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出版者:Mel Bay Pubns

作者:Gangel, William

出品人:

页数:120

译者:

出版时间:2007-6

价格:$ 28.24

装帧:Pap

isbn号码:9780786675982

丛书系列:

图书标签:

• Blues
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蓝调吉他大师的私房秘籍：从指法到灵魂的深度探索 献给所有渴望用六弦琴讲述自己故事的音乐人 这是一本超越技术手册、直抵蓝调音乐内核的深度指南。它不是对任何特定曲集或演奏风格的简单罗列，而是对蓝调音乐精髓——即兴创作、情感表达与历史传承——进行全面、细致的剖析。我们将带领读者踏上一段音乐考古之旅，深入挖掘那些定义了蓝调的经典乐手们是如何将简单的音符转化为震撼人心的听觉体验。 本书的架构围绕着“理解、掌握、创造”三大支柱展开，旨在帮助吉他手们不仅能“弹奏”蓝调，更能“成为”蓝调。 第一部分：蓝调的基因——历史、结构与和声的基石 在深入探讨技巧之前，我们必须建立一个坚实的基础。蓝调并非凭空产生，它是美国南方历史、文化冲突与精神追求的结晶。 1. 蓝调的土壤：历史的烙印与文化的回响 我们将追溯蓝调从西非节奏传统、奴隶劳动歌曲（Field Hollers）、精神赞美诗（Spirituals）到密西西比三角洲（Mississippi Delta）的演变历程。我们不会仅仅罗列时间线，而是探讨这些社会背景如何直接影响了蓝调的音乐特点： 呼应与回应（Call and Response）： 探讨这种源自非洲的对话模式如何在吉他独奏中体现，以及它如何构建了蓝调叙事的张力。 地方流派的细微差别： 区分德州蓝调的干净清晰、芝加哥电声的粗犷有力、以及皮埃蒙特指弹（Piedmont Fingerpicking）的复杂律动，理解每一种地域风格背后的环境因素。 2. 蓝调的骨架：标准十二小节结构的深度解构 十二小节蓝调（12-Bar Blues）是所有蓝调音乐的通用语法，但其魅力在于变化无穷的可能性。 和弦进行的多样性： 详细分析I-IV-V级和弦的各种变化，包括“快慢”变化、替代和弦的运用（如次属七和弦的引入），以及如何利用这些变化来打破传统结构的单调性。 节奏的弹性： 探讨“推”与“拉”（Push and Pull）的节奏感在蓝调中的重要性，以及如何掌握Shuffling节奏、Slow Drag和Straight-eighths之间的切换，使演奏更具呼吸感。 3. 声音的魔法：音阶、调式与情感的映射 蓝调的标志性声音源于其独特的音阶应用。 蓝调音阶的精细运用： 深入研究大调蓝调与小调蓝调的区别，重点讲解“蓝调音符”（Blue Notes）——那些位于小三度、增四度/减五度音高的半音滑音——是如何在特定和弦上产生那种特有的“忧郁”或“紧张”感的。 调式转换的艺术： 探讨如何巧妙地在Dorian调式、Mixolydian调式和自然小调之间切换，以适应和弦进行的变化，避免听起来只是在重复音阶。 第二部分：技巧的精进——触觉的革命与音色的雕琢 本部分将专注于将理论转化为实际的演奏能力，关注如何通过对指板的精细控制来提升表现力。 4. 颤音（Vibrato）的灵魂注入 颤音是区分“弹奏者”与“歌者”的关键所在。 不同流派的颤音哲学： 分析B.B. King那种宽广、歌唱性的颤音，与Albert King那种快速、集中、略带侵略性的颤音之间的差异。 实践方案： 提供针对手腕、手指和手臂不同部位的专项练习，以培养出稳定、可控且适应不同速度和音高的颤音质量。 5. 推弦（Bending）的精准与力度控制 完美的推弦是蓝调独奏的生命线，它模仿了人声的起伏。 半音与全音的校准： 详细指导如何使用耳朵和视觉辅助（如和弦图表）来精确判断推到目标音高，并讨论不同琴弦（高音E弦与B弦）推弦所需的具体力度差异。 推弦的附加技巧： 探讨预推（Pre-bend）、推后释放（Bend and Release）以及推弦结合揉弦（Bending Vibrato）的复杂技巧，增加独奏的戏剧性。 6. 拨片控制与音色塑形 吉他音色不仅仅依赖于拾音器，更取决于演奏者对拨片的掌握。 拨片角度与厚度选择： 探讨使用较厚拨片（如1.0mm以上）演奏蓝调时，如何通过调整拨片角度来实现更饱满、更少摩擦音的音色，特别是在大音量失真下。 击弦（Attack）的动态变化： 练习从极轻柔的拨弦到强力扫弦的瞬间转换，如何在同一段乐句中通过击弦力度的变化来表现情绪的起伏。 第三部分：即兴的自由——叙事结构与情感表达的构建 真正的蓝调独奏是一场精心编排的对话，而不是随机音符的堆砌。 7. 独奏的叙事弧线：从引入到高潮 一个优秀的独奏需要结构和层次感，而非一味地堆砌速度。 “少即是多”的哲学： 强调在关键时刻使用简短、有力的乐句来支撑和弦变化，而非用快速音阶填满每一秒空间。 建立动机（Motif）的发展： 如何选择一个核心的、有感染力的短乐句（Motif），并在独奏中通过节奏变化、音高移动、重复或变奏来发展这个动机，形成一个完整的故事线。 8. 空间与停顿的艺术 蓝调中的“沉默”和音符本身一样重要。 呼吸点的重要性： 分析大师们是如何选择在和弦转换点或句子末尾引入短暂的停顿，为听众提供思考和吸收的空间。 与节奏组的互动： 探讨如何在独奏时倾听贝斯和鼓点的走向，并在适当的时机通过简短的切入或“回应”来加强与伴奏组的连接感。 9. 跨越风格的融合与个人声音的提炼 蓝调的生命力在于其不断吸收新元素的能力。 爵士乐的影响： 学习如何将爵士乐的和声色彩（如九和弦、十一和弦）引入传统的蓝调进行，拓宽独奏的和声视野。 摇滚乐的能量注入： 探讨如何将摇滚乐的音色和更具侵略性的推弦技巧融入传统蓝调框架，创造出更具现代感的表达方式。 自我审视： 最终目标是指导学习者如何从模仿走向创造，通过大量练习和内省，发现并巩固最能代表自己内心世界的指板语言，形成独一无二的“个人签名”。 这本书的目的，是为你提供一套完善的工具箱，让你能从历史的肩膀上站得更高，用你的吉他，唱出只有你才能讲述的，最真实的蓝调故事。

