Folk Songs for Solo Singers, Vol 2

Folk Songs for Solo Singers, Vol 2 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Alfred Pub Co
作者:Althouse, Jay 编
出品人:
页数:64
译者:
出版时间:1996-8
价格:$ 28.19
装帧:Pap
isbn号码:9780739002445
丛书系列:
图书标签:
  • 民谣
  • 独唱
  • 歌曲集
  • 声乐
  • 音乐
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  • 艺术歌曲
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具体描述

This volume of best-loved folk songs for solo voice and piano contains fourteen memorable works arranged by three of Alfred's top writers: Jay Althouse, Mark Hayes and Ruth Elaine Schram. Includes "Camptown Races," "Follow the Drinking Gourd" and more!

歌唱者的心灵之声:精选艺术歌曲与民谣集(第三卷) 收录曲目详解与艺术鉴赏 本书是为独唱歌手精心编纂的又一力作,聚焦于跨越不同文化背景和音乐时期的声乐作品,旨在为演唱者提供一个既具挑战性又富于表现力的曲目库。不同于侧重特定民族或历史时期的选集,本卷追求的是一种跨越地域和时代的“心灵共鸣”,精选了那些能够深刻触动人心,并能最大限度展现独唱者声乐技巧与情感深度的作品。 第一部分:浪漫主义的咏叹调与沙龙歌曲 本部分收录了多位十九世纪欧洲作曲家创作的艺术歌曲(Lieder/Mélodies)。这些作品往往以细腻的钢琴伴奏和高度文学性的歌词著称,要求演唱者具备精准的音准、流畅的乐句处理能力以及对文本深层意蕴的把握。 1. 舒伯特之外的德语艺术歌曲精选: 沃尔夫(Hugo Wolf)的《意大利诗歌集》(选段): 我们挑选了三首节奏明快、情感对比强烈的作品。沃尔夫对歌词的音乐化处理达到了炉火纯青的地步,特别是对元音和辅音的咬字处理,要求演唱者能在保持音色的同时,清晰地传达出歌词的幽默或讽刺意味。例如,某首关于爱情的短歌,其钢琴前奏和尾声的处理,如同一个完整的戏剧场景,演唱者必须在极短的时间内完成情感的铺陈与释放。 舒曼(Robert Schumann)的后期作品(不含《诗人之恋》): 重点挖掘了几首较为少见但极具个人色彩的歌曲,如《月光下》(Mondnacht)的变奏版,着重展现了长音的控制力和泛音的运用,以及如何在略显沉重的低音区维持声音的穿透力。 2. 法国“沙龙歌曲”的优雅与克制: 福莱(Gabriel Fauré)的早期作品: 选取的曲目强调了“美声”与“歌唱性”的完美结合。这些歌曲要求演唱者避免过度戏剧化,转而追求一种内敛的、如同法语朗诵般优雅的表达。例如,对气息的极端控制,使得长达数句的旋律线可以一气呵成,且音高稳定,这对于次中音或女中音的音域尤为具有训练价值。 德彪西(Claude Debussy)对自然意象的捕捉: 选取了以水、光影为主题的几首歌曲。演唱者需要模仿印象派绘画的笔触,用音色变化去描绘视觉感受,而非仅仅是字面意义的表达。钢琴与人声的互动,有时是对话,有时是相互掩映,对歌手的听觉敏感度提出了极高要求。 第二部分:古典民谣的再发现与改编 本部分旨在探索那些根植于民间土壤,后被古典训练所升华的传统旋律。这里的“民谣”并非简单的乡野小调,而是经过精心编排、提升了和声复杂度的作品,更适合在音乐厅环境中呈现。 1. 英国/爱尔兰民谣的艺术化处理: “欧文·布拉德利改编集”(选自未发表的手稿): 这几首经由音乐学家整理的改编作品,保留了民谣的朴实骨架,却披上了复杂的近现代和声外衣。例如,某首关于海难的叙事歌谣,其和声进行时常游走在调性边缘,要求演唱者在高难度的和声背景下,依然能让旋律线清晰、有力地浮现出来,如同在风暴中指引方向的灯塔。这部分对声音的穿透力和辨识度是极大的考验。 2. 斯拉夫地区的旋律与叙事性: 捷克与波兰的民间叙事曲: 重点收录了表达坚韧、苦难与希望的题材。与德奥艺术歌曲的内省不同,这里的作品更倾向于外放的、充满戏剧张力的表达。演唱者必须学会如何在不使用歌剧式夸张技巧的前提下,展现出史诗般的厚重感。特别是对颤音的使用,应更接近于自然呼吸的起伏,而非机械的振动。 第三部分:二十世纪的声乐探索——清晰度与节奏的挑战 为拓宽演唱者的曲目范围,本卷特意纳入了几首二十世纪中叶至后期的声乐作品,它们挑战了传统的旋律美学,强调了节奏的精确性和咬字的清晰度。 1. 新古典主义的回归与节奏的精确性: 普罗科菲耶夫(Sergei Prokofiev)的某些短篇作品: 这些作品的特点是旋律线条的跳跃性强、节奏复杂多变。演唱者不能依赖惯性的乐感来推动,而必须依赖乐谱上的精确指示。对于高音区的处理,要求绝对的“点状”清晰,而非“涂抹式”的连接。 巴比特(Milton Babbitt)风格的清晰表达练习曲: 虽然篇幅不长,但它们是绝佳的节奏训练。这些作品要求歌手在极快或极慢的拍速下,对每一个音节的起始和结束都做到“刀切斧凿”般的明确,对于训练气息的即时控制力至关重要。 2. 现代语言的音乐化: 收录的几首作品使用了较为现代的白话文或非传统诗歌文本。这要求演唱者必须像演员一样去“说”出歌词,找到现代语言中内在的韵律感。与古典作品中对元音的延长美化不同,现代作品更注重辅音的力度和信息传递效率。例如,处理关于城市生活的作品时,歌手的声音需要具备一定的“金属质感”,以适应都市的喧嚣。 总结: 《歌唱者的心灵之声:精选艺术歌曲与民谣集(第三卷)》并非简单地堆砌名曲,而是经过深思熟虑的声乐“训练计划”。它要求演唱者不仅在技术层面(如气息支持、音域跨越、乐句构建)得到全面提升,更要在艺术理解上实现从浪漫的抒情到现代的精确的无缝转换。本书所涵盖的曲目广度,为专业人士在音乐会和比赛中打造出层次丰富、令人难忘的演唱节目,提供了坚实的基础。

