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出版者:Ashgate

作者:Michael Ewans

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2007-10-30

价格:USD 99.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780754660996

丛书系列:

图书标签:

• Opera
• Greek Opera
• Music History
• Classical Music
• Performance Studies
• Cultural History
• Ancient Greece
• Musicology
• Opera Studies
• Arts & Humanities

《音乐的永恒回响：从巴洛克到浪漫主义的咏叹调与戏剧结构》 一部对西方歌剧艺术发展历程的深度考察，聚焦于音乐、叙事与舞台表现力的交织演变。 本书旨在为音乐爱好者、学者以及舞台艺术从业者提供一份详尽的指南，系统梳理自17世纪初歌剧在意大利佛罗伦萨的诞生，直至19世纪末浪漫主义歌剧巅峰期的艺术演变轨迹。我们摒弃传统的按作曲家或国家划分的刻板结构，转而深入探讨驱动歌剧艺术变革的核心动力：音乐语言的创新、戏剧文本的演进，以及它们在特定社会文化背景下的相互作用。 第一部分：黎明与规范的建立（17世纪） 本部分将详述早期歌剧（Opera Primitiva）的诞生背景，重点分析佛罗伦萨的“艺术社”（Camerata Fiorentina）如何试图复兴古希腊戏剧的理想，并最终催生出第一批具有明确结构意识的歌剧作品。 1. 宣叙调与咏叹调的对立与融合 我们将详细剖析早期歌剧中“宣叙调”（Recitative）与“咏叹调”（Aria）的最初功能划分。宣叙调如何承载情节推进和对话，而咏叙调如何提供情感的停顿与抒发。考察蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥尔菲奥》（L'Orfeo）中对这两种元素的精妙平衡，展示音乐如何开始超越简单的文本伴奏，成为表达人物内心冲突的主要工具。 2. 威尼斯歌剧的世俗化与商业化 随着歌剧从宫廷走向公共剧院，尤其是在威尼斯，歌剧的面貌发生了根本性转变。本书将探讨商业驱动力如何影响剧本的选择和音乐的风格。这一时期的歌剧开始强调声乐技巧的炫耀，为后世的“美声唱法”（Bel Canto）奠定了基础。我们将分析普契尼（Puccini，此处指早期影响如卡瓦利Cavalli）等作曲家如何通过引入更具吸引力的旋律片段，来迎合日益增长的观众群体。 3. 法国歌剧的崛起与“五大芭蕾”的引入 我们将视线转向法国宫廷，重点研究吕利（Lully）如何通过融合意大利的歌剧元素与法国古典芭蕾的传统，创造出一种具有高度程式化和政治象征意义的“法国正歌剧”（Tragédie en Musique）。分析其严格的曲式结构、对合唱的重视，以及舞台美术对歌剧整体体验的决定性影响。 第二部分：巴洛克时期的精炼与“正歌剧”的鼎盛（18世纪） 18世纪是歌剧结构成熟、技巧登峰造极的时期，特别是那不勒斯学派的统治地位。 1. 那不勒斯学派与咏叹调的支配地位 本书将深入分析那不勒斯学派，特别是亚历山德罗·斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti）如何确立了“达卡波咏叹调”（Da Capo Aria，ABA结构）的黄金标准。详细阐释这种结构如何成为展示歌唱家技艺的“竞技场”，以及它在情节推进上的局限性。我们将探讨这种形式对戏剧逻辑造成的张力，以及它如何客观上将歌剧的重心从戏剧性转向纯粹的音乐展示。 2. 歌剧改革运动的兴起：格鲁克与“抒情悲剧” 面对正歌剧（Opera Seria）日益僵化的曲式和脱离现实的情节，改革的呼声应运而生。重点分析格鲁克（Gluck）的哲学理念：音乐必须服务于戏剧的真诚表达。通过对《奥尔菲奥与尤丽狄茜》（Orfeo ed Euridice）的详细乐谱分析，展示他如何简化咏叹调结构、加强管弦乐队的叙事作用，并试图重新整合宣叙调与咏叹调，以恢复歌剧的戏剧可信度。 3. 喜歌剧的蓬勃发展：从“串场闹剧”到社会讽刺 与严肃歌剧的庄重形成对比的是，喜歌剧（Opera Buffa）在18世纪得到了长足的发展。我们将考察意大利“串场闹剧”（Intermezzo）如何演变为独立的歌剧形式。重点分析莫扎特（Mozart）在《费加罗的婚礼》和《唐璜》中，如何将喜歌剧的灵活性与正歌剧的深度相结合，创造出前所未有的心理深度和群戏的戏剧张力。尤其关注他如何运用“紧凑的终曲”（Ensemble Finale）来推动情节爆炸性发展。 第三部分：浪漫主义的革命与国家风格的形成（19世纪） 19世纪是歌剧艺术最富活力和多样性的时期，民族意识觉醒，音乐语言趋于情感的极致表达。 1. 意大利的“美声时代”的终结与威尔第的崛起 我们将考察罗西尼（Rossini）、贝利尼（Bellini）和多尼采蒂（Donizetti）如何将美声技巧推向其技术与情感表现力的顶峰。随后，本书将重点分析威尔第（Verdi）的创作历程，分析他如何从早期的爱国主义主题，逐步发展到对复杂人性、政治压迫和个人悲剧的深刻描绘。威尔第对“合唱”的重新定义，以及他如何通过对节奏和和声的革命性运用，打破了传统咏叹调的界限，实现音乐与戏剧的“一体化”。 2. 德语歌剧的哲学深度：瓦格纳的“乐剧”构想 本章是全书最核心的章节之一，专门探讨理查德·瓦格纳（Richard Wagner）对歌剧美学的颠覆性贡献。我们将详尽分析“乐剧”（Musikdrama）的概念，解析“主导动机”（Leitmotiv）系统的复杂运作机制，以及它如何取代传统咏叹调，成为统一音乐叙事和心理描绘的结构支柱。考察其对和声语言的拓展（如《特里斯坦与伊索尔德》中“特里斯坦和弦”的革命性意义），以及其对舞台空间和神话文本的重构。 3. 民族乐派的兴起与边缘流派的探索 在德、意两国巨匠的巨大阴影下，其他欧洲国家也在发展具有鲜明民族特色的歌剧。我们将考察俄国民族乐派（如穆索尔斯基的真实主义）如何强调口语的旋律化和民间音乐的运用；以及法国的比才（Bizet）和古诺（Gounod）如何通过“抒情歌剧”（Opéra Lyrique）来平衡法国对清晰旋律和戏剧表现力的需求。最后，简要探讨真实主义歌剧（Verismo）对社会底层生活描写的冲击，为20世纪的实验埋下伏笔。 总结： 本书通过对歌剧艺术中“形式”与“功能”之间动态关系的梳理，展现了从单一的文本装饰到复杂的心理交响的漫长旅程。它不仅是一部音乐史，更是一部关于艺术如何回应时代精神、如何在技术限制中不断寻求表达自由的史诗。读者将在这部著作中，获得理解西方歌剧永恒魅力的全新视角。

