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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Janet Catherine Berlo

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:1998-11-19

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780192842183

丛书系列:Oxford History of Art

图书标签:

• 艺术史
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好的，这是一本名为《失落的文明之声：古代近东艺术与建筑》的图书简介，它完全不涉及北美原住民艺术的内容，而是聚焦于美索不达米亚、埃及和爱琴海文明的艺术成就。 --- 失落的文明之声：古代近东艺术与建筑 探寻人类文明摇篮中不朽的辉煌与信仰的凝结 《失落的文明之声：古代近东艺术与建筑》是一部深入探索人类早期文明艺术表达的恢弘巨著。本书聚焦于公元前四千纪至公元前一世纪之间，在幼发拉底河与底格里斯河两河流域（美索不达米亚）、尼罗河流域（古埃及）以及爱琴海东部（米诺斯与迈锡尼文明）所发展出的独特艺术传统、建筑成就及其背后的社会、宗教和政治结构。 我们不再审视遥远新大陆的文化遗产，而是将目光投向人类定居、文字和国家形成的发源地——古代近东。本书旨在揭示这些古老文明如何通过泥板、巨石、壁画和金属工艺，构建了一个超越时空的精神世界和权力叙事。 第一部分：泥板上的帝国——美索不达米亚的艺术（公元前3500年 – 公元前539年） 美索不达米亚，意为“两河之间”的土地，是苏美尔人、阿卡德人、巴比伦人和亚述人的摇篮。这里的艺术是权力的具象化，是神谕的记录者，也是战争的见证。 苏美尔的起源与神庙的崛起： 本书始于乌鲁克时期的早期城市化，探讨乌鲁克“白神庙”和“Eanna区”的建筑创新。重点分析了“祭司王雕像”和“乌尔军旗”等早期文物，解析它们如何确立了世俗与神权共治的早期模式。我们将详细考察苏美尔人如何将抽象的宗教概念转化为泥板上的楔形文字和圆柱印章上精密的微缩叙事。圆柱印章，这一日常用品，被提升为艺术品和身份的象征，其复杂的主题——从宴饮场面到神祇的显现——为后世艺术提供了基础范式。 阿卡德的统一与叙事艺术的成熟： 萨尔贡大帝的崛起标志着第一个帝国时代的到来。本书详细分析了“萨尔贡的胜利石碑”与“纳拉姆辛胜利纪念碑”的艺术语言。后者尤其重要，它标志着艺术开始服务于个人英雄主义的表达，纳拉姆辛头戴双角头盔，凌驾于敌人之上，这种神人同构的形象处理，对后来的王权艺术产生了深远影响。我们还将考察阿卡德风格中人物造型的力度感和运动感的提升。 巴比伦的法律与光明： 汉谟拉比法典的石碑不仅仅是法律文献，更是古代世界最重要的艺术品之一。本书深入剖析了石碑顶部的浮雕——太阳神沙玛什将权杖授予汉谟拉比的场景。这一构图不仅是法律的合法性来源，更是古代近东艺术中“授予权力”母题的经典范例。此外，我们考察了新巴比伦时期，特别是尼布甲尼撒二世统治下的城市景观复兴，重点是柏林佩加蒙博物馆珍藏的伊什塔尔城门。城门上釉砖烧制的狮子、公牛和龙（穆什胡苏）的浮雕，以其鲜艳的色彩和高度的程式化，展现了皇家对自然和神祇力量的绝对掌控。 亚述的战争机器与宫廷浮雕： 亚述帝国以其无与伦比的战争宣传艺术而闻名。本书将聚焦于亚述巴尼拔二世和亚述那西尔帕二世宫殿中的浮雕系列。这些作品不再是象征性的，而是近乎写实的、宏大的历史记录。从亚述巴尼拔的狮子狩猎场景中对动物痛苦和力量的细致描绘，到对战役、围城和战俘场面的冷酷展示，亚述浮雕揭示了帝国权力的残酷现实及其对艺术媒介的极致运用。