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出版者:Alfred Pub Co

作者:Fisher, Jody

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:1996-10

价格:$ 12.37

装帧:Pap

isbn号码:9780739026199

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 节奏吉他
• 吉他技巧
• 音乐教学
• 吉他谱
• 和弦
• 音乐理论
• 吉他练习
• 流行音乐
• 摇滚乐

爵士吉他大师之路：和声、即兴与风格解析 一本深入探讨爵士吉他艺术的权威指南，旨在引导吉他学习者从基础和声理论迈向成熟的即兴演奏与风格理解。 导论：构建你的爵士乐基石 本书并非专注于某一种特定的吉他技巧百科全书，而是致力于为严肃的吉他学习者提供一条清晰、系统的爵士乐学习路径。爵士乐的魅力在于其深厚的和声基础与无限的即兴潜力。我们首先将从根本上梳理爵士吉他手必须掌握的乐理知识，确保读者对音阶、调式、和弦的内在逻辑有深刻的认识。 我们将深入剖析大调、小调、布鲁斯音阶的实际应用，并过渡到更为复杂的爵士乐调式，如多利亚（Dorian）、弗里吉亚属调（Phrygian Dominant）和减音阶（Diminished Scale）在爵士语境中的具体功能。理论的掌握并非目的，而是通往自由表达的工具。因此，每一章都将强调理论知识如何直接转化为指板上的实际应用和音乐听感。 第一部分：和弦的色彩与指板的几何学 爵士乐的灵魂在于和声的丰富性。本书将彻底革新你对和弦的看法，不再将它们视为孤立的指型，而是视为功能性的色彩块。 和弦结构深度解析： 我们将详细讲解七和弦（Major 7th, Minor 7th, Dominant 7th）的构成，并着重阐述九和弦（9th）、十一和弦（11th）、十三和弦（13th）——这些是爵士乐色彩的核心。特别关注“扩展音”（Extensions）的添加与替代：9, b9, 11, b13 等，它们如何为和弦增添紧张感和解析力。 功能性和声的实践： 爵士乐的进行往往围绕着 II-V-I 这个核心循环。本书将详细拆解这个进行在大小调中的所有变体（例如，调内 II-V-I，转调的 II-V-I），并引入更复杂的和声替换（如三全音替代 Tritione Substitution）和色彩和弦的使用。你将学习如何识别和弦功能，并根据环境选择最合适的和弦音进行演奏。 指板几何学： 现代爵士吉他演奏要求演奏者能迅速地在指板上定位和弦的任何一个音。我们将教授“和弦音定位法”——一种超越固定指型的思维方式，让你能以多种指型、跨越整个指板来演奏同一个和弦的任何一个音（根音、三音、五音、七音）。我们将系统性地讲解和弦的“四种基本指型”如何在指板上无缝连接，实现流畅的和声伴奏（Comping）。 第二部分：即兴思维的进化——从音阶到动机 即兴演奏并非信手拈来，它是一门建立在结构、记忆和创造力之上的艺术。本部分将指导你如何将和声知识转化为富有音乐性的旋律线条。 音阶到调式的桥梁： 我们将超越基础的五声音阶和布鲁斯音阶，深入探讨如何将特定调式应用到和弦进行中。例如，在 V7 和弦上，你需要熟练地在属七和弦调式（Mixolydian）和属七降九和弦调式（Altered Scale）之间切换。本书提供了大量实用的“和弦-音阶对应图表”和练习范例。 动机发展与乐句构建： 最好的即兴演奏不是随机音符的堆砌，而是动机（Motif）的逻辑发展。