Continuo Playing on the Lute, Archlute and Theorbo pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Indiana Univ Pr

作者:North, Nigel

出品人:

页数:320

译者:

出版时间:1987-8

价格:$ 56.44

装帧:HRD

isbn号码:9780253314154

丛书系列:

图书标签:

• Harpsichord
• Lute
• Archlute
• Theorbo
• Continuo
• Baroque Music
• Early Music
• Plucked Strings
• Music Performance
• Historical Performance
• Music History

西方古典音乐的辉煌殿堂：巴洛克时期器乐的深度探究 一部关于十七、十八世纪欧洲宫廷与沙龙中，键盘乐器与早期管弦乐团发展的宏大叙事 本书将带领读者深入十七世纪初期至十八世纪中叶，欧洲音乐史上一个光辉灿烂的时代——巴洛克时期。我们聚焦于这一时期器乐音乐的蓬勃发展，探讨从早期的复调实验到成熟的协奏曲与奏鸣曲体裁的演变历程。这不是一部专注于特定乐器演奏技巧的指南，而是一部对当时音乐语言、结构创新、以及社会文化背景如何塑造器乐作品的深入剖析。 第一部分：声音的诞生与早期实验 (c. 1600 – c. 1650) 本部分追溯巴洛克音乐的起源，重点关注意大利在这一转型期的先驱作用。蒙特威尔第及其同时代作曲家如何从文艺复兴的风格中解脱出来，将情感的表达（Affetti）置于音乐的核心。 一、歌剧的器乐基础与“第二实践”的影响： 尽管歌剧是这一时期的核心，但其对器乐的影响是深远的。我们分析“第二实践”（Seconda Prattica）如何促使器乐作品打破严格的对位规则，追求更直接、戏剧性的效果。卡契尼（Caccini）和早期作曲家对和声色彩的探索，如何为后来的器乐奏鸣曲奠定基础。 二、早期奏鸣曲与组曲的萌芽： 意大利北部的教堂与宫廷，特别是博洛尼亚的圣彼得罗教堂，成为早期室内乐发展的中心。我们详细考察了“奏鸣曲”（Sonata）这一体裁的早期形态——无论是教堂奏鸣曲（Sonata da Chiesa）还是室内奏鸣曲（Sonata da Camera）。这些作品往往采用对位与主调技法并置的结构，为后来的大音乐家们提供了创作蓝图。同时，舞曲（如帕凡舞曲、加拉德舞曲、萨拉班德舞曲）开始被系统地组织起来，形成了早期的器乐组曲（Suite）。 三、早期键盘音乐的地理差异： 此时期，键盘音乐的发展呈现出明显的地域特色。在意大利，布索尼（Giovanni Maria Trabaci）等人的作品展现出对即兴性与和声色彩的关注；而在英国，“英格兰小品”（English Virginal Music）达到了巅峰。威廉·伯德（William Byrd）和约翰·布洛（John Bull）的作品，以其精巧的织体、复杂的假对位以及对颤音、回音等装饰手法的运用，描绘了伊丽莎白宫廷的精致生活。我们深入剖析这些键盘作品中蕴含的象征意义与指法创新。 第二部分：中巴洛克时期的风格成熟与器乐体裁的标准化 (c. 1650 – c. 1700) 随着十七世纪下半叶的到来，欧洲音乐中心逐渐从意大利向法国和德意志地区转移。音乐语言趋于成熟，器乐体裁也开始被确立标准。 一、法国键盘音乐的“光荣与形式”： 法国路易十四宫廷是欧洲文化的中心，这也催生了高度风格化的法国键盘音乐。雅克·吕利（Jean-Baptiste Lully）的歌剧风格深刻影响了室内乐。我们着重分析了弗朗索瓦·库普兰（François Couperin）的键盘组曲，探究其精妙的“格调”（Goûts-Réunis）——将意大利的活力与法国的精致完美结合——以及他对微小“肖像”（Portraits）的描绘，这些作品反映了凡尔赛宫廷的礼仪与审美。 二、协奏曲的诞生与合奏的革新： 协奏曲体裁在意大利得到确立。阿卡迪尔特·科雷利（Arcangelo Corelli）是这一发展的关键人物。他的“大协奏曲”（Concerto Grosso），通过独奏组（Concertino）与全体乐队（Ripieno）之间的对话与抗衡，确立了三乐章结构（快-慢-快）的典范。我们分析科雷利如何通过对位和主题的不断发展，创造出动态的音乐张力。同时，早期协奏曲与歌剧序曲（Overture）的结构关系也得到探讨。 三、德意志地区的早期发展： 在巴赫的祖父辈中，汉堡和德累斯顿等地已成为重要的音乐中心。施佩尔（Matthias Weckmann）等人在对位技巧上继承了早期尼德兰画派的传统，并开始吸收意大利的协奏思想，为巴赫时代的到来打下了坚实的基础。 第三部分：巴洛克晚期的宏伟结构与情感的极致表达 (c. 1700 – c. 1750) 这是器乐发展的鼎盛时期，作曲家们将前期积累的所有技巧——对位、和声色彩、速度对比——熔铸成结构复杂、情感深刻的巨著。 一、协奏曲的“独奏”化与维瓦尔第的贡献： 安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi）将协奏曲推向了一个新的高峰。他确立了三乐章的固定范式，并大量使用“返始”（Ritornello）结构，使乐章的统一性和对比性达到完美平衡。我们详尽分析维瓦尔第如何通过快速的音型、精确的节奏和鲜明的调性对比，创造出极具描绘性的音乐场景，这些技法深刻影响了后来的协奏曲写作，包括巴赫的早期作品。 二、奏鸣曲的成熟与“表达”的深化： 奏鸣曲体裁进一步分化。室内奏鸣曲（Sonata da Camera）逐渐演变为以舞曲为基础的组曲，而教堂奏鸣曲（Sonata da Chiesa）则发展出更具内在逻辑性的非舞曲结构。我们审视了多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的单乐章键盘奏鸣曲，分析其如何利用奇巧的指法、频繁的模进以及突然的和声转调，探索键盘乐器在演奏上的可能性，其作品充满了异域风情与即兴般的活力。 三、德意志复调艺术的巅峰： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）集前人之大成。本部分聚焦于巴赫的纯器乐作品，如《平均律钢琴曲集》（The Well-Tempered Clavier）对十二平均律的系统性实践，以及《赋格的艺术》（The Art of Fugue）对对位法的终极探索。我们分析他的《勃兰登堡协奏曲》（Brandenburg Concertos）如何巧妙地运用器乐组合的多样性，将科雷利的协奏曲理念提升到更高的逻辑与织体密度上。此外，巴赫的组曲（如《英国与法国组曲》）展示了德意志对法国精致风格的吸收与转化。 四、格鲁克与洛可可风格的过渡： 随着巴赫的逝世，音乐开始向洛可可（Rococo）风格过渡。格奥尔格·弗里德里希·亨德尔（G.F. Handel）的器乐作品，尤其是在伦敦发展起来的协奏曲和组曲，体现了更具歌唱性的旋律线条和清晰的结构。他的作品在保留巴洛克结构的同时，预示了向更简洁、更注重清晰度的“前古典”风格的转变。 本书通过对历史文献、乐谱分析以及当时音乐理论的参照，构建了一幅完整的巴洛克器乐图景，旨在理解这些经典作品是如何在特定的社会、技术和艺术背景下被创造出来的。它探讨了音色选择、织体密度、和声进行逻辑以及情感表达的工具，为研究者和爱好者提供了一个全面而深入的视角。

