浅绛技法 传统 芥子园山水画谱(VCD)

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出版者:北平,北京东方影音公司
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价格:15.0
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isbn号码:9787880870695
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具体描述

封面代用《芥子園畫譜》初集之日本宽延时期河南四郎右衛門彩色套印本書影

传统花卉写意画精粹:笔墨间的生命律动 本书深入探讨了中国传统花卉写意画的精髓与技法,旨在为学习者提供一套系统、实用的入门与进阶指南。内容聚焦于如何通过笔墨的运用,捕捉花卉的生命姿态与精神气质,而非仅仅停留在形体的描摹上。 第一章:写意花卉的基础认知与哲学意蕴 本章首先阐释了中国写意画“写意不写形”的核心理念。花卉写意画,重在“气韵生动”,追求形神兼备,以形写神。我们探究了古代文人画家对花卉的审美取向,如梅之傲骨、兰之幽香、竹之气节、菊之隐逸,这些象征意义如何融入笔墨表达之中。 笔墨的“五不似”原则: 探讨了写意画区别于工笔的根本特点——不求形似,贵在传神。理解笔墨的“散、断、飞、破”等特殊用笔技巧如何服务于“意”的表达。 传统题材的文化内涵: 详细解析了“四君子”以及牡丹、荷花、水仙等传统题材背后的文化密码,帮助学习者在作画时,能够赋予作品更深层次的文化底蕴和个人情感投射。 第二章:案头准备与工具的掌控 精湛的技艺需要趁手的工具和适宜的环境。本章详述了进行传统写意花卉创作所需的各类材料的特性及其正确使用方法。 笔的选择与保养: 区分羊毫、狼毫、兼毫等不同特性笔的适用范围。重点讲解如何通过“蓄、润、枯、湿”的笔锋处理,实现墨与色的丰富变化。详细介绍毛笔的正确清洗、晾干和储存方式,以确保笔性长久稳定。 墨的“五色”之变: 墨在写意花卉中不仅是黑色的载体,更是表现层次感和体积感的核心。本章剖析了通过控制水分和用墨量的“焦、浓、重、淡、清”五色变化,如何塑造花瓣的向背、叶脉的起伏,以及营造空气的流动感。 纸的选择与“渗化”控制: 宣纸的生熟程度对墨韵的影响至关重要。我们分类介绍了皮纸、棉纸等不同类型宣纸的洇化特性,并教授读者如何通过铺垫矾水或控制用笔速度,来精确掌握墨色在纸面上的扩散与渗透效果。 印章与落款的艺术处理: 讲解了朱泥、白文印的差异,以及落款的书法要求,如何让印章与款识成为画面的有机组成部分,平衡画面结构。 第三章:核心技法:点、皴、擦、染 写意花卉的技法围绕“点”与“皴”展开,强调用笔的力度和速度。 花头画法——以点取神: 花瓣的聚散与朝向: 针对不同花卉(如梅花的三笔、五笔法;牡丹的圆笔法)进行分门别类的讲解。重点训练如何运用侧锋、中锋和逆锋,一笔完成花瓣的结构和精神。 墨分五色的应用: 教授如何在一组花朵中,通过控制墨色的浓淡干湿,表现光影和层次,避免花头一律平涂的呆板现象。 叶与枝的结构——皴擦的运用: 枝干的骨力塑造: 强调使用中锋、饱蘸浓墨来表现枝干的力度和生命张力。通过“飞白”和“渴笔”技法,表现老干的苍劲。 叶片的表现技巧: 区分阔叶、尖叶、针叶的画法。讲解“介字点”、“个字点”等传统点叶法,并深入探讨“罩染”技法,即在墨叶干后用花青、藤黄进行复色,增强叶片的厚重感和立体感。 辅助技法:晕染与烘托: 学习如何使用淡墨或淡色,在花卉周围进行烘托,使主体突出。对于水仙、玉兰等需表现透明感的题材,着重讲解“清水浸润法”。 第四章:主体花卉的专项精炼与示范 本章选取了四种最具代表性的写意花卉进行详尽的步骤解析与示范,力求在技法层面实现突破。 遒劲的梅花(折枝与独立): 侧重于“老干新枝”的对比,以及如何用焦墨表现梅花的苍老肌理,用淡墨勾勒花瓣的娇嫩。重点解析“一笔花”的瞬间爆发力。 潇洒的竹子(双勾与泼墨结合): 讲解竹叶的“勿数叶数,勿数枝数”的章法,以及墨分五色的竹竿画法。如何通过竹节的连接,体现竹子的气节。 清雅的兰花(兰叶的线条变化): 兰叶是写意花卉线条功力的试金石。本章细致分析了兰叶的提按顿挫,如何通过不同角度的用笔,表现兰叶的柔软与韧性,避免线条的僵硬化。 繁茂的牡丹(破墨与层叠): 牡丹的难点在于如何表现其丰腴之美而不流于俗艳。我们示范了如何运用破墨法,在半干的底色上施以浓墨,制造出自然的色彩融合效果,表现花瓣的层次和厚度。 第五章:章法布局与意境营造 优秀的写意画不仅要求单体造型准确,更依赖于整体的章法布局来营造意境。 疏密得当的构图原理: 讲解中国画的“计白当黑”原则,如何巧妙地运用空白(宣纸的本色)来引导视线,处理空间感和呼吸感。 气韵的连贯性: 探讨如何通过枝条的延伸和墨色的呼应,使画面中的所有元素形成一个统一的气场,避免画面“孤立点”的出现。 题跋与印章对画面的平衡作用: 示范如何根据画面主体的位置和重量,确定落款和钤印的最佳位置,实现视觉上的平衡与美学上的完整。 全书图例丰富,配有大量高清步骤图,旨在引导读者从模仿基础入手,最终达到融会贯通,形成个人写意风格的彼岸。通过对传统笔墨精神的深入理解和实践,读者将能更好地把握写意花卉“以神写形”的艺术魅力。

