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出版者:人民音乐出版社

作者:

出品人:

页数:243

译者:

出版时间:2004-7

价格:20.00

装帧:平装

isbn号码:9787103029190

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聆听的艺术：世界音乐经典与鉴赏指南 ——一部全面、深入且充满激情的音乐学习宝典 书籍定位： 本书旨在为所有对音乐抱有好奇心，希望系统提升自身音乐鉴赏能力，并探索浩瀚音乐世界的读者提供一份详尽、实用且富有启发性的指南。它超越了单纯的曲目罗列，力求构建一个完整的音乐知识框架，让听众从“听到”升级到“懂得聆听”。 目标读者： 音乐初学者、希望系统性拓展音乐视野的爱好者、艺术院校学生、以及所有渴望在日常生活中享受更深层次音乐体验的普通读者。 --- 第一部分：穿越时空的聆听——西方古典音乐的基石 本部分将带领读者踏上一段恢弘的音乐史诗之旅，从巴洛克时期严谨的对位法，到浪漫主义时期澎湃的个体情感抒发，再到现代音乐的结构解构与实验。 第一章：欧洲音乐的黎明与秩序（中世纪至巴洛克早期） 格里高利圣咏与早期复调： 探讨宗教音乐如何奠定西方音乐的音高和调式基础。从单音音乐到奥尔加农的诞生，解析复调音乐的萌芽及其对后世的影响。 文艺复兴的清晰之声： 重点分析合唱音乐的黄金时代。帕莱斯特里那、拉索等作曲家的作品如何体现人文主义的理性与和谐之美。 巴洛克的辉煌： 深入解析巴洛克音乐的核心特征——通奏低音、对位法、情感的“激发理论”。特别聚焦于亨德尔的清唱剧（如《弥赛亚》的结构与戏剧性）和维瓦尔第协奏曲的活力。 第二章：大师的殿堂——巴洛克中后期的高峰 巴赫：音乐的建筑师： 剖析《平均律钢琴曲集》的逻辑结构与技巧展示，探讨赋格曲的精妙之处。分析他的管风琴作品如何将信仰与数学完美结合。 歌剧的诞生与发展： 介绍歌剧在意大利的起源，解析早期歌剧（如蒙特威尔第）与成熟期（如巴洛克晚期对宣叙调和咏叹调的区分与运用）。 第三章：古典主义的平衡与典雅 海顿：交响曲之父的贡献： 梳理奏鸣曲式的确立与标准化，解析海顿如何将小型室内乐的思维拓展至管弦乐队。 莫扎特：天才的完美表达： 鉴赏莫扎特歌剧（如《费加罗的婚礼》《唐璜》）中人物刻画的深度，及其钢琴协奏曲在技术与情感间的精妙平衡。 贝多芬：从古典到浪漫的桥梁： 详细分析其三期风格的转变。重点解读《第三交响曲“英雄”》的规模突破和《第九交响曲》的人文精神，理解“英雄”主题的内涵。 第四章：浪漫主义的激情与幻想 抒情与民族色彩： 探讨肖邦对钢琴艺术的贡献，解析舒伯特的艺术歌曲（Lied）如何实现诗歌与旋律的完美融合。 交响诗与戏剧化表达： 介绍李斯特的交响诗，分析柏辽兹《幻想交响曲》中的“主导动机”运用，理解标题音乐如何叙事。 德奥晚期浪漫主义的宏大： 深入瓦格纳的“整体艺术作品”理念，解析其歌剧中的动机处理和无穷旋律，以及马勒交响曲中对死亡与宇宙的哲学思考。 第五章：二十世纪的革命与探索 印象派与象征主义： 德彪西和拉威尔如何通过音色、和声的模糊处理，捕捉光影和瞬间的氛围。 新古典主义与原始主义： 分析斯特拉文斯基《春之祭》带来的节奏冲击与和声革新，以及对早期音乐形式的回溯。 无调性与十二音体系： 阐释勋伯格的“十二音列”创作原则，探讨其如何打破传统调性体系的束缚。 