15天学会素描

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出版者:人民邮电出版社
作者:任婷婷
出品人:
页数:184
译者:
出版时间:2013-5
价格:29.80元
装帧:
isbn号码:9787115310545
丛书系列:15天学会素描
图书标签:
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具体描述

想画出好看的静物素描,却苦于绘画基础功夫不够?没有时间去上绘画班,自学又太费时间?《15天学会素描——静物篇》将告诉你,素描没有那么难!只需要15天,跟着本书作者一步一步扎实地练习,不仅能学会石膏体的画法,而且还能学会单个静物、组合静物的素描技法。

  《15天学会素描——静物篇》分为6章,其中前3章为基础部分,包括素描工具、素描绘制基础以及透视、构图的基本知识等。后3章是案例绘画部分,包括石膏几何体、单个静物和组合静物的绘画案例,案例图清晰,步骤讲解简练。

  没有那么多条条框框,《15天学会素描——静物篇》就是为喜爱绘画的初学者准备的。相信在本书的帮助下,你一定可以掌握到静物素描的绘制技巧。

笔触下的光影魔术:一堂关于观察与表达的艺术之旅 书名:光影的低语:发现你身边的素描宝藏 内容简介: 本书并非一本关于速成的教程,它是一本邀请你重新审视世界的视觉词典,一把开启你内心观察之门的钥匙。我们暂且搁下“15天学会”的紧迫感,转而沉浸于一个更加悠长而深刻的旅程——如何真正“看”见事物,并将这份看见用最纯粹的线条和明暗关系记录下来。 第一部分:视觉的觉醒——从“看”到“感知” 我们每天都在看,但“看”与“感知”之间,隔着艺术的鸿沟。本部分将引导读者放下对“画得像”的执念,转而培养一种更敏锐的视觉素养。 第一章:打破刻板印象的迷障 我们习惯于用标签来认识世界:这是一把椅子,那是一棵树。但素描的第一课,是忘记这些标签。我们将深入探讨形状、体积与空间,学习如何分解复杂的物体为最基本的几何体(立方体、球体、圆柱体)。这不仅仅是训练你的手,更是重塑你的大脑对三维空间的理解。我们会通过大量的观察练习,比如观察一个苹果的真实轮廓,而非你脑海中“苹果”的抽象概念。 第二章:光线,素描的灵魂 光线决定了一切。没有光影,就没有体积感,更无从谈起“素描”。本章将系统地解析自然光与人造光的不同特性。我们会详细剖析“五大调子”——高光、亮部、灰面、暗部和反光——它们是如何共同构建一个立体形象的。我们将通过现场实景模拟,教你如何快速判断光源方向,并用最简单的排线技巧,准确捕捉光影的微妙过渡。重点在于理解“环境光”和“形体光”的区别,避免画面死板,赋予物体呼吸感。 第三章:线条的语言与情绪 线条不只是物体的边界,它们承载着情绪和节奏。本书将素描的线条分为“结构线”、“轮廓线”、“排线”和“擦线”等多种类型。我们探索如何利用线条的粗细、轻重、长短和方向来表达物体的质感(如木头的粗糙、金属的光滑)和艺术家的主观感受。你将学会“控制你的笔”,让线条听从你的思想指挥,而非仅仅是工具的机械运动。 第二部分:物体的哲学——从静物到生命 一旦掌握了观察和光影的基本法则,我们便开始将这些法则应用到具体的主题中。本部分侧重于不同材质和生命体的表现技巧。 第四章:材质的触感——硬与软的对话 素描的魅力之一,在于仅用黑白灰来模拟千变万化的材质。本章将聚焦于两大类材质的处理: 硬质材料(如金属、玻璃、石头): 强调清晰的轮廓线、强烈的高光反射点和精准的反光处理,训练“边界感”和“光泽感”。 软质材料(如布料、皮革、纸张): 重点在于对褶皱和形变的精确捕捉,以及柔和的明暗过渡,训练对“体积包裹感”的表达。我们会花大量篇幅讲解如何绘制丝绸的流动感和羊毛的松软感。 第五章:人体的结构与动态速写 素描绝非只画静物。本章转向更具挑战性的人体速写。我们不会拘泥于繁复的解剖学细节(那将是另一本书的主题),而是侧重于抓住人体的“动态线”(Line of Action)和“重量感”。通过对骨骼结构大致位置的理解,引导读者在几分钟内捕捉人物的姿态和神情,避免人物僵硬和失衡。我们强调“比例的和谐”而非“细节的堆砌”。 第六章:空间的深度——透视的魔力 无论是室内场景还是复杂的建筑外形,透视是构建真实空间感的基石。本书将用最直观的方式解释“视平线”、“灭点”的概念,并教授如何应用单点、两点、乃至复杂的三点透视来构建稳定而有纵深感的画面。