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出版者:Columbia Univ Pr

作者:White, Jerry (EDT)/ Egoyan, Atom (AFT)

出品人:

页数:268

译者:

出版时间:

价格:25

装帧:Pap

isbn号码:9781904764601

丛书系列:

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• 加拿大电影
• 电影史
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• 电影理论

探秘全球电影史的宏大叙事：从默片时代到流媒体浪潮的电影史著作精选 一、《光影的交织：世界电影流派与美学变迁》（2022年，阿卡迪亚出版社） 作者： 维拉·霍夫曼（Vera Hoffmann） 页数： 680页 内容概述： 本书是对二十世纪世界电影发展历程进行的一次全面而深入的梳理，它超越了单纯的民族电影研究范畴，聚焦于全球范围内电影语言、叙事结构和美学思想的相互渗透与演化。霍夫曼教授以其深厚的电影理论功底，将全球电影史划分为七个关键的“美学周期”，详细分析了每个周期内主导性的艺术思潮如何跨越国界，影响了不同国家的电影制作实践。 书中首先探讨了早期欧洲表现主义（如德国表现主义）如何与苏联蒙太奇理论在叙事节奏和视觉冲击力上形成对照和借鉴，尤其关注了这两者对好莱坞早期类型片（如恐怖片和黑色电影）的隐性影响。 重点章节深入剖析了战后“作者论”的兴起及其全球扩散路径。作者细致地描绘了意大利新现实主义如何为法国新浪潮提供文化土壤，并阐述了波兰学派的社会批判精神如何通过欧洲电影节的交流，启发了如日本“松竹新浪潮”的年轻导演群体。霍夫曼特别辟出一个章节，专门研究了第三世界电影运动，特别是拉丁美洲的“第三电影”（Third Cinema）理念，如何挑战了西方主导的电影工业模式，并阐述了其对后殖民主义叙事手法的构建意义。 在技术革新方面，本书不仅关注了宽银幕技术和立体声的普及，更着重分析了电子游戏美学和数字影像技术如何重塑了当代动作片和科幻片的视觉语法。最后一章，霍夫曼对数字时代电影院的衰落和流媒体平台的崛起进行了富有洞察力的分析，探讨了“观看体验”的本质变化，以及这如何影响了长篇叙事的结构和观众的注意力跨度。全书配有大量珍贵的剧照和技术图表，是理解全球电影艺术发展脉络的权威参考书。 --- 二、《声音的革命：从有声电影到环绕声场的工业史》（2018年，牛津大学出版社） 作者： 马库斯·里德尔（Markus Riedel） 页数： 512页 内容概述： 《声音的革命》聚焦于电影技术史上最具颠覆性的变革——声音的引入及其后的持续演进。里德尔教授采取了一种严格的、以技术和商业驱动为核心的叙事方式，探讨了声音如何从最初的实验性附庸，一步步成为定义电影体验的主导元素。 本书的开篇详细还原了二十世纪二十年代末期好莱坞“有声”化的混乱与竞争，特别是维塔福姆（Vitaphone）和光点录音系统的技术细节对比，以及这一变革如何导致了早期明星的大批淘汰和制片厂权力结构的重塑。作者详尽考察了欧洲电影工业，如法国和德国，在采纳有声技术时所面临的政治和经济挑战，以及这种跨文化技术移植如何催生了新的电影类型，例如歌舞片和有声喜剧。 中段部分，里德尔将焦点转向了二战后电影声音的“空间化”尝试。他系统地梳理了立体声技术的发展史——从早期的多声道磁带系统到杜比（Dolby）降噪技术的发明与普及。书中通过对音效设计师访谈和档案资料的分析，揭示了声音设计在构建电影氛围和引导观众情感投射中的关键作用，特别是对恐怖片和史诗片类型的影响。 高潮部分则探讨了数字音频技术对电影声音美学的“解放”。