现代音乐的多元发展： 简要介绍极简主义（赖利、史蒂夫·赖奇）和随机音乐（约翰·凯奇）的创作理念，鼓励读者以开放心态面对实验性音乐。 --- 第二部分：跨越疆界的声音——世界音乐与跨界融合 本部分将视野扩展至欧洲之外，探索不同文化背景下的音乐形态，并考察它们在当代的交融与新生。 第六章：东方音乐的哲学深度 中国传统音乐体系： 介绍五声音阶、宫调体系，解析传统乐器（如古琴、二胡）的音色特点和演奏哲学。探讨戏曲音乐的程式化美学。 印度古典音乐的脉络： 深入解析拉格（Raga，旋律模式）和塔拉（Tala，节奏循环）的复杂结构，理解即兴演奏在印度音乐中的核心地位。 日本雅乐与能乐： 探讨其仪式性、静谧感，以及对音高、节拍的独特处理方式。 第七章：节奏的摇篮——非洲与拉丁美洲音乐 非洲鼓乐的集体性： 分析西非复节奏（Polyrhythm）的构建，理解其音乐在社群仪式和沟通中的功能。 古巴与巴西的节奏魔力： 探讨萨尔萨、桑巴等音乐如何融合非洲、欧洲和土著元素，分析其独特的切分音和对位节奏。 第八章：爵士乐的即兴对话 起源与蓝调基础： 追溯爵士乐在20世纪初路易斯安那的诞生，分析布鲁斯音阶和“蓝调音符”的张力。 风格演变详解： 从早期的迪克西兰到摇摆乐的大乐队编制，再到比波普的复杂化、冷爵士的内敛以及融合爵士的电子化探索。 聆听的重点： 如何欣赏即兴独奏的逻辑线索、和声进行的选择以及与伴奏组的互动。 第九章：流行音乐的工业与文化 摇滚乐的根源与反叛： 分析布鲁斯、乡村音乐与节奏蓝调（R&B）如何催生摇滚乐，并解析不同子流派（如硬摇滚、朋克、金属）的社会背景与音乐特征。 电子音乐的声场构造： 探讨合成器、采样技术的发展，解析舞曲音乐（Techno, House）在节奏驱动和音色设计上的创新。 --- 第三部分：鉴赏方法论——从听众到品鉴家 本书的价值在于提供一套可操作的鉴赏工具，帮助读者在面对任何音乐作品时，都能进行有条理的分析和深刻的理解。 第十章：音乐元素的解构 旋律： 辨识旋律的走向（级进、跳进）、线条的复杂程度以及主题动机的运用。 和声： 理解调性、和弦功能（主、属、下属）在不同时期的变化，以及如何捕捉不和谐音带来的情感色彩。 节奏与节拍： 区分复合拍号与简单拍号，识别切分音、复节奏在音乐中的作用，以及如何感知音乐的律动。 曲式结构： 掌握奏鸣曲式、回旋曲式、赋格曲式等主要结构，理解“对比—再现”在宏大作品中的组织作用。 配器与音色： 识别管弦乐队各声部的功能，理解不同乐器（如木管、铜管、弦乐）音色的情感倾向，以及作曲家如何利用音色来描绘场景。 第十一章：如何构建个人的音乐品味 背景研究的重要性： 探讨作曲家的生平、时代思潮、创作意图对作品诠释的决定性影响。 多次聆听的策略： 建议读者采用“三遍聆听法”——第一遍捕捉整体情感和印象；第二遍关注结构和配器细节；第三遍进行深入细节对比和情感共鸣。 演出实况的魅力： 比较录音室版本与现场演绎的差异，理解音乐的“瞬间性”和演奏家诠释的不可复制性。 结语：让音乐成为生活的背景色 本书并非旨在将听众培养成理论家，而是引导读者放下对复杂术语的恐惧，真正进入声音的世界。通过系统学习和主动聆听，每一位读者都能将音乐鉴赏从一项“学术任务”转变为一种持久的、充满乐趣的“生活方式”。 --- （本书附录包含重要音乐术语表、关键作曲家年谱及推荐入门唱片清单，方便读者即学即用。）

