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出版者:Ashgate Pub Co

作者:Kelly, Barbara L.

出品人:

页数:246

译者:

出版时间:

价格:772.00 元

装帧:HRD

isbn号码:9780754653929

丛书系列:

图书标签:

• 音乐史
• 作曲家
• 贝利欧兹
• 德彪西
• 古典音乐
• 音乐分析
• 法国音乐
• 浪漫主义音乐
• 印象主义音乐
• 音乐理论

音乐的脉动：十九世纪末至二十世纪初欧洲的音乐景观 内容提要： 本书深入剖析了从晚期浪漫主义的宏大叙事过渡到二十世纪初现代主义的先声这一关键历史阶段中，欧洲音乐界的复杂生态与艺术革新。它聚焦于那些在时代洪流中塑造了听觉美学的新兴思潮、技术飞跃与社会背景，而非特定的作曲家传记。我们将探讨瓦格纳主义的余波如何与新兴的民族乐派、印象主义的色彩探索以及调性观念的松动相互作用，共同构建出一个充满张力与创造力的音乐世界。 --- 第一章：浪漫主义的黄昏与技术的觉醒 十九世纪下半叶，欧洲的音乐生活被宏伟的浪漫主义传统所主导，但表象之下的结构正在酝酿着深刻的变化。本章将考察这种变化如何体现在音乐的织体与配器法上。 1.1 德奥传统的继承与异化：后瓦格纳时代的阴影 虽然对特定人物的叙事被规避，但我们必须承认，一股强大的美学潮流——以李斯特和瓦格纳为代表的——对后世产生了不可磨灭的影响。这种影响主要体现在对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，以及和声语言的极端扩张。我们将分析，当这种扩张达到其逻辑终点时，音乐如何开始寻求新的出路。这种出路并非简单地拒绝，而是对其进行精细的解构和重组。重点在于乐思的动机发展、母题的碎片化处理，以及在坚持传统大型体裁（如交响诗和大型歌剧）的框架内，作曲家如何通过更复杂的对位法和非功能性和声来探索张力的极限。例如，对“三全音”和“增三和弦”的频繁且非解决性的使用，如何削弱了传统大小调体系的中心引力。 1.2 乐器学的革命与音色的魔力 技术进步是这一时期音乐变革的隐形推手。我们考察管弦乐队的巨大膨胀——木管组、铜管组的增加，以及打击乐器的多样化和复杂化使用。这种对音色（Timbre）的痴迷，标志着作曲家们开始将音色本身视为与旋律、和声同等重要的表现手段。本章详细分析了新的乐器性能的开发，如更精确的调音技术和新的簧片设计如何使得乐队的音域和动态范围空前扩大。这种对“色彩”的追求，促使作曲家们不再满足于声部功能的传统划分，而是将乐器视为一个巨大的、可塑的“调色板”。特别关注对弱音区的精细控制，这为后来的室内乐和声学实验奠定了基础。 第二章：民族主义的勃兴与对“中心”的挑战 十九世纪中叶，欧洲音乐被认为是德奥体系的天下。然而，民族主义的兴起，尤其是在东欧和北欧，为音乐界带来了新鲜的血液和不同的声音逻辑。 2.1 斯拉夫的土地与节奏的活力 本章将聚焦于那些植根于本土民间音乐和史诗传统的创作群体。他们拒绝纯粹的学院派和声语法，转而从本民族的歌谣、舞蹈节奏和传说中汲取灵感。这种对“非西方化”音乐材料的运用，极大地丰富了和声语汇。例如，某些斯拉夫地区特有的五声音阶（Pentatonic Scale）或古老的教会调式被融入到管弦乐结构中，产生了与德奥传统截然不同的听觉体验。我们将分析这种“借用”如何不仅仅是简单的旋律引用，而是对音乐结构和节奏模式的深层渗透，创造出一种既现代又深植于历史根源的音乐语言。 