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出版者:Hal Leonard

作者:Dan Maske

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:2007-5-1

价格:USD 17.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781423409212

丛书系列:

图书标签:

• Progressive Rock
• Keyboard
• Music
• Instrumentation
• Technique
• Improvisation
• Arranging
• Composition
• Theory
• Genre Study

键盘演奏的无限疆界：从古典根源到现代前沿 本书深入探索键盘乐器在音乐发展历程中的核心地位及其演变轨迹，聚焦于钢琴、管风琴、哈普西科德以及现代合成器等多样化乐器，如何塑造了从巴洛克时期到当代音乐的独特声景。它并非专注于某一特定流派，而是旨在为所有对键盘音乐怀有热忱的演奏者、学习者和历史爱好者提供一个全面且深入的视角。 第一部分：古典时代的基石与管风琴的辉煌 本部分首先追溯键盘乐器的起源，从早期的羽管键乐器（如击弦古钢琴和哈普西科德）在文艺复兴晚期和巴洛克早期的兴起开始。我们将详细剖析巴赫、亨德尔等巨匠如何将复调音乐的复杂性推向顶峰，特别是在赋格、组曲和奏鸣曲等体裁中，键盘扮演的关键角色。 哈普西科德的音色哲学： 探讨机械结构如何决定其明亮、清晰的音质，以及它在巴洛克协奏曲和室内乐中的地位。我们分析特定作品（如巴赫的《平均律钢琴曲集》的早期演绎）中对音色和触键的细微要求。 管风琴的建筑学与神圣之声： 深入研究管风琴作为“乐器之王”的地位。从密集的音栓选择、踏板技巧的训练，到在教堂和音乐厅环境中对声学空间的适应性，本章详细阐述了如何驾驭这种庞大复杂的乐器。重点关注其在德奥地区宗教音乐传统中的不可替代性。 早期钢琴的转型： 随着18世纪中后期，福特（Silbermann）和布罗德伍德（Broadwood）等人的改进，钢琴（Pianoforte）开始取代哈普西科德。我们研究了这种从拨弦到击弦机制的转变对音乐表现力带来的巨大影响，为古典主义晚期和浪漫主义的抒情表达铺平了道路。 第二部分：浪漫主义的激情与技巧的革新 进入19世纪，键盘音乐进入了个人情感表达和炫技的黄金时代。本部分侧重于钢琴家作为作曲家和诠释者的双重角色，以及技术难度的飞跃。 肖邦与李斯特的遗产： 探讨了两位巨匠如何将钢琴的潜能挖掘到极限。肖邦对踏板的精妙运用和对波兰民族舞曲的精致化，以及李斯特对“超级演奏家”概念的塑造，包括其在演奏会曲目中对速度、力度和音域的极限挑战。 踏板的艺术与声响的融合： 深入研究了在浪漫主义时期，延音踏板如何从一个简单的音符延长工具，演变为构建和声色彩和模糊声响界限的关键技术。分析了舒曼、勃拉姆斯等作曲家对踏板指示的细微差别。 室内乐中的钢琴角色： 考察钢琴在与弦乐、木管乐器合作时，如何平衡其强大的表现力，在奏鸣曲、三重奏和五重奏中实现与其他乐器的对话与融合，而非一味占据主导地位。 第三部分：20世纪的实验与声音的解构 20世纪的音乐思潮对键盘乐器提出了全新的挑战和机遇。本部分将目光投向打破传统调性结构、探索非传统演奏技巧以及电子音乐的萌芽。 印象主义与色彩的探索： 德彪西和拉威尔如何利用钢琴的低音区和高音区的特定音色，结合复杂的和声模糊手法，描绘光影和水波。本章侧重于如何通过触键的轻重缓急来模仿管弦乐团的效果。 二十世纪的现代主义： 考察巴托克、斯特拉文斯基以及勋伯格等作曲家如何运用不和谐音、复调的复杂交织和对节奏的严格控制，重新定义钢琴的表达语汇。重点分析了对传统钢琴技巧的解构与重组。 前卫的拓展与非常规技巧： 探讨了要求演奏者在键盘内部、琴弦上直接操作，或使用物件敲击琴弦等非常规演奏技法，这些技术如何拓展了键盘乐器的声学可能性，并向听众提出了对“什么是钢琴”的重新思考。 第四部分：合成器与电子键盘的崛起 随着电子技术的发展，键盘乐器不再局限于机械发声。本部分关注电子合成技术如何为键盘音乐注入了前所未有的合成音色和无限的编排潜力。 模拟合成器的黄金时代： 追溯Moog、Buchla等早期模块化合成器的发展历程。分析这些乐器如何通过振荡器、滤波器和包络发生器等模块，创造出全新的、非传统的音色，并影响了电影配乐和实验音乐。 数字技术与采样： 探讨FM合成、波表合成以及数字采样技术（如Fairlight CMI和Synclavier）如何使得键盘演奏者能够精确复制乃至超越真实乐器的音色，并引入了复杂的序列编程和音色设计。 键盘在电子音乐中的角色： 考察电子键盘（包括 MIDI 控制器和数字工作站）如何成为当代音乐制作的核心工具，以及演奏者如何将即兴演奏的自由与数字编程的精确性相结合，创造出复杂的音景。 结论：跨越流派的键盘精神 本书的最终目的，是强调无论是在巴赫的严谨复调中，还是在现代电子音乐的迷幻音景中，键盘乐器始终是音乐家探索和表达自身思想的强大媒介。它鼓励读者将历史知识作为基础，勇敢地跨越流派界限，探索属于自己的键盘演奏语言。

