The G. Schirmer Collection of American Art Song pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Walters, Richard 编译

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2008-3

价格:$ 30.50

装帧:Pap

isbn号码:9780634060199

丛书系列:

图书标签:

• 艺术歌曲
• 美国艺术歌曲
• G
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美国艺术歌曲的精粹与流变：一部聚焦世纪之交与二十世纪初的音乐史诗 本书旨在深入剖析美国艺术歌曲自十九世纪末至二十世纪三十年代这一关键转型期的发展脉络、风格特征及其背后的文化语境。我们规避了对特定出版物（如“The G. Schirmer Collection of American Art Song”）内容的直接叙述，转而致力于构建一个更宏大、更具学术深度的音乐史图景，探讨影响这一体裁成熟与繁荣的深层动力。 第一章：浪漫主义余晖与本土化萌芽（1880-1900） 本章考察美国音乐文化在欧洲主导地位下寻求独立声音的挣扎与尝试。在室内乐和歌剧领域，欧洲模式依然是圭臬，然而，艺术歌曲这一相对灵活的体裁，开始成为本土作曲家实验情感表达和歌词诠释的试验田。 我们首先审视了“波士顿乐派”早期成员（如乔治·钱伯斯·伍德沃斯、霍雷斯·普拉特）对德国艺术歌曲（Lied）的继承与本土化尝试。他们的作品往往遵循严谨的德奥体例，但在主题选择上开始倾向于美国诗歌，特别是对自然景色的描绘和对民俗素材的含蓄引用。然而，这一时期的作品在和声语言上仍偏向保守，尚未完全摆脱对舒曼和舒伯特风格的依赖。 重点关注了早期作曲家如何应对美国诗人日益增长的民族自豪感。歌词的选择，从早期的传统抒情诗，逐渐转向富有美国特色的文学作品，尽管这些作品的文学价值尚待时间检验，但它们标志着作曲家试图在题材上与欧洲拉开距离的努力。分析了早期作品中对钢琴伴奏的运用，大多停留在功能性的支撑层面，缺乏后世作品中那种与人声旋律深度交织的“第二旋律线”的自觉构建。 第二章：新世纪的探索与流派分化（1900-1918） 进入二十世纪，随着世界格局的变化和美国经济的崛起，音乐界对“真正的美国音乐”的渴望愈发迫切。艺术歌曲开始展现出显著的流派分化，不再是单一的模仿，而是吸收了多种异质元素。 本章重点剖析了三股主要力量： 1. 民族主义的坚定倡导者： 以爱德华·麦克道威尔（Edward MacDowell）和他的追随者为代表。尽管麦克道威尔的艺术成就主要建立在器乐作品上，但他在歌曲创作中对凯尔特神话和新英格兰风景的关注，为后来的作曲家树立了利用本土文化资源的范例。分析了他们如何试图创造一种具有美国地域色彩的旋律线条，尽管这种“色彩”往往是通过扩大音域或使用特定的调式色彩（如五声音阶的有限运用）来实现的。 2. 印象主义的悄然渗透： 受到德彪西和拉威尔的影响，少数前卫作曲家开始尝试突破传统的调性束缚。讨论了早期对全音阶、八度音程的运用，以及钢琴织体如何从线性的伴奏转变为具有色彩和氛围渲染功能的音块。这一时期的作品，尽管数量不多，却预示了二十年代和三十年代的激进变革。 3. 对严肃文学的深入挖掘： 这一阶段，对歌词的选择开始变得更加审慎和具有文学品味。作曲家们不再满足于通俗的情诗，而是转向惠特曼、狄金森等更具思想深度的诗人。分析了这些作曲家在处理复杂文本时，如何运用对位手法和更复杂的和声语言来精确捕捉诗歌的细微情感波动。 第三章：爵士乐的阴影与节奏的革新（1918-1930） 第一次世界大战后，美国社会经历了剧烈的现代化冲击，爵士乐的兴起对所有音乐体裁都产生了不可逆转的影响。本章聚焦于艺术歌曲在吸收都市节奏和民间音乐语汇方面的努力。 探讨了早期受爵士影响的作曲家（如厄尔·基恩和一些百老汇作曲家）如何将布鲁斯音阶、切分节奏和“摇摆感”引入艺术歌曲的钢琴伴奏中。这种融合并非总是平稳的；许多传统作曲家对这种“不入流”的音乐元素持抵制态度，认为它玷污了“严肃”艺术歌曲的纯洁性。因此，本章也探讨了这种风格冲突如何塑造了这一时期的审美判断。 特别分析了在这一时期，艺术歌曲在形式上的松动。传统的“分段歌”（Strophic Song）和“通谱歌”（Through-Composed Song）结构开始被更自由的、受歌词驱动的结构取代。钢琴的地位进一步提升，许多作品（如早期查尔斯·艾夫斯对某些歌曲的实验性处理）开始展现出对传统协奏性伴奏的颠覆。 第四章：功能性与大众化的十字路口（1930s及展望） 进入大萧条时期，音乐创作面临着新的社会责任感和经济压力。本章考察了艺术歌曲如何在大众娱乐和学术象牙塔之间寻找平衡。 一方面，一些作曲家（如塞缪尔·巴伯的早期作品）开始回归到更具抒情性和可听性的传统，力图通过优美的旋律和清晰的结构来抚慰人心。这些作品往往被认为是“经典”美国艺术歌曲的范本，因其兼顾了欧洲传统的优美和本土的直接情感表达。 另一方面，一些作曲家试图将艺术歌曲推广至更广阔的听众群体，这导致了歌曲内容向更具社会评论性或更易于理解的叙事性发展。探讨了如何利用广播等新兴媒体对艺术歌曲的传播产生的影响，以及这种传播方式对歌曲篇幅、复杂度的潜在限制。 结论：体裁的成熟与遗产的奠基 本研究总结了美国艺术歌曲从模仿到形成独立声音的漫长历程。它不再是欧洲音乐的附属品，而是一个融合了本土诗歌、都市节奏和现代和声探索的独特体裁。这一时期的作品为后来的美国作曲家（如科普兰、本杰明·布里顿在美期间的影响）奠定了坚实的基础，标志着美国音乐主体性意识的觉醒。本书旨在提供一个细致入微的视角，审视这些“歌曲背后的歌曲”，理解它们如何共同构建了二十世纪美国音乐的声景。

