How to Play Blues Piano pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hansen House

作者:Mance, Junior

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:0.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9780849410918

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爵士钢琴的深度探索：即兴的艺术与和声的织体 一部聚焦于爵士乐钢琴演奏精髓、和声理论进阶以及即兴思维构建的权威指南。 导言：超越基础，直抵爵士核心 本书旨在为已经掌握钢琴基础演奏技巧，并渴望深入理解和驾驭爵士乐复杂和声结构与即兴艺术的音乐学习者提供一张详尽的路线图。我们不讨论如何弹奏蓝调的十二小节进行曲（即著名的 12-Bar Blues），而是将焦点完全投向更广阔、更精致的爵士钢琴领域，包括冷爵士（Cool Jazz）、硬波普（Hard Bop）、后波普（Post-Bop）乃至当代爵士乐中常见的和声语言。 本书的核心理念在于，真正的爵士演奏并非孤立技巧的堆砌，而是建立在对和声功能、旋律驱动力以及节奏切分（Syncopation）的深刻理解之上的自由对话。 --- 第一部分：高级和声的几何学——超越三和弦 本部分将彻底解构爵士乐中常见的和弦扩展与替代技巧，这些技巧构成了现代爵士乐音响的基石。 第一章：七和弦的精炼与色彩化 我们将深入剖析九音、十一音和十三音和弦的构造、功能和应用。重点在于理解如何利用和弦音阶（Chord Scales）来选择最具表现力的音符，避免平庸的根音驱动型演奏。 九和弦的应用拓扑学： 区分和弦结构中添加大九音、小九音（b9, 9）的色彩差异，尤其是在属七和弦（Dominant 7th）上的动态张力构建。 十一音与十三音的“缺失音”策略： 探讨在演奏中故意省略某些音符（如根音、五音）以解放指间空间，专注于色彩音（3rd, 7th, 9th, 11th, 13th）的策略。 大七和弦的进阶变化： 重点分析 Maj9, Maj11, Maj13 的细微差别，及其在 I 级和 IV 级和弦上的独特功能。 第二章：和弦替代与功能导向的重构 本章是理解现代爵士乐“进行”（Progression）的关键。我们不再满足于标准的 II-V-I 走向，而是学习如何打破和重塑它。 三全音替代（Tritone Substitution）： 详细阐述 V7 和弦被其三全音关系和弦替代后，如何保持功能性连接，同时注入全新的色彩。我们将通过分析查理·帕克（Charlie Parker）和比尔·埃文斯（Bill Evans）的实践案例，展示这种替代如何驱动旋律向前。 和声重排（Reharmonization）的原则： 教授如何使用更密集、更现代的和弦组（如四度和弦组、Drop Voicings）来替换标准流行歌曲或标准曲目中的原始和声，从而赋予作品新的生命力。 序列化和弦（Chordal Sequencing）： 讲解通过重复模性（Modality）和功能组的位移来创造连贯、流畅的低音声部和伴奏织体的方法。 --- 第二部分：即兴思维的构建——从模仿到创造 本部分将从技术层面转向艺术层面，探讨如何将和声知识转化为流畅、富有逻辑性的即兴旋律。 第三章：调式（Modes）的深度挖掘与实用化 抛开对传统大调音阶的依赖，本章专注于爵士乐中应用最为频繁的七种调式，并将其与特定的和弦功能紧密绑定。 多利亚（Dorian）与莱索（Lydian）的主导地位： 详细分析 D Dorian 在 II 级和弦上的完美契合度，以及 Lydian 调式（常带有4音）如何为 I 级或 IV 级和弦增添空灵感。 减弱与半减和弦的调式语言： 针对半减七和弦（m7b5）和减七和弦（dim7），探讨其专属调式（如 Locrian 及其变体）的应用，以及如何利用减七和弦的对称性进行快速和声转移。 音阶的“装饰性”使用： 强调即兴旋律并非只是音阶的上下行，而是如何利用音阶中的特定“特征音”（Color Tones）来强调当前和弦的色彩。 第四章：节奏的雕刻——切分与动机发展 即兴的灵魂在于节奏的驾驭。本章侧重于如何使你的旋律线摆脱刻板的四分音符结构。 复合节奏型（Polyrhythms）的引入： 初步探讨在 4/4 拍中植入 3 组、5 组或 6 组音符的技巧，以制造“重音错位”的效果。 动机发展（Motivic Development）： 教授如何从一个简短、引人注目的旋律动机出发，通过节奏、音高、音型的变形（Inversion, Retrograde）来构建一段逻辑清晰、完整叙事的即兴段落。 “空间”的使用艺术： 分析大师们何时选择演奏，何时选择沉默。理解休止符和稀疏的旋律线条在构建张力与释放中的关键作用，这是区别专业与业余演奏的试金石。 --- 第三部分：钢琴家的角色定位——伴奏与独奏的辩证统一 爵士钢琴家必须同时精通“伴奏者”（Comping）和“独奏者”的角色。本部分将深入探讨这两种功能的专业化要求。 第五章：现代伴奏织体（Voicings）的演变 此部分着重于构建适合四重奏、五重奏甚至大型乐队的伴奏结构，避免使用过于厚重或老套的和弦排列。 “左手控制”策略： 详细介绍“Rootless Voicings”（无根音和弦）的构建方式，特别是针对大三度/小三度（3rd/7th）的组合在左手中的分配，确保低音贝斯手可以自由发挥。 “块状”与“分解”的交替： 学习在不打断乐曲流动的状态下，如何在厚实的块状和弦（Block Chords，受林克·哈蒙影响）和分散的、分解的琶音之间进行无缝切换。 节奏伴奏的动态范围： 探讨如何通过轻微的力度变化和节奏提前/延迟来“推动”或“拉动”主旋律演奏者的速度感。 第六章：风格解析与声音的塑造 本章将通过对二十世纪中后期几位标志性爵士钢琴大师（如霍雷斯·西尔弗、麦考伊·泰纳、赫比·汉考克早期作品）的风格元素进行解构，帮助读者找到属于自己的“声音”。 硬波普的律动： 分析其和声的简洁与节奏的驱动力如何结合。 调式爵士（Modal Jazz）的极简主义： 探讨如《Kind of Blue》中，如何长时间保持在一个或两个调式上，并通过节奏和音色变化来维持趣味性。 融合的边界： 简要概述当代爵士钢琴家如何将非洲节奏、拉丁元素和电子音乐概念融入到传统框架中，并提供相应的和声思考路径。 --- 结语：永无止境的对话 爵士乐是一门实践的艺术，本书提供的所有工具和理论都是为了激发你在键盘上进行更深层次的对话。掌握了这些概念后，真正的学习才刚刚开始——那就是将这些理论融入你的日常演奏、聆听和创造之中，最终形成你独一无二的音乐语言。这本书不是终点，而是通往即兴自由的桥梁。

