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出版者:John Wiley & Sons Inc

作者:Sutro, Dirk

出品人:

页数:366

译者:

出版时间:2006-6

价格:144.00元

装帧:Pap

isbn号码:9780471768449

丛书系列:

图书标签:

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爵士乐的无限可能：一部深入探索美国音乐瑰宝的指南 本书并非关于“傻瓜式入门”，而是献给所有渴望真正领会爵士乐深层魅力、复杂结构与丰富历史的求知者。 本书将带领读者踏上一段深入爵士乐核心的旅程，探索它如何从新奥尔良的街头巷尾崛起，演变成一种影响全球音乐范式的复杂艺术形式。我们不会停留在简单的“什么是蓝调音阶”的层面，而是深入剖析其演变过程中的每一个关键转折点、革命性音乐家及其背后的文化驱动力。 第一部分：根源与黎明——爵士乐的泥土芬芳 (约 300 字) 要理解爵士乐，必须先回到它诞生的土壤。我们将详细考察十九世纪末二十世纪初路易斯安那州的独特社会环境——融合了非洲节奏、欧洲和声、军乐队传统以及精神赞美诗（Spirituals）的熔炉。 本部分将重点解析： 非洲主义的遗存 (Africanisms)： 探讨对位法、复节奏（Polyrhythm）以及即兴创作在早期音乐中的体现，而非仅仅提及“节奏感强”。 拉格泰姆（Ragtime）的结构精密性： 分析斯科特·乔普林（Scott Joplin）作品中复杂的钢琴布局，以及它如何为自由即兴的出现奠定结构基础。我们研究的是拉格泰姆如何从严格的乐谱走向更具弹性的演奏方式。 布鲁斯（Blues）的灵魂语言： 深入分析十二小节布鲁斯作为一种叙事结构和情感载体的多功能性，如何超越简单的和弦进行，成为爵士乐的核心哲学。我们将解构和弦替代、和弦色彩的微妙变化，以及布鲁斯在不同流派间的适应性。 新奥尔良的集体即兴： 考察早期乐队（如金汤匙管乐队 King Oliver’s Creole Jazz Band）中，主旋律、对位旋律与低音线的有机互动，理解这种看似“混乱”的背后，是高度协调的音乐对话。 第二部分：摇摆的黄金时代——结构与创新 (约 450 字) 二十年代至四十年代是爵士乐从地方音乐走向全国性流行音乐的关键时期。本部分将聚焦于如何从纯粹的娱乐转向精密的艺术表达，特别是大乐队（Big Band）时代对编曲艺术的提升。 路易斯·阿姆斯特朗的革命性独奏： 不仅仅是“伟大的小号手”，我们分析阿姆斯特朗如何将爵士乐从集体演奏转变为以独奏者为中心的艺术。重点解析他如何运用节奏的“提前”与“延迟”（playing ahead of or behind the beat）来创造张力，以及他对和声色彩的早期探索。 大乐队的工程学： 探究公爵·艾灵顿（Duke Ellington）和康特·贝西（Count Basie）如何驾驭多达十八人的乐队。我们将细致分析艾灵顿对“声部写作”（Section Writing）的突破，他如何使用特定乐器组合来创造前所未有的音色（Timbre），如同作曲家使用管弦乐团一般。贝西乐队的简约与律动，则体现了另一种结构上的极致——通过有限的和弦变化实现无限的律动潜力。 摇摆的物理学： 深入理解“摇摆”（Swing）并非简单的三连音分解，而是一种对四分音符的内部处理方式。我们会用更专业的术语讨论节奏的“推进感”与“松弛感”的平衡，以及在不同速度下，演奏者如何保持这种微妙的律动张力。 布莱顿堡（Bebop）的智力挑战： Bebop 是对流行音乐化倾向的反叛。我们将剖析查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）如何将和声复杂化：快速的和弦替换（Chord Substitutions）、对原曲和弦框架的极速穿梭，以及如何将独奏提升至近乎古典主义的对位复杂程度。这不仅仅是“快速演奏”，而是对既有音乐语言的彻底重构。 第三部分：后比波普的多元宇宙——风格的解构与重建 (约 450 字) 五十年代后，爵士乐开始分裂成多个相互影响又相互对立的流派，每一次分裂都代表着对“爵士乐本质”的重新定义。 冷爵士（Cool Jazz）与音乐的“疏离”： 分析迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的《Birth of the Cool》项目，探讨其如何吸收古典音乐的元素（如对位法与配器法），追求更内敛、更注重音色空间的演奏风格，与东海岸的热烈形成对比。 硬波普（Hard Bop）的回归： 考察艺术家具乐部（如费城、底特律）如何将福音音乐（Gospel）和节奏布鲁斯（R&B）的强烈情感融入比波普的复杂性中，重塑一种更具灵魂的现代爵士乐。 调式爵士（Modal Jazz）的解放： 深入分析《Kind of Blue》的革命性意义。这不是关于快速改变和弦，而是关于在单一或少数几个调式（Modes）上进行长时间的即兴。我们将解析调式选择如何极大地解放了演奏者的旋律创作空间，鼓励更注重横向线条而非纵向和弦变化的思考。 自由爵士（Free Jazz）的边界消融： 审视奥奈特·柯尔曼（Ornette Coleman）和约翰·柯川（John Coltrane）后期作品中，对传统和声、固定节奏和既定结构的彻底颠覆。我们探讨自由爵士如何成为一种哲学宣言，挑战听众对“音乐”的既有认知，以及其内在的结构逻辑。 第四部分：融合、回溯与未来——爵士乐的全球影响 (约 300 字) 本书最后一部分将关注爵士乐如何超越美国国界，以及它如何吸收外来元素，继续自我进化。 融合爵士（Fusion）的电子化进程： 分析迈尔斯·戴维斯晚期如何引入电贝斯、合成器和摇滚乐的节奏律动。我们将细致区分不同融合风格，如爵士摇滚（Jazz-Rock）与更具实验性的电子爵士。 全球语境下的爵士乐： 探讨爵士乐在欧洲、拉丁美洲和亚洲的本土化过程。例如，巴西巴萨诺瓦（Bossa Nova）如何将复杂的葡萄牙语旋律与爵士和声相结合，创造出一种独特的听觉体验。 当代爵士乐的复杂面貌： 考察新一代音乐家如何巧妙地将 Hip-Hop 的节奏结构、电子音乐的声场设计融入传统的演奏技巧中。这不是简单的“混搭”，而是对爵士乐即兴核心的继承与当代语境的对话。 通过对以上每一个阶段的深入剖析，本书旨在为读者提供一个坚实的理论框架和丰富的历史背景，使他们能够欣赏爵士乐作为一种成熟、复杂且不断进化的艺术形式所蕴含的无穷深度。