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翻开这本厚重的乐谱集，我的心头涌起一种难以言喻的激动，这不仅仅是纸张和油墨的堆砌，更像是一扇通往美国音乐灵魂深处的秘境之门。Schirmer 出版的这套精选集，无疑是艺术歌曲爱好者绕不开的里程碑式文献。光是目录的编排就充满了学问，它不仅仅是简单地按照作曲家姓氏排列，而是似乎暗含着一条清晰的历史脉络，引导我们从早期的浪漫主义余韵，逐步步入二十世纪初那种独特的、带着拓荒精神的美国声乐表达。我尤其欣赏那些对于早期歌曲——那些常常被主流评论界忽略的作品——的挖掘与呈现。它们或许在技巧上不如后来的作品那样炫技，但其质朴的情感和对本土题材的关注，却是理解美国音乐语汇起源的关键。比如那些关于田园生活、关于西部边疆的叙事性作品，那种旋律线里流淌着的自由与粗犷，至今听来依然令人心驰神往。编辑在曲目选择上的独到眼光，避免了仅仅堆砌“名家名作”的俗套，而是构建了一部完整的“美国声音的演变史”。每一次触碰琴键，每一个音符的落下，都仿佛能触摸到那些作曲家们在彼时彼刻的创作心境，那种挣扎着要从欧洲传统中挣脱出来，寻求自我表达的迫切感，跃然纸上。