我们还将讨论亚述宫殿中对“智慧之神”尼萨布（Nabu）形象的描绘，以及他们如何将护身神兽拉玛苏（人首翼牛身）融入到建筑入口的威慑性设计中。 第二部分：永恒的国度——古埃及的艺术与来世观（公元前3100年 – 公元前30年） 古埃及文明以其惊人的稳定性和对永恒的执着而著称。埃及的艺术完全服务于“卡”（Ka，生命力）和“巴”（Ba，灵魂）的延续，其核心在于维护宇宙秩序——玛特（Ma'at）。 法老王与永恒的殿堂： 本书首先考察了古王国时期的金字塔群，特别是吉萨三大金字塔的建筑学与象征意义，探讨了“太阳崇拜”如何塑造了这些纪念碑的几何形态。随后，我们深入研究了法老的雕塑传统，从阶梯金字塔的“坐像”到斯芬克斯。埃及雕塑的正面性（Frontality）、理想化与永恒不变的表情，并非艺术的局限，而是为了确保法老在来世中能够清晰地被识别和供奉。 墓室艺术的叙事逻辑： 中王国和新王国时期的墓葬艺术是理解埃及信仰体系的关键。我们详细分析了墓室壁画和浮雕中“法庭审判”（如《亡灵书》中的场景）和“日常生活场景”的并置。埃及人如何使用象形文字（Hieroglyphs）作为装饰性与功能性兼具的艺术元素，以及他们特有的组合透视法（Composite View）——即躯干正面、头部和腿部侧面的描绘方式，旨在记录一个实体最完整的视觉信息，而非瞬间的视觉印象。 阿玛尔那时期：一场短暂的美学革命： 阿肯那顿（埃赫那顿）的宗教改革催生了埃及艺术史上最剧烈的风格转变。本书将专门探讨阿玛那时期的艺术特征：人物造型趋向于流线型、柔和的腹部、拉长的头颅和亲昵的家庭场景（如“阿蒙神殿的阿肯那顿与娜芙蒂蒂半身像”）。这种对自然主义的短暂追求，与此后图坦卡蒙墓葬中回归传统的古典风格形成了鲜明对比。 神庙的宏伟：卡尔纳克与卢克索： 本书的焦点转向了新王国时期宏伟的宗教建筑。我们分析了卡尔纳克神庙的多柱厅（Hypostyle Hall），数以百计的巨型圆柱象征着原始的沼泽，是创世神话的具象表达。卢克索神庙的方尖碑、雕像和彩绘浮雕，共同构成了一个从世俗到神圣的仪式通道。 第三部分：迷宫与黄金——爱琴海的青铜时代（米诺斯与迈锡尼） 在近东大陆的边缘，爱琴海孕育了两个与美索不达米亚和埃及截然不同的青铜时代文化——克里特的米诺斯文明和希腊本土的迈锡尼文明。 米诺斯：海洋的宁静与自然的活力： 米诺斯艺术，以克诺索斯宫殿为中心，展现出一种前所未有的自由与活力。本书重点展示了湿壁画（Fresco）的艺术成就，如著名的“公牛跳跃图”、“海豚与飞鱼图”以及“王子或祭司王”的形象。米诺斯艺术避免了埃及式的僵硬和美索不达米亚的战争主题，转而颂扬自然界的动感、海洋生物的形态和庆典的优雅。雕塑遗存稀少，但陶器（如“八角星纹”）展现了对复杂几何图案的偏爱。 迈锡尼：堡垒下的英雄主义： 迈锡尼文明承袭了米诺斯的一些元素，但风格更为刚健和军事化。我们探讨了迈锡尼城邦的防御工事，如著名的狮门（Lion Gate），它标志着欧洲大陆上最早的纪念性雕塑之一，其盾形人像浮雕昭示着王权的威严。本书深入分析了被发现于“A”墓道中的黄金制品，如著名的“阿伽门农的黄金面具”，尽管其年代归属仍有争议，但它代表了迈锡尼王室对财富和权力的极致展现。迈锡尼的陶器和印章艺术，则更多地描绘了战争场面、战车以及程式化的动物狩猎。 结语：古代近东艺术的遗产 《失落的文明之声》不仅是一部艺术史的编年史，更是一次对人类早期符号系统、信仰表达和权力结构的考古。这些文明奠定了后世西方艺术的诸多基础——从叙事浮雕到纪念性建筑，从王权象征到对神性的视觉化。通过对这些不朽作品的细致解读，我们得以聆听那些在历史长河中消逝的帝国的宏大“声音”。 --- 关键词： 楔形文字、圆柱印章、伊什塔尔城门、亚述浮雕、法老王、组合透视法、阿玛那艺术、卡尔纳克神庙、米诺斯湿壁画、迈锡尼狮门、古代建筑学、青铜时代艺术。