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我购买这本书的唯一目的，是想了解如何才能更好地欣赏那些我收藏已久的、但总也“听不进去”的爵士乐唱片。这本书的“聆听指南”部分简直是神来之笔。它没有直接告诉我“听谁”，而是提供了一套多层次的欣赏方法。比如，初听时，建议只专注于鼓手的节奏型，感受那种推进力；第二次听，则侧重于低音提琴如何为和声提供地基；第三次，才将注意力集中到主奏乐器上。这种“渐进式”的聆听策略，极大地降低了对新听众的门槛。我尝试着用这种方法去听“A Love Supreme”，以往我只会觉得科尔特恩（Coltrane）的萨克斯非常“狂热”，现在我能清晰地分辨出他在不同段落中对节奏的“拉伸”和“压缩”，甚至能感受到贝斯手在后方默默构建的稳定结构。这本书的价值不在于教你演奏，而在于有效地“翻译”了这些大师们的声音语言，把原本听起来一团乱麻的声音，拆解成了清晰、可感知的元素组合，让我的黑胶收藏焕发了新的生命力。

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我是一位业余的吉他爱好者，一直想在我的指弹演奏中融入一些爵士的“味道”，但市面上大多是面向钢琴手的乐理书，让我无从下手。这本书虽然总体上是面向大众的，但它对乐器在爵士乐团中的角色划分，尤其是对吉他在早期（如乔·帕斯时期）和中后期（如韦斯·蒙哥马利时期）的功能变化描述得非常精辟。它用很直观的方式解释了什么是“和弦切片”（Chord Voicings）在吉他上的特殊处理，以及如何通过拇指代替拨片来获得更温暖的音色——这完全是吉他手的独门秘籍！虽然它没有提供大量的指板图示，但它对“节奏部分”和“独奏部分”的切换时机把握的描述，让我对自己的即兴演奏有了更清晰的定位。例如，关于“Walking Bass Line”的介绍，虽然不是专门写给吉他的，但我通过尝试用低音弦模仿那种坚定的律动，极大地改善了我的节奏感。这本书最大的成功之处在于，它成功地跨越了乐器之间的壁垒，提供了一个统一的、易于理解的爵士乐框架，让我这个吉他手也能自信地走进爵士的殿堂。

