The Carole King Keyboard Book pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Carole King

出品人:

页数:184

译者:

出版时间:2003-12-01

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634045493

丛书系列:

图书标签:

• Carole King
• Keyboard
• Piano
• Songbook
• Music
• Pop
• Rock
• Singer-Songwriter
• 1970s
• Sheet Music

《钢琴演奏大师进阶指南：从古典到现代的指尖艺术》 本书简介 本书并非聚焦于特定艺术家的作品集，而是旨在为所有对键盘乐器——特别是钢琴和电子琴——抱有浓厚兴趣的学习者、业余爱好者以及寻求突破的演奏者，提供一套全面、深入且极具实战性的进阶训练体系。我们深知，掌握乐器不仅需要对乐谱的精确解读，更需要对音乐理论的深刻理解、对演奏技巧的精湛磨练以及对音乐风格的广泛涉猎。《钢琴演奏大师进阶指南》正是这样一本旨在弥合理论与实践鸿沟的权威参考书。 第一部分：坚实的基础——理论与技巧的再塑 本书的开篇部分，我们并没有满足于初级课程中那些基础的音阶和和弦知识，而是将焦点投向了更为精微的音乐结构和演奏技术。 第一章：和声学的深度解析与应用 我们将深入探讨传统调性体系的延伸，包括： 三音体系之外的拓展： 对九和弦、十一和弦及十三和弦在不同转位中的听感差异和功能进行详细分析。 半音进行与借用和弦： 如何巧妙地运用那不和谐却又引人入胜的借用和弦（如那不勒斯六和弦、增六和弦）来增加乐曲的色彩和张力。 调式与调性转换（Modulation）： 系统性地介绍从功能和声到更现代的非功能性调性关系的过渡技巧，包括中音连接法、共同音法以及远关系转调的实际操作步骤。 第二章：超越指尖的触键控制 本章侧重于提升演奏者的物理控制能力，确保“意念”能够完美转化为“声音”： 重量传导与发力点： 详细解析如何从手臂、肩膀到手指尖端建立流畅的重量传导链，以产生饱满、圆润且具备穿透力的音色，而非仅仅依赖指力。 非连奏技巧的精细打磨： 区别并练习从极轻微的跳音（Staccatissimo）到富有弹性、充满呼吸感的非连奏（Non-legato），尤其是在巴洛克和古典时期的作品中如何体现其“清晰的颗粒感”。 踏板的“聆听”艺术： 踏板不再是简单的“延长音”工具。本章教授如何使用持续音踏板（Pedal Point）、同步踏板（Syncopated Pedaling）以及半踏板，以营造空间感、混合和声色彩，并根据不同钢琴的音板特性调整使用策略。 第二部分：风格的探索——从严谨到自由 键盘音乐的魅力在于其风格的巨大跨度。本书的中间部分致力于引导读者在不同的音乐语境中找到最恰当的演奏方法。 第三章：古典时期的结构与平衡 专注于海顿、莫扎特、贝多芬早期作品，强调结构逻辑而非纯粹的浪漫抒情： 主题发展与动机处理： 如何在高对比度的演奏中保持乐曲的清晰层次感，突出主导动机的脉络。 装饰音的精确执行： 探讨不同时期对颤音（Trill）、回音（Mordent）和琶音装饰的惯例性演奏法，以及如何避免将这些元素演奏得过于“甜腻”。 第四章：浪漫主义的叙事与情感深度 面对肖邦、舒曼、李斯特等大师的作品，重点在于如何构建宏大的音乐叙事： 速度的弹性（Rubato）： 解析“真实”的鲁巴托并非简单的速度不均，而是旋律与伴奏之间微妙的时间分配艺术，探讨如何保持低音线的稳定。 音色的多维度变化： 教授如何在同一首作品中，通过触键和踏板的变化，从如歌的咏叹调（Cantabile）瞬间切换到戏剧性的宣叙调。 第五章：二十世纪的结构与解放 进入现代音乐领域，我们探讨如何理解和驾驭非传统体系： 印象主义的和声色彩： 德彪西、拉威尔作品中的全音音阶、五声音阶以及复杂和弦的“声响”处理，强调氛围的营造胜于传统功能。 序列主义与非传统技法概述： 对序列音乐的基本原理进行入门介绍，并展示如何用键盘乐器演奏那些需要特定节奏精确度或非传统音色效果的作品。 第三部分：键盘的无限可能——即兴与创作的桥梁 本书的价值在于其前瞻性，它不仅仅是关于“弹奏别人写的乐谱”，更是关于“创造你自己的音乐”。 第六章：即兴演奏的思维框架 本章是为希望摆脱乐谱束缚的演奏者量身定制： 速成和弦进行识别： 快速识别流行乐、爵士乐中最常见的2-5-1进行、循环和弦以及布鲁斯进行的基础。 旋律构建模块化： 如何基于既定的和弦根音和色彩音，利用音阶片段、琶音和装饰音快速生成流畅、富有逻辑性的即兴旋律线。 左右手的独立性训练： 专注于左手构建复杂节奏型和和声底色，同时右手进行自由即兴的协同训练。 第七章：改编与配器的基础原则 对于键盘乐器而言，改编能力至关重要，无论是将管弦乐改编为钢琴独奏，还是将流行歌曲改编为电子琴伴奏： 声部写作的“空间感”分配： 学习如何将管弦乐团的高音声部、中音声部和低音声部合理地分配到钢琴的三个八度区域，以保持清晰度和丰满度。 音色转换的逻辑： 针对电子琴或合成器，探讨如何选择合适的音色波形（Waveform）、包络（Envelope）和效果器（Effect）来模仿或替代原有的乐器音色，例如模拟弦乐的起音、铜管的呼吸感等。 结语：持续的探索与个人风格的形成 本书的最终目标是激发读者建立一套属于自己的、可持续的学习和演奏系统。音乐的精髓在于不断地提问、不断地聆听和不断地尝试。掌握了本书中提供的理论框架和技术工具，读者将能够自信地面对任何风格的乐谱，并最终将键盘变成表达内心世界的最强有力的媒介。