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坦白说，当我首次看到这份选集的内容时，我曾对它的“全面性”抱有一丝疑虑，毕竟“美国艺术歌曲”的定义本身就充满争议。然而，随着我深入到那些相对后期的作品中，我发现编辑团队确实下了大功夫，平衡了经典与创新。他们没有回避那些在风格上更接近欧洲现代主义的探索者，也没有厚此薄彼地将重心完全放在那些更“美国化”的民谣风格作品上。这种审慎的平衡感，让这份选集具备了超越时代局限的生命力。特别是那些融合了爵士乐和布鲁斯元素的歌曲，它们的和声进行大胆而新颖，即便是以今天的眼光来看，也毫不过时。它们揭示了美国艺术歌曲是如何主动地吸收周边文化的影响，而不是固步自封于高雅艺术的象牙塔内。演奏这些曲目，需要演唱者和伴奏者之间有一种近乎即兴的默契，去捕捉那种微妙的、摇摆的节奏感，这与演奏德国艺术歌曲时所要求的严谨性，是截然不同的艺术挑战。

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作为一名对美国文学和音乐交叉领域有浓厚兴趣的人来说，这份精选集的价值在于它成功地捕捉到了“文本与音乐的共生关系”。美国艺术歌曲，其魅力很大程度上来源于对本土诗歌和散文的忠实回应。我惊喜地发现，其中收录的几首基于惠特曼诗歌的作品，其音乐处理方式是多么的“反欧洲”。它们没有那种惯常的、结构化的咏叹调式回应，而是更倾向于一种自由的、对话式的宣叙调，几乎是把诗句的自然韵律直接转化成了旋律线。这种对语言音乐性的极致追求，是美国作曲家们独特贡献的体现。当我对照着原诗阅读这些乐谱时，能清晰地感受到作曲家是如何在音高、节奏和和声中，巧妙地烘托出诗歌中那些关于广袤土地、关于个体奋斗的宏大主题。这种互文性的研究，使得这本乐谱不再仅仅是演奏工具，它更像是一部视觉化的“美国思想史纲”，记录着一代人在面对新大陆的无限可能时，如何用声音来描绘他们的精神版图。

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这份乐谱的装帧与排版，直击我这个老乐迷的心坎。如今许多出版商为了追求成本效率，将乐谱排得拥挤不堪，五线谱密密麻麻，连喘息的空间都没有，让人在演奏时总有一种窒息感。但Schirmer的这份经典版本，显然是对演奏者和演唱者体验的尊重。清晰的字体、合理的行距，以及关键的乐句划分，都体现了老派出版商的工匠精神。更值得称道的是那些注释——虽然我更偏爱自己去探索早期乐谱的细微之处——但对于不熟悉那个时代背景的年轻学习者来说，那些关于演唱提示和特定术语的解释无疑是宝贵的指引。我花了几个下午的时间，仅仅是研究了其中几首早期作品的表情记号，发现它们比我想象的要复杂得多，很多情感的细微变化，都浓缩在那些看似不起眼的意大利语或德语标记里。这套书不仅仅是让你“唱”出这些歌，更是教你如何去“理解”它们在文化语境中的位置。翻阅的过程本身，就是一种沉浸式的学习体验，让人不得不放慢速度，去品味每一页精心设计的布局。

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这份乐谱对我个人演奏生涯的影响是深远的。在接触到这套选集之前，我总觉得美国的声乐作品缺乏一种坚实的、可以传承的“传统”基石，容易在舞台上显得单薄。但正是通过对这套系统性选辑的研习，我才真正理解了美国艺术歌曲的“韧性”和“多样性”。它不是一个单一的声音，而是无数个声音在不同历史阶段，使用不同的工具和语言进行的对话。我特别喜欢其中收录的几首献给女性主题的作品，它们往往在旋律上更加内敛，却在和声的张力上表现出惊人的深度，仿佛在平静的表面下涌动着时代对女性角色的复杂期望与挣扎。每次拿起它，我都感觉自己不仅仅是在练习曲目，更是在参与一场跨越百年的学术研讨会。这份选集的厚重感，来自于它成功地将分散在各个角落的瑰宝汇集一堂，为后来的研究者和演奏者提供了一个坚实可靠的出发点，无疑是收藏家书架上不可或缺的镇馆之宝。

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