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这本乐谱集，老实说，刚拿到手的时候，我有点拿不准它的分量。毕竟，“Continuo Playing on the Lute, Archlute and Theorbo”这个名字听起来就透着一股子学院派的严谨劲儿，但实践起来往往是另一回事。我花了将近一个月的时间，主要集中在鲁特琴和低音提琴（theorbo）的练习上，体验相当复杂。从技术层面上讲，编排者显然对巴洛克时期的和声语言有着深刻的理解，特别是对“通奏低音”这种看似简单实则变化无穷的演奏技巧的处理，远超一般的教材。比如，书中对于如何处理和弦的“装饰音”（ornamentation）以及不同乐器之间音色平衡的建议，简直是教科书级别的。我特别欣赏它没有直接给出固定的旋律线，而是提供了一套分析框架，让演奏者自己去“发现”和“构建”伴奏织体。这迫使你必须回归到音乐本身，去理解作曲家写下这些数字和音符背后的意图。然而，对于一个中级水平的演奏者来说，这种“放手”式的引导也意味着巨大的挑战。初次尝试时，我感觉自己像是在黑暗中摸索，尤其是在处理速度较快的段落时，手部协调性会受到极大的考验。这不是一本能让你快速入门的书，它更像是一张地图，指引你走向一片广阔而未知的音乐大陆，你得自己准备好工具和勇气去探索。但一旦你适应了它的节奏，你会发现，你对“伴奏”的理解维度被极大地拓宽了。