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说实话，这本书的排版和视觉设计，简直就是一场灾难，如果不是冲着内容再硬核的粉丝，我可能早就把它扔到一边了。纸张的质量平平无奇，印刷的清晰度也只能算及格，更别提那些乐谱示例了——它们看起来像是用最老式的点阵打印机打出来的，密密麻麻的五线谱和六线谱挤在一起，没有任何色彩区分或者重点标示，完全没有现代教材那种清晰易读的风格。这使得一些技术难度较高的段落，需要反复阅读和对照，才能确保自己没有在音符上弄错任何一个升降号。我猜想，作者或者出版商是想营造一种“复古”、“未经雕琢”的布鲁斯原味，但对于现代读者来说，这更像是粗暴的阻碍。我花了大量时间，不得不自己动手，用荧光笔在书页上重新勾勒出那些关键的音阶走向和和弦转换点。如果这本书能配上一些高质量的音频链接，或者至少提供一些清晰的图表来辅助说明那些复杂的指板布局，它的实用价值会提升至少一个量级。现在它更像是一个高密度的文本仓库，你需要自己去挖掘和整理出可用的工具，而不是直接拿到一个成品工具箱。

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这本号称“布鲁斯独奏的圣经”的书，从我翻开第一页开始，就让我对它产生了深深的敬意，同时也夹杂着一丝丝的挫败感。它并不是那种手把手教你如何爬上布鲁斯吉他巅峰的速成指南，更像是一位阅历丰厚的布鲁斯大师，在你耳边低语，分享他从泥泞中挣扎出来的感悟。书中的理论部分深入浅出，但绝不肤浅，它没有简单地罗列音阶和和弦进行，而是将布鲁斯音乐的灵魂——那种源自痛苦、渴望和救赎的情感——巧妙地融入到每一个技术讲解之中。比如，它对推弦（Bending）的讲解，不仅仅是告诉你推多少个音程，而是详细分析了不同手指施加力量的角度、速度对音色的“哭泣”程度的影响，甚至用到了文学性的描述，比如“让你的音符像被拉扯的灵魂一样颤抖”。我尤其欣赏它对“空间感”的强调，许多初学者，包括曾经的我，都犯了“弹得太满”的错误，总想用一连串快速的音符来证明自己的技巧。这本书则反复告诫我们，真正的布鲁斯，在于你“不弹奏”的那部分，在于你留给听众想象和呼吸的空白。阅读过程中，我时常需要停下来，拿起我的吉他，尝试去模仿书中所描述的那种“呼吸”，那种感觉非常奇妙，仿佛我不再是在演奏音符，而是在讲述一个故事。它要求读者有极高的耐心和自省能力，因为真正的进步，是从你放下对炫技的迷恋，转而拥抱情感的真实开始的。这本书更像是一面镜子，照出了你内心深处对布鲁斯的热爱程度和理解深度。