我们将通过大量实例,演示如何“找准”视点,确保画面中的线条逻辑一致,引导观者的视线深入画面深处。 第三部分:超越技法——素描的审美与表达 艺术的境界超越了“如何画”,而在于“为何而画”。 第七章:构图的艺术——画面的呼吸法则 一个优秀的素描作品,其构图一定是经过深思熟虑的。本章探讨经典的构图原则,如三分法、黄金分割、对角线构图、平衡与不对称等。我们不再随机摆放物体,而是学会如何引导观众的目光,制造视觉焦点,并确保画面中的元素之间形成有效的视觉联系和节奏感。 第八章:从写实到表现——建立个人风格的起点 艺术的终极目标是表达自我。当你熟练掌握了工具和方法后,便可以开始“打破规则”。本章鼓励学习者思考:我想要通过这幅素描传达什么情绪?是宁静、是力量,还是忧郁?我们将探讨如何通过故意夸张对比度、简化细节、或强调某些线条来形成一种初级的个人“绘画语言”。这是一种自由的开始,让你从技法的奴隶,转变为审美的驾驭者。 结语:持续的对话 素描不是一项可以被“学会”后就束之高阁的技能,它是一种持续的、与世界进行的视觉对话。本书旨在为你打下坚实的基础,让你在未来的艺术道路上,无论选择油画、水彩还是数字艺术,都能拥有一个清晰、敏锐且充满自信的观察视角。拿起你的铅笔,现在,让我们开始真正地“看”这个世界。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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作为一名对艺术充满热情,但又缺乏专业指导的爱好者,我一直渴望找到一本能够真正帮助我入门素描的书籍。《15天学会素描》这本书的出现,无疑是我的福音。它的内容设计非常巧妙,将看似庞杂的素描技巧,分解成了15个清晰的学习单元,每一个单元都有明确的学习目标和配套的练习。我非常喜欢书中对“构图”的讲解。我之前总是觉得构图是一件很玄乎的事情,但作者用非常直观的方式,比如介绍黄金分割、三分法等构图原则,并且结合大量实际的绘画作品作为案例,让我能够轻松地理解如何合理安排画面中的元素,使之达到视觉上的平衡与美感。更让我惊喜的是,书中对“笔触”的运用也有深入的探讨。我之前总觉得线条就是线条,但作者告诉我,不同的笔触能够传达不同的情感和质感,比如轻柔的笔触可以表现丝绸的飘逸,而粗犷的笔触则可以描绘岩石的坚硬。我开始尝试在绘画时,有意识地去变化我的笔触,去感受它们所能带来的不同效果。这让我觉得绘画不再只是技术的堆砌,更是一种情感的表达。我记得书中提到,素描是“形”与“神”的结合。这让我开始反思,我之前仅仅关注了“形”,而忽略了“神”。这本书引导我去关注物体的内在结构和生命力,去捕捉它们的神韵。我甚至开始尝试在我的素描作品中,加入一些我自己的理解和情感,让它们不再只是简单的模仿,而是具有我个人印记的作品。

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素描对我来说,一直是一个模糊的概念,我只知道它是一种绘画的基础,但具体如何入门,如何才能画出像样的东西,我一直没有清晰的思路。《15天学会素描》这本书,就像是为我这样困惑的初学者量身定制的指南。它的内容安排非常到位,15天的学习周期,每天都有明确的学习重点和练习项目,让我能够有条不紊地进行。我特别喜欢书中对“透视”的讲解。我之前以为透视是非常复杂的数学公式,但作者通过非常生活化的例子,比如观察一条笔直的马路在远处会汇聚,或者一排房子在远处会变小,来解释透视的原理。这种“化繁为简”的讲解方式,让我一下子就理解了透视的奥秘,并且能够自信地运用它来表现物体的空间感。书中大量的范例图,风格各异,有简洁的线条画,也有细腻的明暗处理,让我能够接触到不同的表现手法,并且可以根据自己的喜好进行模仿和学习。我尤其喜欢书中关于“质感”的表达。我之前总是觉得画出物体的质感非常困难,但作者通过讲解不同的笔触和线条组合,来表现金属的光泽、木头的纹理、布料的柔软,让我第一次体会到,原来通过简单的线条和明暗变化,就能让画面中的物体“活”起来。我开始在家里搜集各种不同材质的物品,比如金属的勺子、木质的筷子、丝绸的围巾,然后在光线下仔细观察它们的质感,并尝试用书中学到的技巧去描绘它们。这种“学以致用”的过程,让我觉得素描学习充满了乐趣和成就感。