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《Native North American Art》这本书让我对“创新”和“传统”的关系有了更深刻的认识。书中展示了北美原住民艺术如何在传承古老技艺和文化主题的同时，也展现出持续的演变和创新。例如，随着历史的发展，一些部落开始接触到新的材料和技术，例如金属、玻璃珠和后来的印刷品，他们并没有简单地模仿，而是将这些新元素巧妙地融入到自己的传统艺术风格中，创造出新的表现形式。作者也探讨了现代原住民艺术家们如何在新时代背景下，继续探索和发展自己的艺术，他们既尊重祖先的智慧，也敢于挑战和突破，将传统艺术与当代观念相结合。我被书中关于“文化韧性”的论述所启发，它展现了原住民文化如何在经历重重挑战后，依然保持着旺盛的生命力，并通过艺术不断地自我更新和表达。这本书让我看到了一个充满活力和创造力的文化群体，他们用艺术讲述着自己的故事，并以独特的方式与世界对话。

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刚翻开《Native North American Art》，一种前所未有的视觉盛宴便铺陈开来。这本书不仅仅是关于艺术品，更是关于那些创造了它们的人们，关于他们与这片土地、与宇宙的深刻联系。从那些刻画着宇宙观和部落神话的古代岩画，到象征着地位、信仰和仪式作用的精美陶器和雕塑，每一件作品都仿佛在低语着一个古老的故事。我特别着迷于书中对不同地区原住民艺术风格的细致梳理，例如西北海岸地区那些色彩鲜艳、线条流畅的图腾柱，它们所蕴含的家族历史和图腾动物象征，以及艺术家们如何巧妙地将动物的形态与人的精神世界融为一体，简直令人叹为观止。书中还详细介绍了不同材质的运用，从木材、兽皮到石材、羽毛，每一种材料的选择和处理都充满了智慧和对自然的敬畏。作者对于这些艺术品背后社会结构、宗教信仰和权力关系的阐释，更是让我在欣赏艺术的同时，也深入理解了原住民文化的复杂性和深刻性。我曾亲眼见过一些博物馆里收藏的原住民艺术品，但这本书让我得以窥见它们的“前世今生”，它们是如何被创造出来，在何种语境下被使用，以及它们所承载的意义是如何一代代传承下来的。这种沉浸式的体验，让我对北美原住民艺术的理解上升到了一个全新的高度，它不再仅仅是视觉上的奇观，而是通往理解一个民族灵魂深处的钥匙。

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阅读《Native North American Art》的过程，就像是在进行一次跨越时空的文化探索。这本书的独特之处在于，它并没有局限于对具体艺术品的描述，而是将艺术品置于其广阔的文化语境中进行考察。例如，书中对西南地区普韦布洛族陶器艺术的详细分析，让我了解到这些精美的器皿是如何在日常生活中扮演重要角色，它们的花纹和色彩如何反映了部落的信仰、农耕周期以及与自然界的关系。作者甚至还追溯了陶器制作工艺的演变，从早期简单的实用器皿到后来高度装饰性和象征性的艺术品，这种演变本身就是一部文化史的缩影。我特别欣赏书中对于“功能性”与“审美性”如何在中国原住民艺术中完美融合的论述，一件看似简单的容器，可能同时承载着部落的宇宙观，也是仪式中不可或缺的道具。此外，书中关于北美草原地区印第安人装饰皮衣和帐篷的工艺，也让我大开眼界。那些用兽皮、羽毛、珠子和染料精心绘制和缝制的图案，充满了象征意义，每一个元素都可能代表着某个部落的故事、某个英雄的功绩，或是对神灵的祈愿。这本书让我明白，原住民艺术并非“原始”或“简单”，而是高度复杂、充满智慧和深刻意义的表达方式。

