我们将深入探讨这种“向上”的动态，是中世纪精神渴望超越尘世的直接体现。 第三部分：人性的回归与尺度的重建——文艺复兴与巴洛克 文艺复兴运动的核心在于“复兴”古典的理性与和谐，将人置于宇宙的中心。本书将分析布鲁内莱斯基如何重新发现线性透视法，并将其应用于佛罗伦萨大教堂的穹顶建造，标志着现代工程学的开端。 我们考察帕拉第奥的建筑理论，他的“别墅风格”如何通过严谨的对称性影响了后世欧洲乃至美国的建筑设计。 随后，我们将转向巴洛克风格的爆发力。对比文艺复兴的克制，巴洛克建筑（如贝尼尼的作品）追求的是戏剧性、运动感和情感的震撼。曲线的运用、光影的刻意安排，以及建筑、雕塑和绘画的“整体艺术”（Gesamtkunstwerk）的融合，都是其显著特征。 第四部分：理性与情感的张力——新古典主义与工业革命的冲击 18世纪的启蒙运动催生了新古典主义，它对古典的回归更为纯粹和学术化，强调清晰的线条和朴素的纪念碑性，是对巴洛克过度装饰的反动。 然而，真正的颠覆来自工业革命。钢铁、玻璃和新的工厂生产方式，彻底改变了建筑材料的供应和可能的形式。我们将探讨早期铁结构建筑的出现，如水晶宫，它们以透明度和预制构件挑战了传统的砌筑逻辑。铁路时代的车站、市场和新的公共建筑类型，展现了建筑如何迅速适应现代社会的功能需求。 第五部分：走向现代——功能、形式与全球视野 进入20世纪，建筑领域进入了前所未有的多元探索期。本书梳理了从装饰艺术（Art Deco）的几何化优雅，到现代主义（Modernism）的激进主张。 现代主义的核心原则——“形式服从功能”（Form Follows Function）——将我们引向勒·柯布西耶的“新建筑五点”、密斯·凡德罗的“少即是多”，以及包豪斯学派对标准化和美学的结合。这些建筑师如何利用钢筋混凝土和玻璃幕墙，创造出简洁、透明、去地域化的全新建筑语言。 最后，本书将触及现代主义的局限性引发的反思，简要介绍后现代主义对历史语汇的重新挪用与戏仿，以及当前建筑界在可持续性、数字化设计和地域文脉保护方面的最新探索。 通过以上详尽的结构，本书旨在提供一个聚焦于工程技术、空间哲学与社会功能的独立建筑史叙事，其深度与广度远超作为某一艺术史分支的附带内容，为读者构建一个关于人类建造行为的完整知识体系。

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这本书的语言风格，在我读过的所有相关书籍中，独树一帜。它既有学术的深度，又保持了大众可读性的流畅与趣味。作者似乎深谙如何与读者进行一场深入而又轻松的对话，避免了学院派写作中常见的晦涩术语堆砌。比如，在描述文艺复兴盛期人物肖像的“空气感”处理时，作者没有使用一堆空洞的艺术术语，而是用了一个非常生活化的比喻，瞬间就抓住了神韵。这种将高深的理论“翻译”成日常经验的能力，是极其难得的。它让那些看似高高在上的艺术巨匠们，变得有血有肉，他们的挣扎、他们的荣耀，都通过作者的叙述变得鲜活起来。对于希望入门却又害怕被复杂理论吓退的读者来说，这本书无疑是最好的引路者。

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作为一名长期关注文化遗产保护的业余爱好者，我不得不赞叹作者在文献梳理上的严谨程度。书中引用的原始资料之丰富，远超我的预期。它不仅仅是罗列了作品名称和创作者，更深入挖掘了创作当时的社会舆论、赞助人的意图，甚至是艺术家本人的书信片段。这使得作品的解读不再是单一的、静态的，而是充满了动态的历史张力。尤其是在分析某一特定时期艺术风格转向时，作者将当时的宗教改革、政治动荡等宏大叙事与具体作品的细节纹理紧密结合，形成了一种层层递进的论证结构，逻辑链条清晰得如同数学证明一般无可指摘。阅读过程中，我时不时会停下来，查阅那些被引用的晦涩文献，那种在知识海洋中探寻真知的过程，本身就是一种极大的享受。

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这本书的叙事节奏把握得极为高明，它没有陷入西方中心主义的窠臼，而是以一种极为开阔的全球视野，勾勒出人类艺术图景的宏大脉络。特别是它对非主流艺术流派的关注，那些在主流史册中常常被一笔带过的“边角料”，在这里却被赋予了应有的重要性。我记得有一章专门细致地描绘了早期草原游牧民族的金饰工艺，那种大胆的造型和夸张的动物形态，与同期定居文明的内敛形成了鲜明的对比，这种对比的呈现，极大地丰富了我对“美”的理解。行文之间，带着一种近乎诗意的散文化倾向，使得即便是涉及复杂的历史背景和哲学思辨时，阅读体验依然保持着极高的愉悦度。它不只是告诉我们“有什么”，更引导我们思考“为什么会是这样”，这种追根溯源的探讨，才是真正高级的艺术批评。

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从装帧设计和插图选择来看，这本书也体现了出版方极高的品味和对内容的尊重。那些精选的彩版插图，色彩还原度极高，很多细节的层次感，即使透过纸张也能清晰感知。更重要的是，作者在配图上的选择并非仅仅是“最著名的那几幅”，而是穿插了大量鲜为人知但对理解某一艺术阶段至关重要的“侧面证据”，比如建筑的草图、服装的纹样、甚至是同时期的工艺品特写。这种全景式的视觉呈现，极大地帮助了读者的空间想象。每看完一个章节的文字论述，再转到相应的图版进行对照印证，那种知识闭环被完美连接的满足感，是阅读体验中非常重要的一部分。它真正做到了图文并茂，互相成就。

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这部鸿篇巨制，读来让人仿佛穿越时空，亲历了那辉煌灿烂的古代文明。作者的笔触细腻入微，对于不同地域、不同时期的艺术风格演变，阐述得鞭辟入里。我尤其欣赏其中对材料和技法革新的关注，这不仅仅是堆砌史实，更是在深层次上剖析艺术如何回应社会、科技的每一次脉动。比如，书中对于早期壁画颜料的化学构成分析，以及这些构成如何影响了作品的耐久性和视觉效果，简直是令人叹为观止的考据。读完关于地中海沿岸早期雕塑的那几章，我仿佛能闻到大理石切割时扬起的尘土味，感受到工匠们手中那股执着的劲头。对于那些早已化为尘土的辉煌，作者以文字为媒介，重新赋予了它们鲜活的生命力，让原本遥不可及的艺术殿堂，变得触手可及。它不是那种干巴巴的教科书，而是一场精心策划的博物馆漫步，每一步都有惊喜。

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