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我必须承认，我购买这本教材的初衷是想提高我的即兴伴奏能力，特别是针对流行歌手的伴奏技巧。市面上大多数键盘乐谱要么是面向纯古典学习者，要么是过于简化的流行和弦图。这本书的出现，在我看来，是填补了一个非常重要的空白。它的编排非常注重“感觉”的传达，而不仅仅是音符的堆砌。我注意到，很多歌曲的左手部分，也就是伴奏的根基，写得极其讲究。它们不是那种呆板的八度或简单的根音，而是采用了大量分解和弦和跨越八度的律动型伴奏，这正是卡罗尔·金那种温暖而有弹性的钢琴风格的核心所在。我尝试着跟着谱子弹奏了一些较慢的情歌，发现只要稍微放慢速度，就能体会到那种如同在自家客厅里即兴演奏的亲密感。更让我惊喜的是，它对一些不常见的和弦标记处理得非常到位，例如那些带有升五音或降九音的和弦，谱子都清楚地标明了正确的指法和声部进行，避免了初学者在处理复杂和声时手忙脚乱的窘境。这无疑极大地拓宽了我的和声视野，让我对七和弦和九和弦的运用有了更深入的体会。

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从一个对音乐制作和编曲略有了解的人的角度来看，这本书在展示歌曲结构和动态对比方面做得尤为出色。卡罗尔·金的歌曲之所以耐听，很大程度上是因为她对情绪的把控极其精准——从轻柔的耳语到充满力量的爆发。这本键盘书没有仅仅满足于将旋律和基本和弦放在一起，它通过清晰的力度记号（p, mf, f）以及明确的分段标记（如“Build Up”、“Release”），像是在给弹奏者绘制一张情绪地图。当我根据指示调整力度时，我能明显感觉到自己不再是机械地演奏一串音符，而是开始“讲述”这个故事。比如，在某些高潮部分的和声层级被巧妙地安排在不同的音区，左手保持稳定，右手的高音区则负责制造紧张感，这种空间上的配置非常有利于展现歌曲的层次感。此外，对于那些在原版录音中用合成器或电钢演奏的音色部分，编者也找到了一种非常优雅的钢琴化处理方式，既保留了原曲的现代感，又完美地适配了传统的钢琴键盘布局，避免了过于生硬的音色转换。

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这本乐谱集简直是为我量身定做的，我对卡罗尔·金（Carole King）的音乐怀有深厚的感情，尤其迷恋她那些充满内省和真挚情感的钢琴旋律。《Tapestry》对我来说不仅仅是一张专辑，它是我人生不同阶段的背景音乐。因此，当我在寻找能真正捕捉到原版录音精髓的谱子时，我满怀期待地找到了它。翻开第一页，我立刻被那种清晰度和准确性所打动。很多键盘书为了简化和易于演奏，往往牺牲了和声的丰富性，导致弹奏出来的味道总是不对劲。但这本却详尽地还原了她标志性的伴奏织体——那些微妙的转调、流畅的低音行进，以及在主歌和副歌之间巧妙的动态变化。我特别喜欢它对一些标志性歌曲（比如“It’s Too Late”和“So Far Away”）的和弦配置处理，不仅仅是简单的三和弦堆砌，而是融入了爵士和流行乐的色彩，让即兴发挥的空间也大大增加。对于我这种不仅想弹奏旋律，更想理解其和声结构的业余乐手来说，这份编排简直是教科书级别的范例。它不仅仅是“如何弹奏”，更是“卡罗尔·金是如何思考音乐的”的直观展示。

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这本书给我的最深切感受是，它成功地架设了一座从“聆听者”到“演奏者”的桥梁，特别是对于那些将卡罗尔·金视为启蒙导师的键盘手而言。它不仅仅是一本曲集的汇编，更像是一份深入她创作核心的“幕后笔记”。我特别欣赏它在处理一些标志性的副歌和桥段时的处理方式。很多歌曲的魅力在于其看似简单实则精妙的旋律动机的重复与发展，而这本书没有简单地重复前一乐段的和弦，而是加入了微妙的变奏，也许是低音进行的反向运动，也许是高音旋律线上细微的装饰音。这些细微的差别，正是区分“照本宣科”和“真正演奏”的关键。通过系统地练习这些变奏，我感觉自己对流行歌曲的创作结构有了更直观的理解——原来那些看似随意的灵感背后，都有着严谨的和声逻辑和结构布局。这本书提供的不仅仅是弹奏的技能，更是一种音乐思维的熏陶。

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这本书的排版和印刷质量也是一个不容忽视的优点。作为一本经常被翻阅和使用的乐谱集，耐用性和清晰度至关重要。我发现它的纸张厚度适中，不易因频繁翻页而撕裂，而且墨水的颜色和字体大小都经过了精心选择。在光线不是特别好的情况下，比如在咖啡馆练习或者晚上台灯下摸索新曲目时，那些五线谱和和弦符号依然能保持极高的可读性。这在很大程度上减少了练习过程中的挫败感。很多旧的或盗版的乐谱，经常出现五线谱的横线模糊不清，或者和弦名称与音符位置错位的情况，但这本显然在质控上投入了大量精力。尤其是那些复杂的节奏型和切分音的标记，它们清晰地落在小节线和符干的正确位置上，让我能够迅速准确地捕捉到那种标志性的摇摆律动，而不是一开始就要花大量时间去“解读”乐谱本身。

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