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出版者:Farrar Straus & Giroux

作者:Derek Walcott

出品人:

页数:336

译者:

出版时间:1971-1

价格:$ 20.34

装帧:Pap

isbn号码:9780374508609

丛书系列:

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《梦回猴山及其他剧作》之外的剧场世界：一份对现代戏剧多元景观的探索 导言：超越单一视角的剧场回响 戏剧艺术作为人类情感与社会思潮的熔炉，其广度与深度远非任何一部选集所能完全涵盖。当我们的目光从安东尼·温特（Anthony Winter）的《梦回猴山及其他剧作》（Dream on Monkey Mountain and Other Plays）所聚焦的特定文化、历史脉络中抽离出来，我们便能进入一个更为辽阔、多元、充满张力的当代戏剧宇宙。这份详尽的简介将带领读者探索那些未被收录于该选集中的、但对理解二十世纪中后期至二十一世纪初期全球戏剧发展至关重要的作品、流派与议题。我们将聚焦于那些在形式上进行激进实验、在主题上挑战社会禁忌、以及在地域上代表新兴声音的重要剧作。 --- 第一部分：形式的革命——从荒诞到后戏剧剧场 《梦回猴山》虽然可能触及特定地域的民间叙事与心理深度，但现代戏剧的另一条主线则在于对传统“情节”与“人物”概念的颠覆。 1. 荒诞派的持续回响（Post-Waiting for Godot）： 虽然塞缪尔·贝克特（Samuel Beckett）和尤金·尤内斯库（Eugène Ionesco）奠定了荒诞派的基础，但其影响在二十世纪六十年代后并未停滞。我们必须关注那些将“无意义”推向极致的作品，例如哈罗德·品特（Harold Pinter）的“威胁空间”戏剧。品特的作品，如《看守人》（The Caretaker）或《生日派对》（The Birthday Party），通过冗长的沉默、模糊的对白和潜藏的暴力，揭示了日常交流中的结构性失效。这些剧作的核心不在于解决冲突，而在于展示沟通的绝对失败，将观众置于一种持续的不安之中。它们的舞台处理要求演员精确地把握停顿的节奏，这与侧重于口语叙事的剧作形成了鲜明的对比。 2. 极简主义与后戏剧剧场（Postdramatic Theatre）： 二十世纪八十年代以来，汉斯-蒂斯·莱曼（Hans-Thies Lehmann）所阐述的“后戏剧剧场”概念，成为理解当代先锋戏剧的钥匙。这些作品通常不再以叙事为中心，而是强调“情景”（Situation）、“呈现”（Presentation）和“舞台的物质性”。 例如，在一些欧洲的实验剧团作品中（如德国的舍夫勒/希尔姆根的早期作品），对白可能被音乐、灯光设计或身体运动完全取代。舞台上可能只有破碎的图像、重复的动作序列，以及对观众感官的直接刺激。这里的“剧本”更多地是关于舞台元素之间的关系图谱，而非传统的文学文本。观众不再是被动的听众，而是被动地卷入到一个意义生成的过程之中，体验而非理解成为主要任务。 --- 第二部分：社会政治的尖锐批判与身份的重构 除了对形式的探索，现代戏剧的另一大驱动力是其对权力结构、历史创伤以及身份认同的无情审视。 1. 历史的重访与非线性叙事： 与侧重于单一地域神话的戏剧不同，许多当代剧作致力于解构被主流历史叙事所压抑的片段。例如，在探讨后殖民创伤或冷战遗留问题的作品中，剧作家倾向于采用非线性或碎片化的结构。剧作可能在不同时空之间跳跃，将个人记忆与官方历史文件并置，迫使观众主动地去填补历史的空白和矛盾。这种手法挑战了线性时间观，反映了创伤记忆本身的非逻辑性。 2. 酷儿剧场与性别政治的深入： 进入新千年，戏剧对性别、性取向和身体政治的探讨变得更加复杂和具有挑衅性。许多酷儿剧作家（Queer Playwrights）的作品不再仅仅是关于“出柜”或“被接纳”的二元对立，而是深入探讨了性别流动的本体论。 这些剧作常常模糊了男性、女性、中性角色的界限，演员可能在舞台上频繁地进行性别扮演的转换，以此揭示社会对“男性气质”和“女性气质”的刻板建构。舞台设计往往也具有解构性，例如使用高度程式化的服装或暴露机械化的布景，以此批判社会对身体的规范化要求。 3. 纪录剧场与政治的直接干预： 纪录剧场（Verbatim Theatre）的兴盛，尤其在欧洲和英国，标志着一种回归“真实”的努力，尽管这种“真实”也是被精心挑选和编辑的。这类剧作直接取材于法庭记录、采访录音、新闻报道和政治辩论。 例如，关于社会不公、移民危机或战争罪行的纪录剧作，其力量来自于“未经虚构的语言”。舞台上的演员如同新闻播报员，复述他人的痛苦与观点。这种风格的剧作对传统戏剧的“想象力”构成了挑战，它要求剧场承担起一种接近新闻媒体的社会责任，直接介入公共话语空间。 --- 第三部分：全球化语境下的地域声音的崛起 《梦回猴山》可能代表了某一区域的戏剧声音，但在全球化背景下，我们必须关注那些成功地将本土叙事与全球性议题相融合的作品。 1. 亚洲戏剧的“间隙性”书写： 在许多东亚和东南亚的当代戏剧中，存在一种独特的对“间隙”（liminal space）的迷恋。这些剧作常常描绘现代都市的边缘人物、被遗忘的移民或在传统与现代化夹缝中挣扎的个体。他们的语言可能是混合的——夹杂着英语、本土方言和技术术语。舞台布景常使用极简的符号性元素（如一块泥土、一盏孤灯），以此来象征更宏大的环境压力，而非描绘写实的场景。这些作品往往探讨“归属感”的缺失，这与全球资本流动和身份认同的模糊状态紧密相关。 2. 拉丁美洲的魔幻现实主义的戏剧变体： 虽然魔幻现实主义根植于文学，但一些拉丁美洲的剧作家将其引入舞台，但方式比传统文学更为直接和暴力。他们的剧作中，奇特、超自然的事件不再是温和的背景，而是直接的政治隐喻。例如，一个角色的身体可能会发生物理性的腐烂，象征着国家政治的腐败；或者一个超自然的生物闯入日常家庭场景，代表着历史的幽灵。这种戏剧语言的特点是其高度的诗意和不可预测的恐怖感，是对长期政治动荡的一种情感宣泄。 --- 结论：剧场作为持续的质询场域 综上所述，离开《梦回猴山及其他剧作》的特定疆域，我们面对的是一个充满活力、矛盾重重、并且持续进行自我革新的戏剧世界。这个世界不仅有对特定文化故事的讲述，更有对“如何讲述”这一行为本身的深刻质疑。从品特的寂静到后戏剧剧场的感官轰炸，从身份政治的精微解剖到纪录剧场的社会介入，当代戏剧的核心功能在于拒绝提供简单的答案，而是持续地制造必要的、令人不安的质询。它迫使我们直面语言的局限、历史的重负，以及作为现代人类的复杂存在状态。这些未被收录的剧作，共同构成了现代剧场不可或缺的肌理。