我们将剖析大师们的乐句，学习他们如何通过节奏变化、音高移动、音程扩展等方式，将一个简单的音乐想法发展成一段完整的、富有叙事性的独奏。 音符选择的艺术：内声部音与导音： 真正区分“初学者”和“专业演奏者”的关键在于对“和弦内音”（Chord Tones）的强调。本书强调，在即兴时，应将根音、三音、五音和七音作为你旋律线条的锚点，只有在需要增加张力时才使用“经过音”或“色彩音”。我们将教授如何创建基于和弦音的强节奏点，确保你的旋律始终与伴奏和声保持紧密联系。 节奏的精妙处理： 爵士乐的律动（Swing feel）是其生命力所在。本书不仅包含节奏练习，更深入探讨了“切分音”（Syncopation）和“松弛感”（Laying Back/Pushing Ahead）在即兴中的运用。你将学习如何通过细微的节奏变化来塑造乐句的个性。 第三部分：风格的殿堂——向大师学习 爵士吉他风格的演变是一部波澜壮阔的历史。本书不会泛泛而谈，而是聚焦于几个关键的里程碑人物及其独特的贡献。 早期的独奏传统： 聚焦于早期吉他大师如何适应大乐队的音量限制，以及如何发展出清晰、旋律化的独奏风格。我们将分析如蒂·拜斯·伯格（T-Bone Walker）和查理·克里斯蒂安（Charlie Christian）对单音线索的构建方式，这对理解爵士乐的根源至关重要。 中期的和声革命： 深入研究 Wes Montgomery、Joe Pass 和 Jim Hall 等大师如何将吉他从伴奏乐器提升为一流的独奏乐器。 Wes Montgomery 的八度与三度/七度音程线： 我们将详细分解 Wes 标志性的八度演奏技巧，以及他如何使用三度与七度音程组合来为独奏增添厚度和色彩。 Joe Pass 的和弦旋律演奏（Chord Melody）： 分析 Joe Pass 如何将旋律、和声与低音线融为一体，实现真正的“一个人就是一个乐队”的效果。本书提供了分析 Joe Pass 经典曲目的拆解练习。 Jim Hall 的空间感与动态控制： 探讨 Hall 如何通过极简主义的音符选择、对休止符的巧妙运用以及细腻的触弦力度，创造出极具内省气质的音乐。 现代电子音色与融合： 探讨 70 年代以后，电子效果器（如哇音、失真）如何被整合到爵士吉他演奏中，以及 Pat Metheny 等人在音色设计和大型和声结构上的创新。 第四部分：实战演练与录音室准备 理论和技巧的最终检验在于实际应用。 伴奏技巧的精炼： 学习如何在不干扰主旋律的前提下，提供富有动感的和声伴奏（Comping）。我们将探讨“击打感”（Strumming）与“点拨感”（Plucking）的平衡，以及如何根据独奏者的需要调整音量和密度。 标准曲目的深度分析： 本书选取了十首定义爵士乐的核心标准曲目（如 All The Things You Are, Stella by Starlight, Autumn Leaves），并提供详细的和声分析图表、建议的音阶选择路径，以及至少两种不同风格（如 Bop 风格与 Cool Jazz 风格）的即兴示范线条。 听力训练与转录： 强调“用耳朵学习”的重要性。本书提供结构化的听力练习指南，帮助你将听到的内容准确地在指板上找到，并最终实现独立转录的能力，这是成为独立音乐人的必经之路。 总结： 《爵士吉他大师之路》是一本面向未来的教材，它要求学习者投入时间与心力，但回报将是无可估量的——它将使你真正掌握爵士吉他的语言，并拥有创造属于自己独特声音的工具与视野。这不是速成指南，而是通往精通的严谨路线图。