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《Native North American Art》这本书提供了一个全新的视角来理解“美”的概念。它让我明白，美不仅仅是视觉上的和谐与愉悦，更是一种与精神、与文化、与宇宙连接的深层体验。书中对一些抽象艺术和象征性艺术的解读，尤其让我印象深刻。那些看似简单的线条、形状和色彩组合，在原住民文化中却可能承载着极其丰富和复杂的意义，它们可能代表着生命的力量、宇宙的秩序，或是某种难以言喻的精神状态。作者在书中探讨了这些艺术品如何在特定的仪式或冥想过程中使用，以及它们如何帮助人们与内在的自我或外在的神灵建立联系。我被书中对“意境”的追求所打动，原住民艺术家们似乎更加关注作品所营造的氛围和所引发的共鸣，而非仅仅是客观的造型。这种对艺术精神层面的强调，让我对“美”有了更广阔的理解。

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《Native North American Art》这本书给我带来的是一种心灵的触动和对生命多样性的深刻认识。它让我明白，原住民艺术并非某种单一的风格，而是无数独特声音的集合。书中对不同部落的纺织品和刺绣艺术的描述，让我惊叹于它们色彩的鲜艳、图案的复杂以及其背后蕴含的深厚文化信息。例如，纳瓦霍族毯子的几何图案，每一个螺旋、每一个菱形都可能代表着部落的创世神话、宇宙观，甚至是艺术家个人的冥想过程。作者甚至还探讨了这些纺织品是如何在家庭和社区中制作，以及它们在交易和礼仪中所扮演的角色。我特别喜欢书中对这些图案的象征意义的解读，它们不仅仅是装饰，更是叙事、信仰和身份的载体。阅读这本书，我感觉自己仿佛置身于一个巨大的文化宝库，每一页都展示着人类创造力的不同面向，以及不同文化如何以独特的方式与世界互动。

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《Native North American Art》这本书让我重新认识了“艺术”的定义。它不仅仅是摆放在画廊里的静态展品，更是生活本身的一部分，是连接人、神与自然的桥梁。我特别为书中描绘的那些仪式性艺术品所震撼，例如那些在庆典中使用的大型面具和道具。这些面具往往拥有强大的精神力量，被认为是神灵降临的媒介，艺术家们在制作过程中不仅追求视觉上的逼真，更要捕捉到面具所代表的特定神灵或祖先的精神特质。书中对这些面具材料的选择、颜色运用以及表情刻画的细致描述，让我得以想象出它们在真实仪式中的神秘和庄重。此外，书中还涉及了许多与歌舞、叙事相关的艺术形式，虽然这些艺术形式并非物质实体，但它们通过口头传统、身体动作和音乐得以传承，同样具有深刻的文化意义。作者巧妙地将这些非物质艺术形式与物质艺术品联系起来，展示了原住民艺术的整体性和生命力。我深受书中对“表演性艺术”的探讨所启发，艺术不再是孤芳自赏，而是融入了生命体验，成为一种活态的文化传承。