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walcott 的语言天赋简直是毋庸置疑的。 他的文字充满了音乐性，即使在阅读剧本时，我也能感受到那种诗歌的韵律和节奏。 尤其是在描写自然景观时，他笔下的海洋、山脉、丛林都活灵活现，仿佛触手可及。 “Dream on Monkey Mountain” 中的那些关于“黑色”和“白色”的辩证思考，以及由此引发的人物内心的分裂，都写得非常深刻。 我觉得 walcott 并没有简单地站在任何一方，而是展现了在一个充满历史伤痕的社会中，人们是如何在身份认同上挣扎的。 这种 nuanced 的处理方式，正是他作品的魅力所在。

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总而言之， "Dream on Monkey Mountain" and Other Plays 是一本值得反复阅读的书。 walcott 的文字是如此优美，他的思想是如此深刻，他的对人类境况的洞察是如此敏锐。 每一部作品都像是一颗珍珠，在不同的光线下折射出不同的色彩。 我觉得 walcott 真正地展现了文学的力量，它能够触及到我们内心最深处的东西，能够帮助我们理解自己，理解他人，理解这个世界。 这是一个关于梦想、关于追求、关于挣扎的故事， walcott 用他非凡的才华，将这些元素编织成了一幅幅令人难忘的戏剧画卷。

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对于那些对戏剧艺术感兴趣的人来说，这本书绝对是必读的。 walcott 的剧本结构严谨，人物塑造立体，主题深刻，而且充满了独特的艺术魅力。 我特别欣赏他在剧本中融入的音乐和舞蹈元素，这使得他的作品不仅具有文学价值，也具备了很强的舞台表现力。 读到那些关于“神”与“人”之间界限模糊的描写时，我感觉自己进入了一个更广阔的哲学思考空间。 这是一个关于信仰、关于救赎、关于人类终极追求的故事， walcott 用他独有的方式，将这些宏大的概念融入到了具体的人物和情节之中。

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我必须承认， walcott 的一些戏剧作品，特别是那些涉及复杂历史背景和文化象征的作品，需要读者具备一定的背景知识才能更好地理解。 但是，即使我可能无法完全捕捉到所有的细微之处，他作品中那种普遍的人性光辉和情感共鸣，依然深深地打动了我。 “Dream on Monkey Mountain” 中的那些关于“非洲”与“欧洲”的纠葛，关于“黑”与“白”的辩论，都让我对人类历史和社会发展有了更深刻的思考。 这是一个关于身份的复杂探索， walcott 鼓励我们去拥抱自己的全部，无论是光荣的还是痛苦的，是内在的还是外在的。