2.2 北方冰雪的声响与对内省的追求 与东欧的强劲节奏感形成对比，北欧的一些作曲家更倾向于探索一种内省、空灵的音景。他们的作品常常带有对自然景观的描绘倾向，这种描绘不是宏大的浪漫主义式颂歌，而是更接近于一种心理状态的投射。在和声上，他们往往倾向于使用更稀疏的织体和更慢的节奏，这使得和弦的色彩感得以充分展现，同时避免了中欧对密集和声的依赖。这种对“空间”和“寂静”的重视，是抵抗当时音乐界过度饱和的戏剧性的重要力量。 第三章：印象主义的美学转向与感官的解放 进入二十世纪的门槛，一种新的美学思潮在法国兴起，它将音乐的焦点从“结构逻辑”转向了“瞬间的感知”。 3.1 瞬间的捕捉与非线性的时间感 印象主义的音乐美学，并非简单地模仿视觉艺术，而是在听觉上追求一种“朦胧感”和“不确定性”。本章探讨了如何通过特定的技法来达到这种效果。重点在于对传统乐句划分的打破。作曲家们倾向于使用模态和声（Modal Harmony），模糊调性中心。和弦不再作为功能链条中的一个环节，而是被视为一个独立存在的、具有特定音色价值的实体。我们分析了如何通过平行和弦的运用，以及对传统终止式的回避，来创造出一种“悬浮”的时间感，让听众沉浸于音色的流淌之中，而非被引导至既定的终点。 3.2 亚洲音乐的微妙影响与调性的边缘 在全球化的早期阶段，异域文化的接触对西方音乐产生了微妙的激发作用。本章关注特定非西方音乐元素（如异域音阶或对位处理的差异）如何被吸收到西方作曲家的调色板中。这些元素并非作为异国情调的点缀，而是被用来挑战欧洲音乐中根深蒂固的半音阶体系。通过引入如全音阶（Whole-tone scale）等结构，作曲家们有效地消除了传统和声中的导音（Leading Tone）效应，从而实现了调性中心的高度模糊化，这是迈向完全自由的无调性领域前的关键一步。 第四章：室内乐的复兴与形式的重塑 在交响乐团日益庞大的背景下，室内乐以其精炼和清晰的特性，成为探索新观念的理想场所。 4.1 组合的亲密性与声部对话的重建 室内乐要求极高的透明度，这迫使作曲家们放弃了过度饱满的配器，转而关注每个声部清晰独立的贡献。本章考察了在新的和声语言下，室内乐的对位法如何被重新定义。不再是传统赋格或卡农式的严格遵循，而是更自由的、个性化的声部交织。这种对声部独立性的强调，使得乐曲的结构不再依赖于宏大的结构展开，而是依赖于声部间细微的音色对比和动机的巧妙布局。特别分析了传统奏鸣曲式的某些元素（如呈示部、再现部）如何在不使用传统调性冲突的前提下，通过节奏或织体的变化而被重新赋予意义。 4.2 声音的“非音乐性”探索 除了传统乐器外，这一时期的室内乐实验也开始触及到声音的边缘地带。这包括对乐器演奏法（Extended Techniques）的早期探索——例如，如何通过特定的弓法或气流来发出非传统音高或噪音成分。这些探索的目的是为了扩大音响的可能性，挑战听众对“美”的传统定义，将音乐的边界推向更广阔的听觉体验领域，为未来纯粹的噪音音乐提供了最初的理念萌芽。 --- 结语：通往未来的多重路径 本书描绘的并非一条单一的音乐发展轨迹，而是十九世纪末至二十世纪初欧洲音乐界在面对传统瓦解和新观念涌现时所展现出的多元反应。从对浪漫主义的精细打磨，到对民族根源的回归，再到对瞬间感知的追求，这些看似分散的努力，共同构成了一张复杂的网络，为二十世纪音乐的全面爆发奠定了不可或缺的审美与技术基础。这些在和声、织体、配器和形式上所做的审慎而大胆的实验，预示着一个充满可能性的全新音乐时代的到来。

