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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Minchin, James, III 摄

出品人:

页数:71

译者:

出版时间:

价格:$ 19.15

装帧:Pap

isbn号码:9781575608365

丛书系列:

图书标签:

• 摇滚
• 布鲁斯
• 经典
• Joe Cocker
• 音乐
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• 英国音乐
• 演唱会
• 翻唱

《昨日重现：爵士乐黄金时代的辉煌与沉寂》 一份关于二战后北美爵士乐从崛起至巅峰，再到风格转型的深度考察。 本书深入剖析了自 1940 年代中叶至 1960 年代末期，北美大陆爵士乐音乐生态的剧烈变革。我们不再关注单一艺人的传记式叙事，而是将视角聚焦于作为一种文化现象和艺术流派的爵士乐，如何在美国社会熔炉中淬炼、进化，并最终影响了全球范围内的音乐审美。 第一部分：咆勃的黎明与节奏的革命（1945–1955） 二战的结束并未带来和平的沉寂，反而催生了音乐上更具爆发力的表达需求。在纽约哈莱姆区的夜总会深处，一代音乐家开始厌倦摇摆乐（Swing）的既定结构和商业化倾向。咆勃（Bebop）的诞生，并非仅仅是一种音乐风格的更迭，而是一场激进的艺术宣言。 本书的第一部分细致描绘了这一“革命”的土壤。我们探讨了查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）如何联手，将和声复杂性提升到了前所未有的高度。他们颠覆了传统的旋律线条，以极快的演奏速度、不规则的乐句切分以及复杂的和弦替代（Chord Substitution），迫使听众和演奏者都需要更深层次的智力投入。我们对比分析了早期的咆勃录音，如“Ko-Ko”和“Salt Peanuts”的原始能量，并探究了这些音乐家是如何在贫困和毒瘾的阴影下，依然保持着对音乐纯粹性的执着追求。 此外，本章还关注了咆勃向更具旋律性的酷派爵士（Cool Jazz）过渡的早期迹象。以迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）在 1949 年与吉尔·埃文斯（Gil Evans）合作的《Birth of the Cool》项目为例，我们分析了如何通过柔和的音色、精密的室内乐编排，以及对欧洲古典音乐结构的学习，为日后爵士乐的多元化发展奠定了基础。这种对“冷静”的追求，是对咆勃高热度的一种直接反动。 第二部分：中西部的坚实根基与西海岸的精致化 爵士乐的版图并非仅限于纽约。本书的第二部分将目光投向了中西部，尤其是芝加哥和底特律，这些城市在维护传统蓝调根基的同时，也孕育了新的声音。 硬波普（Hard Bop）的兴起被视为对酷派爵士“过于疏离”的一种回应。我们详细考察了亚特·布雷基与爵士信使（Art Blakey and the Jazz Messengers）如何将福音音乐（Gospel）和节奏布鲁斯（R&B）的元素重新引入爵士乐，创造出更具律动感和情感冲击力的音乐。这支乐队成为了无数后世音乐家的摇篮，其教育意义和音乐影响力不容小觑。 与此同时，在加利福尼亚，西海岸爵士乐形成了一种独特的“精致”美学。它受到欧洲古典音乐，特别是印象派的影响，强调清晰的对位、优美的音景和室内乐般的质感。书中专门辟出章节讨论了杰瑞·穆里根（Gerry Mulligan）和切特·贝克（Chet Baker）的四重奏，他们如何用“没有钢琴”的奇特编制，营造出一种开放、透明且极具个人情感色彩的声音空间。这种声音与东海岸的激烈碰撞形成了鲜明的对比，展现了美国文化地域性的多样性。 第三部分：莫道音符皆可循——调式爵士的诞生与探索 进入 1950 年代末期，一些富有远见的音乐家开始质疑传统爵士乐建立在复杂和弦进行之上的限制。迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的《Kind of Blue》（1959）标志着音乐史上一个重要的分水岭——调式爵士（Modal Jazz）的全面确立。 本章将详细解析调式爵士的理论核心：从基于“和弦变化速度”（Chord Changes）转向基于“音阶或调式”（Modes）的即兴创作。我们分析了约翰·柯川（John Coltrane）在“So What”和“Impressions”中的旋律构建方式，探讨了这种转变如何赋予了演奏者前所未有的自由度，使得音乐的重心从和声的逻辑推演转向了音色、氛围和持续情绪的探索。这种对“空间”的利用，深刻地影响了后来的环境音乐和极简主义艺术。 第四部分：自由的边界与前卫的冲击（1960s） 1960 年代是社会动荡与艺术解放的十年。爵士乐也毫不例外地冲破了所有既有的结构束缚，进入了自由爵士（Free Jazz）的激进阶段。 本书对这一阶段的描述充满了张力。奥奈特·科尔曼（Ornette Coleman）和他的“形态音乐”（Harmolodics）理论，试图彻底抛弃预设的调性和节奏框架，使音乐回归到纯粹的即兴互动。我们探讨了“自由”的代价：一方面是前所未有的创造力，另一方面是与主流听众的巨大鸿沟。 特别地，书中深入分析了约翰·柯川后期作品（如《Ascension》）中那种近乎宗教狂热的演奏状态，以及对非洲、印度音乐元素的采纳。自由爵士不仅仅是一种音乐，它成为了民权运动和反文化思潮的听觉载体，代表着对既有体制最彻底的拒绝。我们也将审视这种音乐的局限性，以及它如何在 1970 年代初逐渐被融合爵士（Fusion）的电流所吸收和重新定义。 结语：遗产的沉淀 在全书的最后，我们回溯了这二十年的飞速发展。爵士乐从夜总会中的娱乐形式，蜕变成一种高度复杂的、具有哲学深度的艺术门类。它教会了后来的摇滚乐、嘻哈音乐如何进行采样和即兴对话，它对和声的探索为流行音乐的复杂化铺平了道路。本书旨在为读者提供一个清晰的脉络，理解这些黄金时代的巨匠们，如何在短短二十年间，完成了对音乐表达边界的极限拓宽。这不是一份关于个人传记的汇编，而是一部关于一种艺术形式如何通过集体智慧和个体重塑，达到顶峰并影响深远的社会文化史。

