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出版者:Perseus Distribution Services

作者:Millet, Raphael

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:

价格:$ 33.90

装帧:HRD

isbn号码:9789814155427

丛书系列:

图书标签:

• 新加坡电影
• 东南亚电影
• 电影史
• 文化研究
• 电影产业
• 新加坡文化
• 电影理论
• 亚洲电影
• 媒体研究
• 社会文化

东南亚现代艺术的崛起与融合：一部跨文化的视觉史诗 本书并非聚焦于特定地域的银幕叙事，而是将目光投向更广阔的二十世纪中后期至二十一世纪初的东南亚现代艺术运动。这是一段充满活力、深刻变革与复杂张力的历史时期，见证了殖民主义的阴影逐渐退去，新兴民族国家在剧烈的社会转型中寻找自身独特的文化身份。 第一部分：现代性的冲击与本土性的挣扎（1950s-1970s） 在二战后的重建浪潮中，东南亚各国艺术界面临着一个根本性的抉择：是全盘拥抱来自西方（特别是欧洲和美国）的现代主义思潮——如抽象表现主义、立体主义的革新——还是坚守传统的地域性艺术语言和象征符号？ 本书深入探讨了在马尼拉、雅加达、曼谷乃至吉隆坡的艺术学院中，年轻一代艺术家如何吸收“现代”的技法与理念。然而，这种吸收并非简单的模仿。例如，在菲律宾，艺术家们迅速将野兽派的色彩应用于描绘底层人民的日常生活，形成了具有强烈社会关怀的“社会现实主义”流派。而在印度尼西亚，受苏加诺时代民族主义情绪的影响，艺术更倾向于宏大叙事和对地区神话的重新诠释，试图构建一种既现代又根植于爪哇或巴厘传统的“国家艺术语汇”。 本部分详细考察了几个关键的艺术团体和运动。其中，“平衡派”与“激进派”之间的论战，揭示了艺术的政治属性。艺术家们常常在美学追求与国家意识形态的压力之间走钢丝。他们如何利用形式的抽象或具象来表达对独立、贫富差距以及冷战格局下地缘政治的隐晦评论，是本部分的核心议题。我们分析了早期水墨画在不同文化语境下的演变，以及版画作为一种具有强大传播力的媒介，如何在社会动荡时期成为知识分子发声的工具。 第二部分：政治动荡、地域身份与身份政治的萌芽（1970s-1990s） 随着许多国家进入威权统治或经济快速发展的阶段，艺术的社会功能也随之发生转变。本部分着重研究了“后现代”思潮如何在这个特定的历史背景下被本土化和解构。 我们对新加坡（非电影领域）、马来西亚和泰国的艺术场景进行了细致对比研究。在某些政治高度敏感的地区，公开的社会批判转为更隐晦的象征主义表达。艺术家们开始深入挖掘“后殖民身份”的核心困境：在接受全球化带来的视觉冲击时，如何保持文化主体的独立性？ 这一时期的关键在于“身体政治”和“地域景观”的重塑。摄影和装置艺术开始崭露头角，成为挑战传统架上绘画权威的有力武器。例如，探讨水体、稻田和城市边缘空间的系列作品，不再仅仅是风景描绘，而是对土地所有权、环境破坏以及迁徙经验的深刻反思。书中特别关注了在这一时期新兴的女性艺术家群体，她们如何通过身体自画像和对家庭叙事的重构，挑战父权社会对女性角色的刻板印象。这些作品往往带有强烈的私密性和仪式感，是理解当代东南亚性别观念变迁的重要窗口。 此外，本书还探讨了“跨国主义”的影响。随着艺术教育的国际化和国际双年展的兴起，艺术家们开始跳出狭隘的民族国家框架，与更广阔的亚洲乃至全球艺术对话。这导致了艺术语言的进一步混杂与创新，例如将传统手工艺（如编织、蜡染）的技法融入到大型雕塑和装置艺术中，形成了独特的“工艺-艺术”融合现象。 第三部分：全球化、数码浪潮与新的文化交汇（2000s至今） 进入新千年，信息技术的爆炸性发展彻底改变了艺术的生产、传播和消费模式。本部分关注数字媒体、录像艺术以及新的策展实践如何重塑了东南亚的艺术生态。 艺术家们不再满足于被动地反应外部世界，而是主动利用新媒介介入社会议题。我们分析了探讨“城市化幽灵”的数码影像作品，它们揭示了摩天大楼阴影下被遗忘的历史痕迹与阶级固化。互联网文化和社交媒体的影响也开始渗透到艺术创作中，使得作品更具即时性、互动性和参与性。 本部分的重点研究对象是“在地性”与“全球性”的辩证关系。在高度互联的时代，如何维持作品的文化根基？许多艺术家选择回到地方的语言、民间传说和非主流历史叙事中寻找灵感，但他们采用的是极其现代的（如3D建模、互动编码）手段进行诠释。 我们还研究了艺术市场化对艺术创作的深远影响。当艺术品成为全球资本流动的一部分时，艺术的批判性和实验性是否被稀释？本书通过对近期重要双年展和艺术博览会的案例分析，展现了当前东南亚艺术界对“真实性”、“记忆的构建”以及“可持续发展”等议题的探讨深度。 结论：多元视角的交响 总而言之，本书旨在描绘一幅复杂的、多层次的东南亚现代艺术地图。它所呈现的并非单一的、线性的发展轨迹，而是一场由政治、经济、文化冲突与融合共同谱写的视觉史诗。通过对绘画、雕塑、摄影、装置和新媒体的广泛考察，我们得以理解，在后殖民语境下，艺术家们如何在全球化的洪流中，持续地、创造性地定义和重塑“自我”的形象。