作者论述了数字声场（如杜比全景声）如何使得声音元素能够独立于屏幕画面进行三维空间的精确布局，从而极大地扩展了电影叙事的维度。他对比分析了好莱坞大片与专注于声音实验的独立电影（如某些欧洲实验电影）对这些新技术的不同运用方式。本书附录收录了二十世纪最重要的十项电影声音专利的详细技术说明，为技术史爱好者提供了宝贵的资料。 --- 三、《东方凝视的重塑：亚洲电影中的现代性与传统》（2015年，普林斯顿大学出版社） 作者： 丽娜·陈（Lina Chen）与戴维·桑德斯（David Sanders） 页数： 740页 内容概述： 本书是一部具有里程碑意义的比较研究著作，旨在剖析二十世纪下半叶，东亚及东南亚电影在面对西方工业化冲击和本土传统文化继承之间所进行的复杂对话。两位作者采取了“双重透镜”的分析方法，避免了将亚洲电影视为一个同质化群体的陷阱。 全书分为四个主要板块：“默片的遗产与民族认同”，重点分析了日本无声时代的“活动弁士”文化如何为日后电影的叙事定下基调，以及上海默片黄金时期对社会问题的敏感度；“战后国家建设与电影意识形态”，深入比较了韩国、台湾及印度电影在特定历史时期，如何利用电影作为民族主义叙事或社会批评的工具，尤其关注了对“家庭”概念的构建与解构；“新浪潮的本土化”，详细考察了香港新浪潮运动中对城市空间和边缘群体的关注，如何区别于法国新浪潮的精英主义倾向，并论述了其对后世武侠片和警匪片语汇的贡献；“全球化时代的身份焦虑”。 在“全球化时代”的章节中，作者对侯孝贤、王家卫、是枝裕和等当代大师的作品进行了深入的美学分析，强调他们如何运用缓慢的节奏、非线性叙事和对日常生活的细致描摹，成功地在国际影坛上确立了一种不同于好莱坞的、具有强烈地域性的“现代性表达”。 本书的独特之处在于其对“身体美学”的重视。作者认为，在许多亚洲电影传统中，身体的姿态、动作的克制或爆发，远比对白更能承载历史的重量与情感的张力。他们通过详细分析武术动作、舞台表演对电影动作设计的影响，揭示了亚洲电影中一种深层次的、非西方中心的美学视角。书中附录了自1960年至2010年间，东亚地区获得国际大奖的主要电影作品的详细统计表。 --- 四、《类型片的解构与重构：好莱坞的二十年（1995-2015）》（2016年，芝加哥大学出版社） 作者： 乔安娜·芬奇（Joanna Finch） 页数： 488页 内容概述： 本书是对美国主流商业电影在千禧年交接前后，类型片边界模糊化和主题复杂化现象的尖锐评论。芬奇教授认为，1995年至2015年间的好莱坞并非停滞不前，而是在看似公式化的叙事框架下，进行了一场深刻的“内在反思”。 她选择聚焦于五个核心类型：超级英雄片、高概念惊悚片、浪漫喜剧、西部片复兴及青少年反乌托邦片。对于超级英雄片，芬奇分析了从《蝙蝠侠：黑暗骑士》开始的“严肃化”趋势，探讨了这些作品如何利用超自然元素来影射后9/11时代的国家安全焦虑与道德困境。 在惊悚片部分，作者详细剖析了“后真相时代”的叙事策略，研究了如《记忆碎片》和《穆赫兰道》等作品中，对观众认知和时间感进行系统性操纵的手法，并将其与早期西班牙语系导演在好莱坞的介入联系起来。 最具有启发性的是对西部片“消亡与重生”的分析。芬奇指出，在新西部片中，传统上代表正义的牛仔形象逐渐被边缘化或彻底颠覆，取而代之的是对殖民历史、种族冲突和环境破坏的复杂反思，这标志着类型片叙事道德基础的彻底动摇。 本书强调，在这一时期，好莱坞制片厂学会了通过“系列化”（franchising）来对冲风险，但其结果是：类型片的核心结构被保留，但内部的符号和主题却被注入了更具批判性的当代社会议题。芬奇认为，这种“解构式重构”既是商业策略，也是对电影语言边界的一次持续探索。全书的论述风格充满活力，擅长将复杂的叙事理论应用于广受大众欢迎的商业电影案例中。