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我必须得说，《未竟的交响诗》这本书，它的叙事结构简直是反主流到让人拍案叫绝。作者似乎完全抛弃了传统小说的时间线性叙事法则，而是采用了一种碎片化、多重视角的拼贴手法，读起来就像是在一个巨大的、充满秘密的迷宫里探险。故事的主线——那个失踪的制表师——始终隐藏在迷雾之中，你每当你以为抓住了什么线索，它又像水中的月亮一样破碎了。这种处理方式极其考验读者的耐心和理解力，但一旦你适应了它的节奏，那种沉浸感是无与伦比的。比如，其中有一段描述主角在雨夜里穿过一个废弃的植物园，那段文字的意象密度高到令人窒息：潮湿的苔藓、腐烂的珍稀花卉、以及那些仿佛在窃笑着的雕塑，每一个意象都被赋予了象征意义，让人不得不停下来反复咀嚼。更绝的是，作者在描述哲学思辨时，那种冷峻的笔触，完全没有矫揉造作的学者腔，而是带着一种近乎残酷的洞察力。这本书更像是一场智力上的马拉松，而不是轻松的散步，读完后，你感觉大脑的某些部分被重新接驳和格式化了。

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《银河系边缘的园丁手册》这本书，我得说，它的科幻设定野心勃勃，但执行上却显得有些力不从心，尤其是在技术细节的铺陈上。作者似乎更热衷于描绘宏大的宇宙图景和那些光怪陆离的异星文明的社会结构，比如那个以情绪波动为货币的纳克提斯帝国，这个概念本身是极具创意的。然而，当涉及到飞船的驱动原理，或者星际航行中的物理学限制时，描述就变得异常含糊不清，大量使用诸如“超光速波动场”这类模糊的术语，而缺乏令人信服的内部逻辑支撑。读者，尤其是那些对硬科幻有一定偏好的群体，会期待一种更扎实的“设定硬度”。例如，书中主角为了修复一个古老的空间站，只是简单地“调整了核心谐振器”，然后一切就恢复正常了，这个过程的描写显得过于草率，完全没有解决问题的艰辛感和技术复杂性。虽然故事的内核——关于人类在宇宙中定位自身价值的主题——是深刻的，但支撑这个内核的“科学骨架”却显得过于单薄，像是一件华丽的袍子，但里面却空空如也，给人一种悬浮感。