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这本书最让我感到惊喜的是，它并没有沉溺于怀旧的感伤，反而充满了对未来可能性的探寻与审视。作者对近年来一批独立电影制作人的关注，显示出其敏锐的时代触觉。他不仅回顾了历史的辉煌与失落，更重要的是，他提出了一系列尖锐的问题：在文化输出日益重要的今天，新加坡电影如何在全球化的浪潮中，既保持其独特的身份标识，又能吸引更广泛的国际观众？书中对“文化软实力”的讨论非常深刻，分析了资金、人才流失等现实困境，但落脚点始终是创作者们不屈不挠的尝试。读完后，我感到一种强烈的鼓舞，仿佛不只是了解了一段电影史，更是获得了一份观察世界、审视自身文化定位的全新工具。这本书的格局很大，它讨论的远超电影本身，而是关于一个岛屿国家在世界舞台上的声音和表达。

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这本《新加坡电影》的封面设计得很有心思，那种略带复古感的字体和底层的黑白老照片，立刻将人拉回了那个充满胶片气息的年代。我原本以为这会是一本枯燥的学术研究，毕竟“新加坡电影”这个主题听起来就有些小众和严肃。然而，翻开内页后，我发现自己完全低估了它的深度和广度。作者并没有仅仅罗列出那些重要的年份和代表作，而是将叙事的手法处理得像是在讲一个娓娓道来的故事。读到关于早期南洋电影工业如何挣扎求存的那几章，我仿佛能闻到当年那些简陋片场的灰尘味，感受到那些先驱者们在资金匮乏和文化夹缝中求生存的艰难。尤其对早期粤语片和马来语片在本地市场的竞争与融合有深入的剖析，那种社会文化背景的勾勒，让这部书不仅仅是电影史的记录，更像是一部浓缩的新加坡社会变迁史。它让我重新审视了那些似乎已经被遗忘在历史角落里的光影作品，明白了每一部电影背后，都承载着一个时代的集体记忆和身份认同的探索。那种历史的厚重感，读起来非常过瘾，绝非泛泛之谈能够概括。

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与其说这是一本关于电影的书，不如说它是一本充满人文关怀的城市札记。作者的视角非常独特，他似乎总能从一块破旧的电影院招牌、一句被遗忘的方言对白中，挖掘出宏大的社会主题。我印象最深的是关于“文化传承”那一块的论述，他没有停留在歌颂层面，而是冷静地指出，在快速现代化的进程中，某些独特的叙事方式是如何被悄无声息地边缘化了。书中穿插的那些老影评人的访谈片段，更是妙趣横生，他们的记忆和观点，像是一把把钥匙，打开了过去那些模糊的银幕印象。这让我不禁停下来，去网上搜索那些作者提到的老电影，试图在自己的脑海中重构那个失落的银幕世界。这本书的阅读体验是主动的，它强迫你去思考，你所观看的，究竟是影像，还是你自身与这个城市的联系。那种深层次的互动感，是我在其他同类书籍中从未体验过的。

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坦白讲，我对电影理论抱持着一种敬而远之的态度，担心内容会过于晦涩难懂，但这本书彻底颠覆了我的看法。它成功地架起了一座桥梁，连接了纯粹的爱好者和专业的学者。我发现自己竟然能理解作者对镜头语言、场面调度背后蕴含的政治经济意图的解析，这得益于其流畅、富有画面感的叙述方式。例如，书中对某几部关键影片中“水景”的反复出现进行分析，从最初的地理标识，到后来的情感宣泄出口，层层递进的解读，让人不得不佩服作者的细腻观察力。更妙的是，全书的排版和配图选择都极为考究，那些罕见的剧照和宣传海报，仿佛自带故事，与文字形成了完美的互文关系。这不仅仅是一次知识的输入，更是一场视觉和智力的盛宴，让人感觉物超所值。

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我不得不说，这本书的文字功力非常了得，读起来有一种酣畅淋漓的感觉。作者的笔调极为犀利且富有洞察力，尤其是在分析上世纪七八十年代，本土电影在好莱坞大片冲击下如何进行自我重塑和身份定位的那部分，简直是教科书级别的分析。他没有使用那些让人望而却步的专业术语，而是用一种近乎对话的方式，将复杂的文化符号和经济压力层层剥开，让你能清晰地看到决策者和创作者们内心的挣扎。我特别喜欢他对于“地域性”和“普世性”之间矛盾的探讨，这不仅仅是关于新加坡本土电影的问题，而是所有在夹缝中成长的文化体都面临的终极命题。读到最后，你会发现，作者对后辈导演们如何在新世纪拥抱数字技术和全球化视野的论述，充满了期待又带着审慎的观察，这使得整本书的结构非常完整，从萌芽到成熟，再到未来展望，逻辑链条清晰得让人拍案叫绝。

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