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这本集子里的其他几部作品同样精彩，虽然风格各异，但都围绕着一些核心的主题展开。 "The Sea at Dauphin" 让我看到了渔民们在艰苦生活中的生存智慧和彼此间的羁绊。 walcott 对海洋的描绘，那种既是生命之源又是潜在威胁的力量，真的非常震撼。 我能想象出那些在船上辛勤劳作的人们，他们的汗水，他们的祈祷，他们的每一次出海都是一次冒险。 剧中的对话充满了生活气息，带着浓厚的地域特色，却又能触及到普世的情感，关于家庭、关于命运、关于希望。 让我印象深刻的是， walcott 能够如此细腻地捕捉到人们在面对困境时的坚韧和脆弱，以及他们之间复杂的情感联系。 这种真实感，使得这些戏剧作品超越了单纯的文学作品，它们更像是对某种生活状态的真实写照。

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最让我惊叹的是 walcott 驾驭不同叙事风格的能力。 在 “Dream on Monkey Mountain” 中，他似乎借鉴了史诗的宏大叙事，将个人命运与历史背景紧密结合；而在其他作品中，他又展现出一种更具社会写实主义的笔触。 这种多样性让这本书读起来一点也不枯燥，每次翻开新的剧本，都像是踏入了一个全新的世界。 我特别喜欢 walcott 运用神话和传说来探讨现实问题的方式。 这种手法不仅增加了作品的艺术感染力，也让那些关于身份、关于归属的讨论更加深刻和引人入胜。 那些古老的歌谣，那些对祖先的追忆，都好像一股股暗流，在现代社会背景下涌动，提醒着人们过去的痕迹是多么难以磨灭。

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我之所以如此喜爱 walcott 的作品，很大程度上是因为他能够将沉重的主题处理得如此富有艺术性和感染力。 即使在探讨像殖民主义的创伤、种族歧视这样的敏感话题时，他的笔触也依然保持着一种深刻的洞察力和人道主义关怀。 他并没有将观众置于一个道德审判者的位置，而是邀请我们去理解人物的处境，去感受他们的痛苦和希望。 剧本中的对话，有时候充满了辛辣的讽刺，有时候又充满了深情的告白，这种情感的起伏变化，让我难以忘怀。

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我最近读了 Derek Walcott 的 "Dream on Monkey Mountain" and Other Plays，我得说，这绝对是一次深刻的、令人回味的阅读体验。这本书不仅仅是剧本的集合，它更像是一扇通往加勒比海深层文化、历史和灵魂的窗户。 walcott 的语言极其丰富，充满了诗意和力量，无论是描绘祖母的古老传说，还是那些充满挣扎和希望的现代人物，都刻画得入木三分。 “Dream on Monkey Mountain” 本身就是一个具有象征意义的强大作品，它探讨了身份认同、殖民主义的遗留问题以及个人在历史洪流中的位置。 读到那些关于“猴山”的描绘时，我仿佛能感受到那里的炎热、那里的神秘、那里的纠结。 剧中人物的内心冲突，那种既想摆脱过去的束缚，又被过去的阴影所纠缠的痛苦，让我深受触动。 Walcott 并没有简单地提供答案，而是抛出了更多的问题，让读者自己去思考，去感受。

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对于我来说，阅读 walcott 的戏剧是一种智力上的挑战，也是情感上的洗礼。 他的作品不是那种可以轻松翻阅的书，它们需要你静下心来，去感受字里行间的力量，去理解那些隐喻和象征。 我尤其喜欢他处理冲突的方式，那些人物之间的对话充满了张力，但又不是无谓的争吵，而是源于他们各自的立场、欲望和历史的重负。 这种复杂性使得人物更加真实，也让剧情更加引人入胜。 读完之后，我发现自己对加勒比海地区的文化和社会有了更深的理解， walcott 就像一位引路人，带领我看到了那些隐藏在美丽风景之下的复杂现实。

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我发现自己反复思考 walcott 在剧中所提出的关于“归属感”的问题。 在这个全球化日益加剧的时代，人们似乎越来越需要一个清晰的身份认同，而 walcott 则通过他的作品，展现了这种身份认同是如何被历史、文化、殖民主义等多重因素所塑造和影响的。 “Dream on Monkey Mountain” 尤其让我思考，当一个人的过去和现在、他的内在和外在世界发生冲突时，他将如何找到自己的立足之地。 剧中的角色，他们渴望自由，渴望被承认，但又被过去的阴影所困扰，这种矛盾的心理状态， walcott 描绘得淋漓尽致。

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