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这本书，《都市迷雾中的寻踪者》，开篇的气氛渲染能力堪称一流，那种潮湿、压抑、永远见不到太阳的赛博朋克都市氛围，几乎要从纸页里渗透出来。叙事视角采用了第一人称，主角是一个专门处理“记忆碎片”的私人侦探，他行走在霓虹灯故障、全息广告牌闪烁不停的底层街区，那种孤独感和疏离感是贯穿始终的情绪基调。然而，随着故事的深入，尤其是当情节发展到追查一个涉及大型跨国生物科技公司的阴谋时，叙事的清晰度开始急剧下降。作者似乎陷入了自己构建的复杂网络中，植入了太多身份不明的线人、难以追踪的加密通讯和多重反转，使得读者很难跟上逻辑链条。我不得不频繁地回顾前面的章节，试图梳理清楚谁背叛了谁，谁又是谁的假身份。这种过度追求“复杂”的倾向，最终损害了故事的流畅性和情感冲击力。到高潮部分，关键角色的动机转变显得突兀且缺乏铺垫，仿佛是为了制造一个更“震撼”的结局而强行推动剧情，这对于一部以悬疑和氛围著称的作品来说，是一个致命的弱点。

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读《舌尖上的罗马：帝国衰落的餐桌哲学》，我完全是被它那些精妙的烹饪历史和文化交叉点的叙述所吸引的。这本书的作者显然是一位历史学家和美食家思维的完美结合体。他没有停留在简单地罗列古代食谱，而是深入挖掘了食材的地理来源、贸易路线，以及这些食物如何反过来塑造了罗马社会阶层的固化与流动。比如，书中对“加鲁姆”（Garum，古罗马鱼酱）的详细剖析，从其制作过程的卫生争议，到它如何成为衡量一个家庭财富的隐形标尺，都写得栩栩如生。作者甚至通过分析当时留存下来的餐具残片上的微量元素，来推断不同省份的贵族饮食习惯差异，这种跨学科的研究方法令人耳目一新。最让我印象深刻的是关于“面食的权力斗争”，作者描绘了谷物短缺时期，统治者如何通过控制面包的配给和质量，来维持社会稳定，这简直比读任何政治史都要来得生动和真实。它让我重新审视了“吃饭”这件事，意识到每一口食物背后都隐藏着深刻的社会动力学。

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这本《蓝调之心颤抖》简直是音乐教科书级别的存在，封面那张略显沧桑却充满力量的侧脸，就已经预示了接下来的听觉盛宴。我本来对早期的布鲁斯摇滚了解不算深入，但自从听了这张专辑，简直像是被一股原始的、未经雕琢的能量击中。特别是那首“Midnight Train to Memphis”，吉他Riff的构建简直是神来之笔，每一个音符都像是从老旧的黑胶唱片里挣扎着冒出来的烟雾，带着一股子烟草和威士忌的味道。鼓点的处理非常巧妙，不是那种浮夸的炫技，而是恰到好处地烘托出那种游走在边缘、不羁又略带颓废的氛围。主唱的声音，哎呀，那种沙哑中带着穿透力的质感，完全不是现在那些被过度修饰的嗓音能比的。听着他的演绎，你能真切地感受到那种在底层挣扎、却又渴望爆发的情感。它不仅仅是音乐，更像是一部浓缩的美国社会底层生活史。我常常在深夜，关上灯，让这音乐在房间里流淌，感觉自己也被带到了那个充满霓虹灯和潮湿街道的年代。整张专辑的编曲层次感极强，即便是素以挑剔著称的乐评人，恐怕也得为它低头。

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