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长久以来,我一直被素描的魅力所吸引,但总是因为觉得门槛太高而望而却步。《15天学会素描》这本书的出现,无疑为我这样缺乏专业指导的初学者打开了一扇新的大门。它系统而全面地介绍了素描的基础知识和绘画技巧,并且将学习过程分解成了一个清晰的15天计划,让我能够按照自己的节奏,一步一个脚印地前进。我特别喜欢书中对“明暗关系”的讲解。我之前总觉得画面中的亮部和暗部很难把握,导致画面显得平淡无奇。但作者通过大量的示范图和讲解,让我能够清晰地理解光线是如何作用于物体,以及如何通过不同的灰度来表现物体的体积感和空间感。我甚至开始尝试在我的素描作品中,有意识地去强化明暗对比,去营造画面的戏剧性和视觉冲击力。这让我觉得,原来素描不仅仅是“画”出物体的形状,更是“画”出物体的光影和生命。书中大量的实践练习,让我能够将理论知识转化为实际操作,每一次的练习都让我对素描有了更深的理解和体会。我甚至开始在生活中,有意识地去观察周围事物的明暗变化,比如窗外的光影,家里的灯光,这些都成为了我学习素描的素材。这种“学思结合”的过程,让我觉得素描学习充满了乐趣和挑战。

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我一直对素描有着一种莫名的情愫,觉得它是一种最纯粹、最直接的艺术表达方式,能够捕捉到事物的本质。但是,实际操作起来却让我屡屡碰壁。我尝试过报班,但时间上总是不太合适,而且课堂上老师的节奏也跟不上我自己的学习速度。偶然间,我发现《15天学会素描》这本书,它的出现仿佛是解答了我长久以来的困惑。拿到书后,我首先被它简洁大方的封面设计所吸引,没有花哨的装饰,只有一种沉静的力量。翻开书页,我被作者流畅的文字和精美的插图所打动。作者的讲解思路非常清晰,从最基础的素描工具介绍,到如何准确地捕捉物体的轮廓,再到如何运用明暗关系来塑造形体,每一个步骤都解释得非常到位。我一直以为画好素描需要大量的练习,但这本书给了我一种全新的视角。它强调的是“理解”和“观察”,教会我如何用眼睛去“看”而不是仅仅用手去“画”。例如,在讲解透视的时候,作者并没有直接给出复杂的公式,而是通过生活中熟悉的场景,比如铁轨的延伸、房子的角落,来让我体会消失点和视平线的作用。这让我豁然开朗,原来透视并没有想象中那么神秘。书中每一天的内容都像是精心设计的闯关游戏,让你在完成一个阶段的任务后,能获得成就感,并充满期待地迎接下一个挑战。我尤其喜欢它在讲解明暗的时候,用到了很多对比练习,让我能直观地感受到不同灰度之间的差异,以及如何通过这些灰度来表现物体的立体感。我开始尝试在家里的阳台上摆放不同的物体,在自然光下观察它们的光影变化,然后用最简单的炭笔来捕捉这些转瞬即逝的光影。这种实践与理论相结合的学习方式,让我觉得每一天都在进步,而且这种进步是看得见的。