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对于一个对中国古典艺术抱有敬畏之心的学习者而言,这套关于“浅绛技法 传统 芥子园山水画谱(VCD)”的资料,提供了一种极为珍贵且难得的“对话”机会。它不仅仅是关于绘画技巧的教学,更像是对中国文人精神的一种现代解读。我尤其欣赏它在讲解构图时,对“计白当黑”和“经营位置”的深度剖析。老师并未简单地套用固定的“S”形或“K”形布局模式,而是引导我们去理解,画面中的留白并非是“没有画”的部分,而是气韵生发、意境无穷的载体。在讲解如何用浅绛的淡彩来烘托山体的厚重感时,那种若隐若现、似有若无的色彩处理,让人联想到古代诗词中的“空山不见人,但闻人语响”。这种将绘画语言与传统文学审美融为一体的教学方式,极大地提升了我的审美层次,让我不再仅仅满足于“画得像”,而是追求“画得有韵味”。

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这套关于“浅绛技法 传统 芥子园山水画谱(VCD)”的影像资料,简直是为我们这些在传统绘画道路上摸索多年的“老学究”们准备的及时雨。我特别欣赏它那种不动声色的,循序渐进的教学方式。要知道,学习浅绛山水,最怕的就是那种急功近利、恨不得一口吃成胖子的速成法。这本书(或者说这套VCD)的叙事节奏,非常贴合国画学习的内在规律。它不是简单地展示“怎么画”,而是深入到“为什么要这么画”的哲学层面。比如,在讲解墨分五色的运用时,老师没有直接给出固定的调色公式,而是通过对不同湿度、不同笔触力度下墨色变化的细致观察和示范,让我们体会到“湿浓焦淡”在表现山石肌理和林木阴翳时的微妙力量感。尤其值得称道的是,它对“芥子园”传统笔墨的继承和创新结合得非常自然。它没有将传统束之高阁,而是巧妙地将那些看似枯燥的古代范式,用现代的视觉语言重新解读。观看过程中,我仿佛能闻到宣纸上墨香的味道,感受到老师握笔时那种沉稳的呼吸。对于想在山水画的“气韵”上有所突破的人来说,这套资料提供了极其扎实的理论和实践基础,是值得反复咀嚼的佳作。

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我得承认,起初我对VCD这种媒介有些许偏见,总觉得不如实体书来得厚重实在。然而,当我真正沉浸在这套“浅绛技法 传统 芥子园山水画谱”的学习过程中时,这种想法彻底被颠覆了。这套影像资料最大的优势在于其动态的演示效果。传统绘画尤其是浅绛这种讲究敷彩和皴擦的技法,很多精微之处,靠静态的图谱是很难捕捉其神韵的。比如,老师在晕染赭石和花青时,那种水与墨、色相互渗透、层层叠加的瞬间变化,以及如何控制笔锋在纸面上游走的速度来决定色彩的浓淡边缘,这些都是画面定格后无法传达的“瞬间美学”。我过去临摹时总觉得色彩发“闷”,就是因为把握不好“上色”与“留白”的节奏。通过VCD,我得以无数次暂停、回放,仔细观察笔尖的走向和水分的多少,这种手把手的沉浸感,是任何一本印刷品都无法比拟的。它更像是一位经验丰富的前辈,在你身边耐心指导,让你真正做到“眼到、心到、手到”。

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如果说市面上很多绘画教程都像是一份精致的菜谱,告诉你每一步放多少盐、放多少糖,那么这套“浅绛技法 传统 芥子园山水画谱(VCD)”更像是一部艺术家的“日记”。它的节奏感非常自由和松弛,没有那种填鸭式的紧迫感。我最喜欢看老师在示范过程中偶尔停下来,讲一些关于自己创作心路历程的小故事,或者谈及某位古人的某幅作品给他的启发。这种带有个人温度的叙述,让整个学习过程变得非常有人情味。我感觉自己不是在被动地接受指令,而是在参与一场与艺术家的精神交流。特别是关于浅绛画中“设色”的环节,VCD清晰地展示了传统矿物颜料(如石青、石绿)在不同光线下呈现出的质感差异,这是平面的文字描述难以企及的。这种对材料本性的尊重和深入挖掘,体现了制作者对传统技艺的深刻理解和敬畏。

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坦白讲,我之前尝试过好几种关于传统山水画的教学资源,但总觉得它们要么过于偏重于学院派的僵硬规范,要么就是泛泛而谈,缺乏可操作性。这套“浅绛技法 传统 芥子园山水画谱(VCD)”则完美地找到了一个平衡点。它以“芥子园”为根基,确保了技法的正统性,同时又非常务实地聚焦于“浅绛”这一中晚清以来极具特色的风格。令人惊喜的是,它对笔墨的运用讲解极其细腻,特别是对于如何使用中锋、侧锋来表现松针和苔点的细微差别,做到了极为细致的拆解。观看过程中,我甚至能听到笔尖接触到粗糙宣纸时发出的轻微摩擦声,这种听觉上的辅助,帮助我更好地建立起对笔触“力度”的感知。它不是那种教你复制作品的教程,而是真正激发你内在“笔墨意识”的良师益友,让我在模仿中逐渐找到了属于自己的表达路径。

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