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阅读体验上，这本书给我带来的情绪波动是极其剧烈的，它几乎像是一部严肃的文学作品，而不是一本音乐教程。开篇部分，对布鲁斯音乐起源于美国南方奴隶劳动号子的历史背景进行了极其详尽且富有画面感的描绘，那种文字的张力几乎让我能“听”到田间地头的呼喊和远处蒸汽火车发出的呜咽声。然而，这种深沉的情感铺垫，在后面进入到关于“布鲁斯调式与西方古典和声学差异”的章节时，突然变得异常学术化和枯燥。作者似乎在努力地向那些受过古典音乐训练的读者证明布鲁斯音乐的内在逻辑严密性，导致那几章的语言变得冗长且充满了晦涩的术语，读起来需要频繁地查阅音乐词典。对我而言，这就像是跟着一位伟大的故事讲述者，他突然停下来，开始讲解他叙事技巧背后的语法结构，打断了故事本身的流畅性。整体来看，这本书更像是两位作者心血的结晶：一位是满怀激情的布鲁斯诗人，另一位则是严谨但略显刻板的音乐理论家。如何平衡这两者的声音，让读者在情感的深渊和技术的严谨之间自由穿梭，是这本书最大的挑战，也是它留给每一位购买者去完成的“编辑”工作。

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我得说，我期待在这本书里看到更多清晰的、可操作的、针对特定大师风格的“指纹”式分析，但它提供的，却更像是一张宏大的星图。它并没有系统地划分出B.B. King、Albert King或是Stevie Ray Vaughan的标志性乐句集合，而是试图去提炼出贯穿所有伟大布鲁斯演奏者的“共同语法”。这听起来非常高深，但对于那些急切想在下周演出中加入一段“经典Solo”的乐手来说，可能会感到有些抓痒挠不到的感觉。这本书的结构安排略显跳跃，有时会突然从对十二小节布鲁斯结构的情感解读，一头扎进关于“颤音（Vibrato）的频率控制”这种极其精细的技术讨论中，让人在阅读体验上需要不断地调整自己的思维模式。不过，当我静下心来，将它视为一本哲学导论而非技术手册时，它的价值就显现出来了。它迫使你去思考，你弹奏的每一个音符背后的“为什么”。它引用的例子大多是概念性的，而不是直接给出乐谱上的“Do-Re-Mi”，这无疑增加了学习的难度，你需要自己去聆听原作，并将书中的抽象概念投射到你正在听的音乐中去验证。这种主动学习的方式虽然耗时耗力，但一旦理解，那种融会贯通的感觉是任何现成乐谱都无法给予的。它考验的是你的耳朵和你的心，而不是你的手指肌肉记忆。

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这本书最让我感到惊喜的地方，是它对“即兴创作的心理障碍”的剖析。大多数布鲁斯教材都聚焦于“如何弹奏”，这本书却深刻地探讨了“为什么你不敢弹”。作者用非常坦诚的笔触，描述了新手面对听众时的恐惧感，那种害怕跑调、害怕被嘲笑“不够布鲁斯”的心态。它没有用空洞的鼓励来敷衍，而是提供了一种建立“个人布鲁斯语境”的方法论。它建议读者从自己最熟悉、最能引起共鸣的非音乐经历中去寻找灵感——比如童年的记忆、失恋的痛楚，甚至是对某件日常用品的细微观察——然后尝试将这些情感“翻译”成音符和节奏的变化。这种将个人生活经验与音乐技术强行挂钩的训练，确实打开了我的思路。我开始明白，布鲁斯之所以动人，是因为它不是一套通用的公式，而是无数个体化痛苦的集合。这本书教你的不是如何“模仿”一个独奏，而是如何“发明”一个属于你自己的、带着你个人印记的独奏。它鼓励你拥抱不完美，将那些“弹错”的音符视为个性表达的一部分，而不是需要被修正的错误。

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