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我一直对素描有着强烈的学习愿望,但总觉得自己缺乏“天赋”,每次拿起画笔都感到非常不自信。《15天学会素描》这本书的出现,彻底改变了我的看法。它的标题就充满了一种“可能性”,让我觉得即使是零基础的人也能在短时间内有所收获。这本书的结构非常合理,15天的学习计划环环相扣,每天都有新的知识点和练习内容。我印象最深刻的是它对“构图”的讲解。我之前总是觉得构图是一件很抽象的事情,但作者用了很多具体的例子,比如黄金分割、三分法,并且结合了很多生活中的画面,让我能够直观地理解如何安排画面中的元素,让画面更加和谐、有吸引力。而且,书中对于“黑白灰”的运用讲解得非常透彻。我之前总是分不清哪些地方应该画亮,哪些地方应该画暗,导致画面显得扁平。这本书通过大量的明暗对比练习,让我能够清晰地理解光线是如何作用于物体,以及如何运用不同的灰度来表现物体的体积感和空间感。我甚至开始尝试用炭笔在纸上涂抹色块,然后用橡皮擦出亮部,这比用铅笔一点点去擦拭效果要好得多,也更直观。我记得书中有提到,绘画不仅仅是模仿,更是“理解”和“表达”。这让我开始反思自己之前的学习方式,我总是机械地模仿,而没有去真正理解物体本身的结构和形态。这本书引导我从“看”到“理解”的转变,让我不再只是画出物体的“样子”,而是画出物体的“灵魂”。

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我一直觉得素描是一门高深的艺术,需要天赋和多年的沉淀才能掌握,因此从未真正尝试过。《15天学会素描》这本书的出现,彻底打破了我这种刻板印象。它的内容设计非常人性化,15天的学习周期,每天都有明确的学习目标和实践任务,让我能够循序渐进地提升自己的素描能力。我非常欣赏书中对“线条”的讲解。我之前总是认为线条只是物体的轮廓,但作者告诉我,线条本身也可以具有生命力和表现力。他通过讲解不同的线条组合,比如轻重缓急的变化、粗细虚实的对比,来表现物体的体积感、质感和运动感。我开始在绘画时,有意识地去控制我的线条,去感受它们所能带来的不同视觉效果。这让我觉得绘画不再只是“画”出来,更是“画”得有味道。书中大量的练习素材,涵盖了各种各样的物体,从简单的几何体到复杂的静物,让我能够充分地练习所学到的技巧。我甚至开始在家里搜集一些简单的物品,比如水果、花瓶,然后在不同的光线下观察它们的形态和光影,并尝试用书中学到的技法去描绘它们。这种“学以致用”的过程,让我觉得素描学习充满了成就感,而且这种成就感是看得见的,是可以通过我的画笔一点点实现的。

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我一直以来都对绘画艺术充满了向往,尤其对素描这一门最基础也最能体现绘画功力的技法充满了好奇。然而,苦于没有名师指点,也找不到合适的入门书籍,《15天学会素描》这本书的出现,仿佛是我长久以来寻找的答案。它简洁而有力的标题,就已经预示着一个清晰的学习路径。拿到书后,我被其精美的排版和详细的图文讲解所吸引。作者的讲解逻辑性非常强,从最基本的握笔姿势、线条的粗细轻重变化,到如何准确地捕捉物体的外形轮廓,再到如何运用明暗关系来塑造物体的体积感和空间感,每一个步骤都讲解得十分细致,而且循序渐进,不会让人感到枯燥或难以理解。我最欣赏的是书中对于“观察”的强调。作者反复提醒我们要学会“用眼睛去感受”,而不是“用手去描绘”。他通过很多生动的比喻,比如将眼睛比作一个精密的相机,将物体比作需要捕捉的光影,让我深刻地认识到,好的素描作品,其根源在于对物体的深刻观察和理解。我尤其喜欢书中关于“光影”的章节。作者并没有直接展示复杂的写实作品,而是从简单的几何体入手,通过不同角度的光线照射,来演示如何通过明暗交界线、投影和反光来表现物体的立体感。我甚至开始在阳台上摆放一些简单的物品,比如苹果、杯子,然后在不同的光线条件下观察它们的阴影变化,并尝试用书中学到的技巧去描绘它们。这种“边学边练”的过程,让我感觉自己每天都在进步,而且这种进步是看得见的,充满成就感。