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当我翻到关于魁北克电影运动的那一部分时，我简直不敢相信作者竟然能够如此精准地捕捉到那种独特的“北境之声”。这本书的精彩之处在于，它没有将“加拿大电影”视为一个同质化的整体，而是极为敏锐地察觉到了东西部、英语区和法语区之间那道深刻的文化鸿沟，以及这种鸿沟如何催生出风格迥异的电影语言。魁北克那部分，尤其让我眼前一亮，那些对“法语身份焦虑”的电影化呈现的解析，简直是教科书级别的案例分析。作者挑选的影片样本极具代表性，从早期的宗教影响到后来的新浪潮的冲击，脉络清晰得令人叹服。更让我佩服的是，他没有仅仅停留在“身份政治”的层面，而是深入到具体的运镜、剪辑节奏、以及对光线和环境的运用上，来阐释这些电影如何构建和解构“加拿大性”。我甚至因此重新找出了好几部被我遗忘的老片，重新观看时，视角完全不同了，仿佛这本书成了我的私人导览手册，让我看到了隐藏在画面之下的文化密码。

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坦白说，我原本担心这本书会过于侧重于那些国际获奖作品，但出乎意料的是，它花了大量篇幅来探讨那些“边缘化”的、独立制作的，甚至是实验性质的电影项目。这种对多元声音的包容性，让整部作品的厚度和广度得到了极大的提升。特别是关于原住民电影制作的章节，作者的处理方式极其审慎和充满敬意，他没有采用那种居高临下的观察者视角，而是努力去理解这些影像背后的权力关系和历史创伤。我特别欣赏他引入的那些关于“可见性”的哲学讨论——谁有权讲述什么故事，以及在资本和主流叙事面前，如何保持影像的纯粹性。这种对伦理和美学的并重，使得这本书不仅仅是一部电影史，更像是一部关于文化抵抗与自我定义的思想录。读到这里，我感觉到作者的个人情怀与学术严谨性达成了完美的平衡，读起来充满了真诚的力量。

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这部《加拿大的电影》的书籍简直是为每一个对北美电影乃至世界电影史有兴趣的爱好者量身打造的。我花了整整一个下午沉浸在第一章中，那种对早期默片时代加拿大电影制作人如何艰难求生、如何在巨大的邻国阴影下建立自己独特美学的细致描摹，让我感到既震撼又心酸。作者显然下了极大的功夫去挖掘那些被主流历史所遗忘的档案和访谈录。他不仅仅罗列了事件，而是将冰冷的史实转化为一场场鲜活的画面，仿佛带着我们走进了那些尘封已久、充满硝烟味的片场。特别是关于战时宣传电影如何影响本土叙事转向的分析，那种对意识形态与艺术表达之间微妙拉扯的剖析，极其深刻，完全超出了我原本预期的学术深度。语言的驾驭老辣成熟，既有学者严谨的考证，又不失文学评论家般的洞察力，读起来完全没有那种枯燥的学术腔调，反而像在听一位资深电影人娓娓道来他一生的挚爱。那些对具体早期胶片保存状况的描述，让人不禁感叹，我们今天能看到的很多影像，都凝聚了无数无名英雄的努力。

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这本书的叙事节奏感一流，尤其是在描述从八十年代到新世纪加拿大电影工业化转型的那段历史时，张力十足。作者像是精准地捕捉到了那种从政府扶持到市场化冲击的整个过程中的焦虑与机遇。他对那些试图在好莱坞体系边缘寻求生存空间的导演们的困境描绘得入木三分，那种“既想融入又害怕被吞噬”的矛盾心态，通过对几部关键商业片票房和评论反响的对比分析，被展现得淋漓尽致。我尤其喜欢作者在分析特定年份的电影政策变化时，所采用的类比手法，它将原本可能晦涩的政策文件，转化成了对艺术生态影响的生动画面。读完这一部分，我脑海中浮现出一部关于加拿大电影未来的宏大图景，它不再是孤立的闪光点，而是相互关联、充满活力的生态系统。这使得本书具有了极强的现实意义，它不仅仅回顾过去，更像是在为今天的电影人提供一面审视自身的镜子。

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这本书的注释和索引部分，虽然通常被读者忽略，但对于我这种有深入研究需求的读者来说，简直是宝藏。我随意翻阅了一下附录，发现作者引用的文献范围之广，令人咋舌，涵盖了从法语区的哲学期刊到地方性的行业报告，这本身就证明了其研究的扎实程度。更令人称道的是，作者的写作风格在不同的章节中展现出惊人的可塑性。比如在讨论某位特定导演的视觉风格时，其用词变得极具感性和画面感，充满了对光影和构图的诗意描述；而在分析政府资助对纪录片生态的影响时，语言又瞬间切换为高度精炼和数据驱动的论证模式。这种在不同“频道”之间流畅切换的能力，使得整本书读起来丝毫不会感到单调乏味。总而言之，这是一部百科全书式的作品，但其灵魂深处却跳动着一个真正热爱这门艺术的观察者的心跳。它填补了市面上关于这一主题的深度空白，无疑是近十年来最值得收藏的电影研究著作之一。

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