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这本书的阅读体验，最大的特点是它强烈的“人文关怀”。作者似乎非常理解学习者在面对音乐理论时的那种挫败感，所以他的语言总是充满鼓励和耐心，就像一位良师益友。我注意到，书中在解释一些复杂的节奏型时，会使用很多生活化的比喻，比如将切分音比作走路时偶尔的“绊一下”，但马上就能稳住，这种生动的描述比枯燥的节拍器校准有效得多。另外，对于音频资源的整合，这本书也做得非常到位。它推荐了许多特定的歌曲和演奏家作为范例，并且清晰地指出了在听这些范例时，应该重点关注钢琴部分的哪些细节——是低音的律动？还是高音的“失真”处理？这使得学习不再是孤立地对着键盘练习，而是进入了一个有声的学习环境。通过对比书中的乐谱和实际演奏的录音，我能更深刻地理解那些“表情记号”背后的真实声音形态。总而言之，这本书成功地搭建了一座从“技术掌握”到“情感表达”的桥梁，它让你明白，弹奏蓝调，最终弹奏的是生活本身。

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这本书的封面设计非常抓人眼球，那种复古的蓝色调配上粗犷的字体，一下子就让人联想到密西西比河畔烟雾缭绕的夜晚和一把老旧的钢琴。我是在一个朋友的推荐下买的，他告诉我这本书是“通往蓝调灵魂的钥匙”。拿到书的时候，我首先注意到的是纸张的质感，厚实且略带纹理，翻页时有一种沙沙的摩擦声，这让阅读体验本身就增添了一丝仪式感。书中的排版清晰明了，没有那种令人眼花缭乱的密集文字，图例和乐谱的比例拿捏得恰到好处。虽然我接触钢琴有一段时间了，但对于蓝调音乐的核心律动总感觉隔了一层纱，这本书似乎就是来撕开这层纱的。它没有上来就直接抛出复杂的和弦公式，而是花了很大篇幅去铺陈蓝调的“感觉”——那种源自生活艰辛、带着一丝忧郁又充满生命力的情绪表达。我特别欣赏作者在引言部分对B.B. King和Muddy Waters的描绘，那种文字的力量，仿佛能让你直接听到黑胶唱片吱吱作响的声音。初读下来，我最大的感受是，这不是一本冰冷的技巧手册，而更像是一位经验丰富的老乐手，坐在你身边，慢悠悠地跟你拉家常，告诉你“弹蓝调，首先得学会‘叹气’”。这种叙事方式，极大地降低了初学者的畏惧感，让人觉得蓝调触手可及，只是需要一点点耐心和一颗愿意倾听的心。