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这本书的出现,简直是为我这种想拿起画笔却又无从下手的人量身定做的。我一直对素描怀有浓厚的兴趣,但总觉得它门槛很高,需要天赋异禀才能掌握。在网上搜索各种教程,看得眼花缭乱,却又不知道哪个才是真正适合初学者的。直到我无意中看到了《15天学会素描》,它的名字就带着一种魔力,仿佛在承诺一个切实可行的学习路径。拿到书的那一刻,我迫不及待地翻开,首先吸引我的是它清晰的排版和丰富的插图。每一页都充满了艺术感,但又不失专业性。作者的讲解非常细致,从最基础的握笔姿势、线条的运用,到光影的塑造、体积的表达,都循序渐进,逻辑性极强。我最喜欢的是它将复杂的概念分解成小块,每一天都有明确的学习目标和练习内容。不像我之前看过的那些教程,动辄就是写实人像,让我望而却步。这本书从最简单的几何体开始,通过对不同形状的观察和描绘,让我逐渐理解了透视、结构这些核心概念。我记得第一天学习如何画一条直线,看似简单,但作者却讲解了如何放松手臂、如何通过眼神的引导来控制笔触,让我第一次体会到“画线”本身也可以是一门艺术。接下来的几天,我开始学习不同明度的线条,尝试用它们来表现物体的质感,比如光滑的金属和粗糙的布料。书中提供了大量的示范图,让我可以反复比对和模仿,这对于提升我的视觉辨识能力非常有帮助。我特别喜欢它在讲解光影时,用到了很多生活中常见的物体,比如水果、杯子,这让我能够轻松地找到参照物进行练习。我甚至开始在家里收集一些形状各异的物体,在午后阳光下,认真观察它们的光影变化,然后尝试着在纸上复现。这种互动式的学习方式,让我觉得素描不再是枯燥的技巧训练,而是一个充满乐趣的探索过程。

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一直以来,我都觉得画画是一件很遥远的事情,需要天赋和多年的训练才能有所成就。我曾几次尝试学习素描,但总是因为找不到正确的方向而放弃。直到我翻阅了《15天学会素描》,这本书给我带来了前所未有的启发。它的内容安排非常科学,将一个看似复杂的过程分解成了一个清晰的15天计划。每一天的内容都有明确的学习目标和实践任务,让我能够循序渐进地掌握素描的技巧。我特别欣赏作者的讲解方式,非常贴近生活,用最简单的语言解释最核心的概念。比如,在讲解线条的粗细和轻重时,作者并没有停留在理论层面,而是通过描述不同的触感,比如羽毛的轻柔、石头的坚硬,让我能够通过联想来理解如何运用线条来表现物体的质感。书中大量的示范作品,构图精巧,用笔细腻,不仅是很好的学习范本,也极大地激发了我内心的创作欲望。我最喜欢的是书中关于“观察”的章节,它教会我如何真正地“看”一个物体,而不仅仅是“描绘”它。作者用了很多的比喻,比如把眼睛看作是镜头,把物体看作是需要被捕捉的光影,这让我从全新的角度去审视我周围的世界。我开始在日常生活中刻意训练自己的观察力,比如在坐公交车的时候,我会留意路边建筑物的轮廓和光影关系,在吃饭的时候,我会观察餐具的形状和材质。这些看似无关紧妙的练习,实际上都在为我的素描学习打下坚实的基础。这本书让我明白,素描并非遥不可及,而是可以通过系统学习和耐心练习来掌握的技能。

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我对素描的热情由来已久,但一直苦于找不到一个系统性的学习方法,每次都浅尝辄止。《15天学会素描》这本书的出现,可以说是我学习历程中的一个重要的转折点。它的内容编排非常科学,15天的学习计划,不仅涵盖了素描的基础知识,还涉及了不同材质的描绘和构图的技巧,让我在短时间内就对素描有了全面的认识。我特别欣赏书中对“透视”的讲解。我之前对透视的概念一直很模糊,但作者用非常生活化的语言,比如举例说明铁路在远处会汇聚,或者一个房间在角落处会变形,来解释透视的原理。这种“接地气”的教学方式,让我能够轻松地理解并掌握透视的运用,能够画出具有空间感的物体。书中大量的范例图,不仅构图精巧,而且用笔细腻,每一张图都仿佛在诉说着一个故事。我从中学习到了很多不同的表现技法,比如如何用细密的线条来表现光滑的表面,如何用粗犷的笔触来描绘粗糙的纹理。我甚至开始尝试在自己的作品中,借鉴这些技法,来丰富画面的层次感和表现力。我记得书中提到,绘画是“观察”与“表现”的艺术。这让我开始反思,我之前只是机械地观察,而没有去“表现”我的所见。这本书引导我去用我的画笔去“翻译”我所看到的世界,去表达我对物体的理解和感受。这种“翻译”的过程,让我觉得素描学习充满了创造性和乐趣。

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