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这本书的格局非常大，它不满足于仅仅讲述两位音乐家的生平轶事，而是将他们的创作放置在了整个欧洲文化转型的宏大背景下去考察。我非常欣赏作者对于“技艺与灵感”关系的处理。他没有将柏辽兹描绘成一个只凭天赋横冲直撞的莽夫，也没有将德彪西塑造成一个高高在上的学院派大师，而是展现了他们各自在面对音乐语言的极限时，所付出的艰苦卓绝的“手艺人”般的努力。书中关于19世纪中后期乐谱出版业和乐评生态的描述也十分到位，让我们了解到，伟大作品的诞生，离不开一个特定的社会土壤。这本书的语言风格非常典雅，行文流畅自然，即便是处理那些涉及到复杂的音乐结构分析时，也总能找到一个巧妙的比喻来协助读者理解。读完后，我感觉对“音乐史”的认识不再是点状的知识积累，而变成了一张相互连接的、充满张力的网络图谱。

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我很少看到一本书能将“主观感受”和“客观分析”平衡得如此精妙。这位作者的文笔带着一种近乎诗意的散文腔调，描述音乐场景时，简直能让人嗅到那个时代巴黎沙龙里的香水味，听到剧院里厚重的帷幕声。但这种浪漫的叙事之下，是扎实的音乐史功底做支撑。例如，书中详细描述了当时乐团规模的演变，以及新技术（如新的铜管乐器改进）如何反过来影响了作曲家的配器思维。它并没有停留在“柏辽兹很激情，德彪西很朦胧”的肤浅标签上，而是深入挖掘了是什么样的社会结构、哲学思潮，乃至个人身体状况，塑造了他们独特的音乐语言。我尤其欣赏作者对“创新”这一概念的解读：创新并非凭空出现，而是对既有体系的激烈重构与颠覆。这本书就像一把精密的解剖刀，切开了音乐史上的关键节点，让我们看到了伟大是如何诞生的。

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这本书给我的感觉，与其说是“读完”，不如说是“经历了一场漫长的浸泡”。它不是那种能让你一口气读完的畅销书，它更像一本需要放在手边、时不时停下来深思的书。作者的叙述节奏控制得非常好，在描绘宏大的历史背景时，笔力遒劲有力；而在聚焦到某一个音符、某一处和弦进行时，则变得极其内敛和审慎。我特别关注书中关于“听觉经验”的部分，作者提出了一个大胆的观点，即德彪西的工作更接近于一种“视觉音乐化”，而柏辽兹则是一种“文学音乐化”。这种抽象的对比，迫使我重新审视自己以往的听歌习惯。阅读过程中，我发现自己频繁地去查阅、重听那些被提及的曲目片段，每一次重听都有了新的发现，这正是一本优秀音乐评论的功力所在——它激发了你的主动探索欲，而不是提供一个封闭的结论。

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坦白说，我带着相当高的期待翻开这本书，但阅读过程却充满了惊喜和偶尔的挫败感——惊喜在于作者对细节的考究近乎偏执，挫败感则源于某些段落的密度过高，需要反复咀嚼才能消化其中的深意。它更像是一份为资深音乐爱好者准备的深度报告，而不是轻松的阅读材料。比如，作者在分析某一首早期作品时，会不厌其烦地追溯到作曲家童年时期接触到的民间旋律，这种追根溯源的方式极大地丰富了我们理解作品的维度。我特别喜欢其中关于“情绪的物质化”这一章节的论述，它探讨了艺术家如何将那些难以名状的内心波动，转化为具体的乐器组合和节奏型。全书的结构安排也颇具匠心，时空交错中，两位作曲家的艺术生命线被巧妙地编织在一起，形成了一种跨越时代的对话感。我必须承认，这本书需要读者投入大量时间与精力，但回报是丰厚的，它极大地提升了我对浪漫主义晚期及世纪之交音乐思潮的理解深度。

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这部作品简直是一场听觉的盛宴，作者的笔触细腻而富有洞察力，将那个时代两位音乐巨匠的精神世界剖析得淋漓尽致。我尤其欣赏他对音乐理论的阐述，并非那种枯燥的学术堆砌，而是将复杂的和声进行和配器技巧，融入到对作曲家个人心境和时代背景的解读之中。读到关于德彪西如何运用色彩和光影来构建音响画面时，我仿佛真的能“看”到蒙太奇般流动的音符，那种印象派特有的朦胧美感被文字捕捉得丝丝入扣。相比之下，对柏辽兹那种近乎狂热的浪漫主义激情，作者也把握得恰如其分，那种挑战传统、渴望在音乐中抒发全部生命力的冲动，透过文字直击人心。这本书的价值在于，它不仅仅是传记，更像是一部音乐美学史的缩影，让即便是对古典音乐了解不深的读者，也能通过作者的引导，进入一个充满创造力和情感张力的艺术殿堂。书中对两代音乐家创作思想的对比和映照，更是令人拍案叫绝，展现了艺术传承与革新之间的微妙张力。

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