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这本《音乐鉴赏(特价)》的封面设计得挺吸引眼球，采用了经典的黑白对比，给人一种既严肃又不失时尚的感觉。刚翻开书，我就被作者那种娓娓道来的叙事风格给吸引住了，他似乎不是在堆砌枯燥的乐理知识，而更像是在和一位老朋友分享他聆听音乐的心得体会。书中对于古典音乐的介绍尤其深入，从巴洛克时期的宏伟叙事到浪漫主义的跌宕起伏，作者都能用非常生动的语言描摹出来，仿佛我能“看”到贝多芬在创作时那种激情四射的状态。特别是关于和声进行和曲式结构的分析部分，没有采用那种生硬的教科书式的讲解，而是通过类比生活中的场景，让我这个音乐初学者也能大致领会到音乐背后的逻辑美感。而且，书中还穿插了不少音乐家的小轶事，这些“幕后花絮”极大地丰富了音乐作品的背景，让每一次重听都多了一层人性的温度。对于提升听觉的敏感度和鉴赏力，这本书无疑提供了一个非常友好的入门路径，完全不会让人在厚厚的理论面前望而却步。

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坦白说，我本来是冲着特价才随便买的，没想到内容质量远超预期。这本书的排版非常用心，字体大小适中，间距合理，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳。我特别欣赏作者在讨论不同音乐流派时的那种平衡感，他既没有过度美化某个时代或风格，也没有用过于批判的口吻去评判新兴音乐的价值。例如，他对爵士乐即兴演奏的解析，就非常到位地抓住了那种“在规则中自由翱翔”的精髓，让我这个平时只听流行乐的人，对爵士乐产生了一种全新的敬畏感。书中有不少地方提供了推荐曲目列表，并附带了简短的赏析点，这对我来说简直是“及时雨”，省去了我大量在网上盲目搜索的时间。我跟着书单听了几张专辑，发现自己的耳朵似乎真的被“训练”了，以前觉得嘈杂的现代音乐，现在能听出其中微妙的层次变化了。这不再是一本单纯的“知识书”，更像是一本行走在声音世界里的“导览手册”。

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阅读这本书的过程中，我最大的感受是作者知识体系的广博。这不是一本只聚焦于某个特定领域（比如管弦乐或声乐）的鉴赏指南，它像一张巨大的网，将世界音乐图景尽可能全面地囊括了进来。从严肃的西方艺术音乐，到富有地域特色的民族音乐，甚至连一些早期电子音乐的先驱工作也被提及，这让我的知识面得到了极大的拓宽。我特别喜欢作者处理跨文化音乐时的尊重和审慎态度，他没有用西方中心主义的视角去简单评判非西方音乐的“原始”或“不成熟”，而是深入挖掘了其内在的结构逻辑和文化功能。这种包容性的态度，使得整本书的格调非常高尚。而且，书中对音乐史脉络的梳理清晰明了，每一个流派的发展都像是站在前一个流派的肩膀上，逻辑递进感非常强，完全不会让人在时间线上感到迷失。

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这本书的视角非常独特，它没有把音乐鉴赏这件事搞得高深莫测，反而强调了“情感共鸣”的重要性。作者反复提到，音乐鉴赏的第一步是感受，然后才是分析。这一点对我触动很大，因为我以前总是试图用知识去套用感受，结果往往适得其反。书中有一章专门探讨了不同调性（大调、小调）在表达人类基本情感（如喜悦、忧郁）上的惯用手法，解释得既科学又充满诗意。举个例子，作者将C小调比作“雨后初霁的微凉”，这种具象化的描述方式，让我一下子就抓住了那种复杂的情绪张力。另外，对于不同乐器的音色特点的描绘，也达到了令人惊叹的细腻程度，比如小提琴在高把位上那种“颤抖的银线”般的质感，小号在强奏时那种“穿透云层的号角声”，都让我忍不住放下书本，去回味那些经典的录音片段。

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这本书的装帧和印刷质量非常可靠，纸张有一定的厚度，即使用荧光笔做了很多标记，也不会透墨，这点对于需要反复翻阅和做笔记的读者来说至关重要。从内容上看，作者的行文风格极为克制且精准，很少出现夸张的修饰词，一切论述都建立在扎实的音乐理论和历史事实之上，但又不失可读性。最让我感到惊喜的是，书中对于如何“在现场”体验音乐的建议，提供了许多非常实用的操作指南，比如在音乐会入场前应该如何预习曲目，如何在音乐进行中保持专注，甚至是如何理解指挥家的手势语汇，这些都是我以前从未在其他鉴赏书籍中读到过的“软技能”。这本书真正做到了“授人以渔”，它不仅教会了我“听什么”，更重要的是教会了我“如何带着思考去听”，这种由内而外的改变，是任何特价都无法衡量的宝贵收获。

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发了以后从来没用过的音乐教材。

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作为科普读物来读也是非常有趣。

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