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我必须承认，这本书的难度曲线相当陡峭，但对于那些渴望征服“节奏吉他大师”级别挑战的人来说，这正是它的魅力所在。它毫不避讳地介绍了许多复杂的多重节奏（Polyrhythms）概念，并提供了具体的练习方法来训练左右脑的分工协作，以确保你在演奏三对二或五对四的节奏型时，手指依然能保持清晰和独立性。书中特别提到了一种针对非对称节奏（如7/8拍）的视觉化记忆法，将复杂的节拍划分成更易于理解的“小块”，这对于我处理一些前卫摇滚和爵士融合曲目时，提供了极大的帮助。此外，它还包含了一个非常实用的“自我诊断”章节，列出了一系列测试，用于评估你在精准度、力度控制和即兴反应速度上的短板。它没有提供标准答案，而是引导你去录制自己的演奏，然后对比专业的范例，进行批判性的自我评估。这种以结果为导向、强调自主学习和听觉训练的方法，让我的练习效率得到了几何级的提升。它不负责让你学会弹奏，它只负责告诉你“如何成为一个真正掌握节奏的演奏家”。

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拿到这本厚厚的册子时，我本以为又是一本堆砌了大量五线谱和指板图的老套教材，但实际翻阅下来，惊喜地发现它的视角非常独特，简直像是在解构一门艺术。这本书最让我眼前一亮的是它对“空间感”和“留白”在节奏演奏中的重要性的强调。在很多快节奏的乐曲中，我们往往倾向于填满每一个空隙，但这本书却教会了我如何有意识地“不弹奏”，让音符之间的呼吸感成为旋律的一部分。它详细分析了像布鲁斯、摇滚和拉丁音乐中，如何通过对节奏切分的微妙延迟或提前来创造出不同的“摇摆”（Swing）感觉，这是一种非常精微的控制，需要长期的训练和敏锐的听觉。其中关于“切音”（Muting）技巧的章节尤其精彩，不仅仅是学习如何用手掌抑制琴弦，而是探讨了不同程度的切音如何为整体节奏增加颗粒感和打击乐器的效果。我甚至开始将吉他想象成架子鼓的一部分，而不是单纯的和声乐器。这种深入到声音哲学层面的讨论，让枯燥的练习变得充满了探索的乐趣。对于已经有一定基础，但感觉自己的节奏感停滞不前的资深乐手来说，这本书提供的视角无疑是突破瓶颈的关键钥匙。

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这本书的结构有一种很强的模块化优势，使得我可以根据自己的需求定制学习路径，而不是被固定的课程顺序所束缚。我特别喜欢它为不同乐器组合设计的伴奏模版。例如，它提供了专门针对只有鼓和贝斯陪伴的情况下的节奏吉他编配策略，要求节奏声部必须承担起更多的低频支撑和高频填充任务。反过来，当乐队配置齐全时，它又展示了如何巧妙地“退居二线”，通过微妙的音色变化和稀疏的节奏点来烘托主音或人声。这种对“角色扮演”的深刻理解，是传统教材中极少涉及的。更让我惊叹的是，书中竟然穿插了对一些不那么主流的民间音乐中节奏模式的分析，比如某些非洲鼓点对现代放克节奏的影响，这些跨文化的视角极大地拓宽了我对“节奏”这个概念的边界认知。它不是一本让你学会弹奏某几首歌的速查手册，而是一本重塑你对吉他伴奏艺术看法的工具箱，它教会我的远不止于手指的运动，更是对音乐整体结构的洞察力。

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这本吉他教程简直是我的救星，我一直在寻找一本能够真正深入剖析节奏吉他核心技巧的书籍，市面上那些泛泛而谈的“速成”手册总是让人失望。我最欣赏的是它对和弦理论在实际演奏中的应用进行了细致入微的讲解。它没有仅仅停留在教你“弹哪些和弦”，而是着重于解释“为什么这些和弦在一起听起来会如此和谐”，并且提供了大量的实战案例，比如如何根据歌曲的情绪变化来即兴调整和弦的色彩和力度。特别是关于“律动感”的章节，简直是醍醐灌顶，作者通过对比不同风格（从放克（Funk）的切分到乡村（Country）的推弦律动）的节奏模式，让我明白了为什么有些吉他手弹得“对”，而有些只是“对音符”。书中的图表清晰明了，手把手地指导你如何调整右手拨弦的力度和角度，以达到那种富有弹性和推进力的声音。更不用说它对不同调式在节奏编排中的作用的深入探讨，让我对即兴伴奏有了全新的认识。我过去总觉得节奏吉他手是乐队的“背景”，但读完这本书，我才明白节奏吉他手才是真正的“引擎”，这本书无疑提供了驱动这台引擎所需的全部燃料和蓝图。我强烈推荐给任何想要把自己的节奏感提升到专业水准的乐手，它超越了教科书的范畴，更像是一位经验丰富的老乐手在你身边悉心指导。

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这本书的排版和内容逻辑组织，展现出一种罕见的严谨性，让我感觉自己是在研读一本学术著作，而不是一本乐器指南。它对特定音乐流派中节奏吉他角色的历史演变进行了梳理，这种背景知识的补充，极大地丰富了我对所演奏音乐的理解深度。例如，它对20世纪中叶摩城（Motown）音乐中贝斯与节奏吉他之间那种紧密交织的低频律动进行了详尽的声谱分析，并展示了如何用标准吉他来模拟那种“四分之三拍”的律动错觉。我对其中关于“音色雕塑”的部分印象深刻，作者花了大量篇幅讨论了拾音器选择、音箱预放增益（Pre-amp Gain）的设置，以及效果器链中不同单元（尤其是动态压缩器）如何影响节奏吉他的“敲击感”和持续音的平衡。这远超出了传统教学中“把音量调大点”的肤浅指导。对我而言，这本书的价值在于它将技术、历史和声音工程融合在了一起，形成了一个完整的生态系统。阅读它需要耐心，因为它要求你不仅要动手指，更要动脑子去思考每一个音符出现的“理由”。

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