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我必须承认，这本书的某些章节，尤其是涉及到早期电子合成器工作原理和信号路径分析的部分，稍微偏向了技术手册的风格，这对于那些只追求宏观音乐体验的听众来说，可能会显得有些密集和晦涩。但是，正是这份对细节近乎偏执的追究，才使得整部作品的基石无比坚固。作者没有将乐器视为简单的音色发生器，而是将其视为某种思想的延伸和哲学的载体。书中对某些特定电子音色是如何通过特定的滤波和调制技术被创造出来，并最终成为某个标志性作品的“声音签名”的描述，令人拍案叫绝。它揭示了技术限制如何催生出创新的美学取向。这本书的价值在于，它强迫你用一种更具批判性和好奇心的耳朵去重新审视那些经典的录音作品，你会开始注意那些在混音中被微妙地放置在背景深处的纹理和音垫，意识到它们是如何在潜移默化中烘托出整体氛围的。这无疑是一次对声音细节的深度考古。

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坦率地说，我一开始对这本深入探讨“渐进式摇滚”的作品抱有怀疑态度，因为这个题材常常被处理得过于学院派或流于表面赞颂。然而，作者的叙事方式彻底打破了我的预设。这本书的笔触极其细腻，它聚焦于那些常常被主流叙事忽略的音乐家个体，比如那些默默无闻但对乐器技术做出革命性贡献的幕后推手。它没有沉溺于对吉他独奏的狂热赞美，而是将焦点精确地投向了那些推动和声语言、节奏结构乃至乐器配置发生质变的键盘演奏家们。书中对和弦进行复杂化、复调织体应用以及跨世纪音乐语言融合的分析，清晰地展示了这些音乐家是如何将音乐理论的严谨性与摇滚乐的原始能量相结合的。阅读过程中，我感觉自己仿佛置身于一个充满精密齿轮和复杂线路的音乐工坊，见证着一件件声音雕塑是如何被精心打磨出来的。这种对技术层面和艺术意图的同步解析，使得这本书的深度远超一般的音乐史读物，它更像是一部关于创造性工程学的案例分析。

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这本关于二十世纪下半叶先锋派音乐运动的权威著作，以其对“前卫摇滚”这一迷人乐派的深入剖析，为我们揭开了一个时代的艺术野心与技术革新。作者没有停留在对乐队名录的简单堆砌，而是巧妙地编织了一幅关于音乐哲学、技术瓶颈与文化反思的宏大图景。书中对于早期概念专辑结构复杂性的讨论，简直是一场智力上的探险。它详尽考察了如何将古典主义的宏大叙事融入到电声乐器的音色探索中，特别是对键盘乐器在塑造这种复杂音景中的核心地位进行了细致入微的阐述，分析了从管风琴模拟到合成器音色设计的演变轨迹。我印象最深的是关于早期录音技术限制与艺术家追求的张力，那种在有限设备上实现无限创意的挣扎与辉煌，通过文字生动地再现了。这本书的价值在于，它不仅仅是在回顾历史，更是在解析一种美学体系是如何在七十年代那个充满实验精神的土壤中萌芽、生长并最终结出硕果的。对于任何想要理解摇滚乐如何突破其自身框架，触及艺术殿堂的严肃乐迷来说，这是不可或缺的指南。

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与其说这是一本关于某个特定摇滚子类型的历史书，不如说它是一部关于“艺术性自觉”的文化人类学研究。作者巧妙地将音乐的演变置于更广阔的社会文化背景之下进行考察，探讨了为什么在那个特定的历史节点，会有如此多的音乐家集体涌向这种复杂、反商业化且需要高度技巧投入的音乐形式。书中对七十年代初英国社会对工业化成果的反思，以及对大众文化消费主义的反叛情绪，如何投射到冗长、碎片化且充满象征意义的音乐作品中，分析得入木三分。这种对作品背后“时代精神”的捕捉，使得这本书的阅读体验超越了纯粹的音乐欣赏范畴，上升到了对当代文化心理的深刻理解层面。它展现了音乐是如何成为抵御平庸、追求超越的有力武器。每读完一个章节，我都会忍不住想去重温那些被剖析的作品，带着一种全新的、被启迪的视角去聆听，这才是优秀音乐评论的终极意义所在。

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这本书的篇幅虽然可观，但其阅读体验却出乎意料地流畅，这得益于作者高超的组织能力和对读者预期的精准把握。它成功地避开了将音乐史写成枯燥时间线的陷阱，而是采用了主题驱动的叙事结构。例如，书中对“叙事性音乐”的章节处理得尤为精彩，它不仅分析了歌词的主题深度，更重要的是，它解构了音乐结构本身是如何服务于叙事节奏和情感渲染的。这种解构工作要求作者具备极高的音乐分析能力，并且能够用非专业人士也能理解的语言进行阐释，这一点该书做得相当出色。阅读过程中，许多我过去仅凭直觉感受到的音乐张力点，在书中的逻辑梳理下豁然开朗，原来那些看似随意的停顿和转调，背后都有着精密的艺术考量。对于那些试图模仿或超越这个流派的现代音乐人而言，这本书无疑是一本关于“如何构建复杂音乐体验”的绝佳教材，它教会你如何思考，而不仅仅是如何演奏。

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