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这本书的选曲真是令人惊喜。我原本以为第二卷会是第一卷风格的简单延续,但没想到,编者在曲目的选择上展现出了惊人的广度和深度。他们并没有仅仅停留在那些耳熟能详的经典民歌上,而是深入挖掘了一些鲜为人知但旋律极其优美的区域性民谣。例如,其中收录的一首来自阿巴拉契亚山脉深处的叙事歌谣,那种淳朴却充满力量的旋律,配合着歌词中对逝去时光的缅怀,简直让人潸然泪下。此外,对于那些传统曲目的改编也处理得非常巧妙,既保留了原曲的灵魂,又通过现代的织体,让它们焕发出新的生命力,非常适合当代独唱者去诠释。看到乐谱时,那些细致入微的表情记号和速度变化指示,让我感受到编者对每一首歌曲情感内核的深刻理解,这绝不是一份随随便便拼凑的曲集,而是倾注了大量心血的艺术品。对于任何渴望拓宽自己民歌曲目的声乐学习者或表演者来说,这无疑是一笔宝贵的财富。

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我已经迫不及待地将这本书推荐给了我的几个正在准备不同级别声乐比赛的学生。不同于那些只关注炫技的曲目集,这里的歌曲在情感的深度和表达的张力上有着非常广阔的探索空间。例如,有一首慢板抒情曲,它的旋律看似简单,却对连贯的气息支撑和声音的均匀度提出了极高的要求,稍有不慎就会显得气短或音色断裂。同时,还有一些节奏感强烈的、带有舞曲色彩的段落,它们要求歌手在保持清晰咬字的同时,还能灵活地运用身体去律动,这对提升整体舞台表现力非常有帮助。总而言之,这本书提供的不是一套固定的“答案”,而是一系列高质量的“问题”,它挑战你的技术极限,同时也激发你对音乐故事的共情能力。它不愧是同类书籍中的佼佼者,极大地丰富了我的教学资源库。

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老实说,我买过不少同类的民歌选集,但大多都显得过于“西化”或者说“美声化”了,丢失了民间音乐那种粗粝、未经雕琢的美感。而这一卷似乎找到了一个绝佳的平衡点——它在尊重原曲风格的基础上,进行了必要的“舞台化”整理。我特别喜欢其中几首带有强烈地方色彩的曲目,它们在和声上并没有采用过于复杂的学院派配器,而是保留了大量平行和弦和简单的三和弦结构,这让歌曲听起来既饱满有力,又不失其质朴的根源。对于那些希望尝试民歌演唱,但又害怕完全脱离传统美声训练基础的歌手来说,这本书就像一座完美的桥梁。它引导你如何用扎实的技术去驾驭这些充满野性与生命力的旋律,而不是用技术去“驯服”它们,让其失去原有的野趣。这种对“原真性”的追求,是这本书最难能可贵之处。

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打开这本书的第一感觉是装帧质量和排版设计的高级感。如今很多音乐书籍为了压缩成本,排版做得十分拥挤和晦涩,但这一册的设计却让人赏心悦目。清晰的五线谱,合理的行距,以及关键处的歌词对位都做得非常到位,这对于现场阅读和演唱来说至关重要——你不会因为找谱子而打断了演唱的连贯性。更值得称赞的是,它在附录中加入了一些关于这些歌曲文化背景的简短介绍,虽然篇幅不长,但为演唱者提供了必要的“语境”。了解一首歌曲的起源地、创作时的社会环境,能极大地帮助我们抓住演唱的精髓。我发现,当我带着对歌曲历史背景的了解去演唱时,声音里自然而然地多了一种厚度和历史感,这绝非单纯的技巧训练可以达到的效果。这套书在美学和功能性上达到了一个令人称赞的平衡点。

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作为一名长期在舞台上演唱艺术歌曲的声乐老师,我对于教材的实用性和教学价值有着近乎苛刻的要求。而这本《Folk Songs for Solo Singers, Vol 2》在这方面做得非常出色。它不仅仅是歌谱的堆砌,更像是一本系统性的声乐技巧训练手册。不同调性、不同音域的歌曲分布得相当合理,从音域的跨度,到气息的控制要求,再到对特定声部色彩的训练,都体现了极强的针对性。特别是其中几首需要用到假声技巧或是头腔共鸣的歌曲,编排得恰到好处,能够有效地帮助学生在处理民歌特有的“自然、不加修饰”的音色时,找到技术支撑点。我尤其欣赏它在节奏处理上的灵活性提示,民歌的节奏往往比古典艺术歌曲更为自由,这本书给出的建议既不失规范,又留有足够的即兴发挥空间,让学生能够在保持准确性的前提下,真正注入“民间故事性”的表达,这在很多其他曲集中是很难找到的细腻考量。

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