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《Native North American Art》这本书的叙述方式，让我感受到了原住民艺术家们与自然界一种深刻的共生关系。他们并非征服或改造自然，而是融入自然，从自然中汲取灵感和材料，并用艺术的方式回馈自然。书中对一些部落的狩猎纪念品、战争纪念品以及与自然现象相关的艺术品的描写，都体现了这种关系。例如，一些部落会将狩猎到的动物的骨骼、角或毛发，加工成精美的装饰品或仪式用品，这既是对动物的致敬，也是对生存智慧的肯定。作者还深入探讨了原住民艺术家们如何通过艺术来表达对天空、大地、水和火等自然元素的敬畏和崇拜，这些元素往往被赋予了神性，并在艺术品中以各种形式得以体现。我尤其为书中关于“万物有灵”的论述所吸引，它揭示了原住民看待世界的一种根本性的哲学，即所有生命形式都具有内在价值和精神联系。

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我对《Native North American Art》这本书的阅读体验，是一次关于智慧和耐心的探索。这本书让我了解到，北美原住民的艺术创作，是对环境深刻理解和尊重的体现。例如，书中对阿拉斯加地区和加拿大北部原住民艺术的介绍，让我看到了他们在极端环境下如何利用有限的资源，创造出充满生命力的艺术品。那些用鲸骨、海象牙、驯鹿角和海豹皮制作的雕塑和装饰品，不仅具有极高的观赏性，更展现了他们对动物习性、季节变化以及海洋生态系统的精妙把握。我尤其着迷于那些在鲸骨上雕刻的精细图案，每一个线条都充满了力量感和生命力，仿佛能听到海浪的声音和鲸鱼的歌唱。书中还讨论了不同部落在颜色使用上的偏好和象征意义，例如红色常代表生命和力量，蓝色象征天空和水，而黑色则可能代表夜晚和神秘。作者通过对这些细节的解读，让我看到了原住民艺术家们如何将自然界的元素和精神世界的感悟，巧妙地融入到他们的作品之中。

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《Native North American Art》为我打开了一扇通往北美原住民精神世界的大门。这本书并非简单地罗列展品，而是深入挖掘了每件艺术品背后的文化意义、社会功能和精神内涵。我尤其被书中对材料选择和工艺技术的阐释所吸引。例如，在介绍西北海岸地区艺术家如何处理雪松木时，书中详细描述了他们使用的工具、削木的技巧，以及如何利用木材本身的纹理来增强雕刻的立体感和生命力。那种对材料的极致理解和精湛技艺，以及在雕刻过程中融入的对神灵的敬畏，让我深受感动。书中对不同部落的服饰和珠宝的描写也同样精彩，那些用珠子、羽毛、骨头和金属精心制作的装饰品，不仅仅是美丽的物件，更是身份、地位、部落归属以及对自然界力量的崇拜的象征。我被那些复杂而精美的珠饰图案所吸引，它们往往蕴含着部落的历史故事、宇宙观，甚至是一些只有部落内部成员才能解读的密码。作者在书中将这些艺术形式置于其历史、文化和社会背景下进行解读，让我得以理解，艺术并非孤立存在，而是与生活、信仰、权力紧密相连。这本书让我看到了原住民艺术家们是如何通过他们的作品与过去对话，与现在沟通，并向未来传递他们的智慧和精神。

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《Native North American Art》这本书让我深刻地理解了“社区”在艺术创作中的重要性。许多原住民艺术并非由个体艺术家独立完成，而是作为社区集体劳动和智慧的结晶。书中对一些大型仪式或庆典所需的艺术品的制作过程的描述，就充分体现了这一点。例如，某些部落的图腾柱或大型庆典面具，可能需要整个社区的成员共同参与，从选材、雕刻、绘制到最后的安放和仪式，每一个人都扮演着自己的角色，共同完成一件具有重大意义的艺术品。作者还探讨了艺术知识如何在社区内部代代相传，通过师徒制、家族传承等方式，确保技艺和文化内涵得以延续。我被书中关于“传承”的叙述所打动，它不仅仅是技能的传授，更是关于文化身份、价值观念和历史记忆的传递。这本书让我看到了艺术如何成为维系社区凝聚力和文化认同的强大力量。

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没有历史背景知识的，读起来略艰辛。

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如果对Native North American Art感兴趣，还是可以读读看的……

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