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我必须承认，我对这种专注于早期乐器演奏法和理论结合的书籍一直抱有期待，而这本《Continuo Playing...》在很大程度上满足了我对深度和广度的要求。它最令人称道的一点是其对“弹性时间”（rubato）在通奏低音语境下的讨论。在现代音乐教育中，节奏的精确性往往被过度强调，但巴洛克音乐的生命力恰恰在于其呼吸感和即兴的微小波动。作者花了大量的篇幅来论述如何通过左手基音的微妙处理和右手和弦的力度变化来创造出自然的歌唱性线条，这对于仅靠阅读数字和弦标记的演奏者来说，简直是醍醐灌顶。我尝试用这种方法重奏了几首亨德尔的室内乐作品，效果立竿见影，原本僵硬的伴奏立刻变得鲜活起来，仿佛乐器本身开始“说话”。不过，书中对理论的探讨有时略显冗长，对于那些更倾向于“边弹边学”的乐手来说，某些章节的学术性可能会让人望而却步。比如，书中关于“和声功能解决”的详尽图表，虽然逻辑严密，但在实际演奏的激情中，很少有人会停下来逐一核对这些理论。总而言之，这是一份为有志于深入研究巴洛克演奏风格的严肃音乐家准备的宝贵资源，但初学者需要有极大的耐心去消化其中的哲学思辨。

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说实话，我购买这本书纯粹是出于对拱形鲁特琴（Archlute）音色的痴迷，想看看专业人士是如何处理这种音域更广、更具穿透力的乐器在通奏低音中的角色的。这本书在这方面的视角相当独特。它没有把拱形鲁特琴简单地视为低音提琴的替代品，而是深入探讨了它在不同“音区”（register）上的优势和限制。书中提出的“音区划分策略”尤其值得称赞，它指导演奏者如何在保持低音声部清晰的同时，利用拱形鲁特琴的高音弦进行微妙的填充和色彩变化。我特别关注了书中关于“双重功能”的论述，即如何在一个演奏中同时承担低音声部和高声部的部分旋律呼应。这要求演奏者对指板的每一个区域都了如指掌，并且对和弦的结构有着近乎直觉的掌握。在练习过程中，我发现自己对指板的熟悉程度提高了不止一个档次，因为你不能再依赖于某些“安全”的把位。唯一的遗憾是，关于更精细的拨弦技巧（plucking technique）的讨论相对较少，更多的是集中在和声布局上。对于那些追求极致音色控制的演奏者而言，这可能需要结合其他资源来补充。但就“宏观架构”而言，这本书无疑提供了一个坚实的框架。

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我对这本乐谱集的评价可以从其“时代性”角度切入。它不仅仅是一堆练习曲的集合，更像是一扇通往十七世纪中后期欧洲音乐沙龙的窗户。作者在编排曲目时，似乎刻意选择了那些在不同地域（意大利、法国、德国）风格交融时期的作品，这使得练习过程本身就是一次跨文化的音乐之旅。我观察到，书中对不同地域的“节奏惯例”（rhythmic conventions）有非常细致的区分，比如法国式的“切分音处理”与意大利式的“清晰律动”之间的微妙差异，这对演奏巴洛克协奏曲的伴奏部分至关重要。这种细腻的地域区分，使得演奏者在面对不同作曲家的作品时，能够迅速找到正确的“情感调色板”。然而，这种广博也带来了一个潜在的问题：对于初学者来说，这种多样性可能会造成“风格上的混乱”。如果缺乏一个坚实的理论基础作为锚点，很容易在不同风格间摇摆不定，无法形成自己稳定的演奏风格。我建议，只有在对某一特定学派（比如意大利早期歌剧伴奏）有了初步掌握之后，再来系统性地研习这本书，才能最大限度地吸收其精华，否则，可能会被知识的海洋淹没。

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从一个纯粹的“使用体验”角度来看，《Continuo Playing on the Lute, Archlute and Theorbo》的设计和排版是值得称赞的，尽管内容本身难度颇高。乐谱的清晰度是专业乐谱的标杆，无论是在低光照环境下的练习，还是在快速翻页的演出准备中，数字和音符的排版都清晰可见，极大地减少了阅读错误的可能性。更重要的是，它所附带的音频资源（尽管我购买的是实体书，但通过配套链接获取的）质量非常高，录音师显然深谙通奏低音的“平衡艺术”，使得低音提琴的低频部分既扎实又不盖过鲁特琴的清晰度。我特别利用这些音频来检验自己独奏练习时的节奏准确性。但这里有一个我个人在使用过程中发现的小细节，可能与某些演奏习惯有关：书中对于特定指板指法的建议略显保守，可能更贴合十九世纪的“复古”演奏习惯，而非现代人受到的古典吉他或现代指法训练。因此，我不得不对部分和弦进行“指法重构”，以适应我更习惯的左手跨度。总的来说，这本书更像是一部珍贵的、经过精心打磨的“工具箱”，而不是一本简单的“食谱”，它提供了构建复杂音乐结构的蓝图和必要的优质材料，但最终的成品如何，完全取决于建造者自己的技艺和创意。

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