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坦白说，市面上关于“流行/爵士钢琴”的书籍浩如烟海，但很多都陷入了“曲高和寡”的境地，要么是理论堆砌，要么是曲谱堆砌。这本书的优势在于它的“实战性”和“可操作性”。它提供的不仅仅是“怎么弹”，更是“为什么这么弹”的文化背景。例如，在介绍“Boogies-Woogie”的时候，它没有止步于那个著名的“八度音连续低音运动”，而是追溯了这种节奏在早期底层舞厅中的起源，让你在弹奏时，仿佛能感受到地板在震动。书中还加入了一些非常实用的“即兴模版”。这些模版不是固定的套路，而是提供了一个“框架”，在这个框架内，你可以自由地填入你自己的旋律片段和装饰音。我试着将书里教的几个模版应用到我日常练习的流行歌曲伴奏中，惊喜地发现，原本平淡的和弦进行，立刻被注入了一种沉稳而略带不羁的蓝调底色。这种融合能力，是这本书给我最大的收获之一。它教你的不是成为另一个谁，而是让你找到自己的“蓝调声音”。

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这本书的结构布局非常巧妙，它不是线性的，而是模块化的，允许不同水平的读者根据自己的需求跳跃式学习。我个人是一个中级玩家，对于基础知识已经掌握，但一直困惑于如何让自己的演奏听起来“地道”。这本书的后半部分，简直就是为我量身定做的“风格进阶指南”。它没有过多讨论古典钢琴的技巧，而是专注于如何将钢琴变成一把“吉他”或者“口琴”。其中有一章专门剖析了“Call and Response”（呼唤与回应）在钢琴上的实现。作者通过乐谱展示了如何在左手保持持续的低音律动时，右手像歌手一样进行短促、富有情感的乐句。我发现，很多时候，蓝调的精髓并不在于你弹了多少音符，而在于你“不弹”的那些沉默。书中对“休止符的重量”的论述，简直是醍醐灌顶。它解释了为什么有些钢琴家弹得少，但听起来就是更“带劲”。此外，关于“踏板的使用”也有独到的见解，它强调在蓝调中，延音踏板不是用来模糊音符的，而是用来“烘托氛围”的，要用得恰到好处，像是在空气中涂抹一层厚厚的雾气，而不是简单的混响。

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我对音乐理论的学习一直很头疼，尤其是涉及到即兴演奏的部分，总觉得是少数天才才能掌握的领域。然而，这本书在解析蓝调和声进行（比如经典的十二小节蓝调）时，采取了一种非常“可视化”的教学方法。他们不是简单地罗列I-IV-V级和弦，而是通过大量的图表和色彩编码，展示了在不同和弦转换时，左手根音的移动轨迹和右手切分音的巧妙运用。我记得有一章专门讲解了“Walking Bass Line”，它没有用晦涩的术语去定义，而是用“模拟脚步声”的方式来解释低音线如何在和弦之间建立起持续的驱动力。我尝试着按照书中的指示，只用两个手指在键盘上模仿那种“一步一顿”的节奏，效果立竿见影，那种原本生硬的伴奏瞬间变得有“摇摆感”（Swing Feel）了。更让我惊喜的是，书中穿插了许多“错误示范”的对比。比如，弹奏蓝调时，如果你把七音弹得太干净，就会失去那种“蓝调性”（Bluesiness）。作者会明确指出，正确的“蓝调音阶”里的那个降三音，应该带有一种“不确定性”的揉捏感，而不是像古典乐那样精准地落在一个音高上。这种对“瑕疵美学”的强调，彻底颠覆了我之前对完美演奏的执念。

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很好的分析了爵士钢琴的调性,弹起来很爽!!

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