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作为一个对古典音乐有着深厚背景的人，我对爵士乐的“随意性”一直持保留态度，总觉得它缺少了严谨的结构美学。所以，我抱着“批判性阅读”的心态来对待这本指南的。出乎意料地，这本书在探讨即兴创作的“结构”方面，给了我极大的启发。它清晰地阐述了“主题-即兴-主题再现”的经典AABA曲式在爵士乐中的应用，并详细剖析了如何在一个既定的和声进行（Chord Progression）上进行“垂直”和“水平”的即兴思考。书里专门用了一章来解析“II-V-I”这个爵士乐的万能钥匙，作者用图表和口语化的表达，将复杂的属七和弦解决过程描绘得像解数学题一样清晰，让我这个习惯了奏鸣曲式的人，找到了理解爵士乐逻辑的突破口。这本书没有试图把爵士乐贬低到“不入流”的地位，反而强调了它在和声进行上的先进性，特别是对现代爵士（Post-Bop）如何运用色彩音（Tension Notes）来增加张力感的介绍，非常精准，远超我预期的“入门”深度。

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这本“爵士乐入门指南”简直是为我这种对蓝调和即兴演奏一窍不通的“小白”量身定做的！我一直觉得爵士乐像是某种只有行家才懂的密码，充满了晦涩难懂的和弦和复杂的节奏型，每次尝试听那些老唱片，都感觉像是在迷宫里打转。这本书的切入点非常亲民，它没有一开始就抛出一堆莫扎特式的乐理术语，而是从最容易上口的摇摆乐（Swing）开始讲起，详细解释了为什么四四拍的律动会让人忍不住跟着晃动身体。作者似乎深谙初学者的痛点，用非常形象的比喻来解释什么是“切分音”和“失重感”，比如把即兴演奏比作一场对话，每个人轮流抛出观点，而不是纯粹的炫技。我特别喜欢它对“根音和弦”的讲解，居然能让我这个钢琴初学者大致摸清如何在简单的流行歌曲和弦上添上那么一丝“爵士味儿”。以前听Miles Davis，总觉得他吹奏的每一个音符都充满了神秘感，现在读了这本书，至少能分辨出他是在某个特定调式框架内游走，而不是随意乱吹。它不光是教你“听”，更教你“理解”这种音乐的内在逻辑和情感表达，让我对路易斯·阿姆斯特朗的早期作品产生了全新的敬意，不再觉得它们只是老掉牙的“老古董”。

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我是在寻找一份能让我快速切入20世纪中叶“硬波普”（Hard Bop）黄金时代的工具书时，偶然翻到这本号称“傻瓜指南”的读物的。坦白说，一开始我抱着一种怀疑的态度，毕竟这种类型的书往往会过度简化，把深刻的音乐史变成肤浅的年表。然而，这本书在处理不同流派的演变时，展现出一种令人惊讶的细腻和条理。它没有将比波普（Bebop）和酷派爵士（Cool Jazz）简单地视为时间上的先后顺序，而是深入探讨了它们在社会背景和音乐哲学上的冲突与融合。比如，它对查理·帕克（Charlie Parker）的复杂乐句分析得非常到位，虽然没有提供完整的乐谱解析，但通过描述性的语言，成功地描绘出了那种“疾速奔跑中又带着一丝诙谐的停顿”的听感。更让我惊喜的是，它竟然用相当大的篇幅讨论了爵士乐在不同城市的发展轨迹——芝加哥的粗犷、纽约的精致、西海岸的慵懒，这种地域性的叙事手法，让音乐的脉络变得立体起来，不再是抽象的声音集合。我甚至因此去挖掘了一些原本完全陌生的中西部小厂牌的录音，体验感提升了不止一个档次。

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Perfect!

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没啥意义了 捡着有兴趣的跳着看

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