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这部作品的叙事结构实在令人拍案叫绝，它不像传统小说那样线性推进，反而像一张精心编织的挂毯，各个时间线索和人物命运在不经意间交织、碰撞，最终汇聚成一幅宏大而又细腻的图景。作者对节奏的把控达到了炉火纯青的地步，有些章节如同清晨薄雾般缓缓展开，让你沉浸在角色的内心挣扎中，而另一些关键时刻，情节的推进速度陡然加快，仿佛置身于一场突如其来的风暴，让人喘不过气来，必须立刻翻页。特别值得一提的是，其中关于“失落的图书馆”那一章的描写，文字充满了古典的韵味和史诗般的庄严感，那种对知识和遗忘的探讨，远远超出了单纯的故事叙述层面，上升到了一种哲学思辨的高度。我花了好大力气才跟上作者的思维跳跃，但每一次成功的理解都带来了巨大的满足感，这绝对不是一本可以“速读”的书，它需要读者全身心地投入，去品味那些深埋在字里行间的隐喻和伏笔。我感觉自己仿佛走进了作者构建的一个迷宫，每走一步，都能发现新的风景和更深的层次。

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我必须承认，这本书的篇幅令人望而生畏，厚厚的精装本摆在书架上，给人一种沉甸甸的历史感。我花了近一个月的时间才勉强读完，期间有好几次差点因为太过晦涩而选择放弃。然而，正是这种“难啃”，反而造就了它的独特价值。它不迎合市场，不追逐潮流，而是坚守着作者自己想要讲述的那个庞大而艰深的世界观。特别是书中关于“时间悖论”和“多维宇宙”的理论探讨部分，虽然写得非常大胆和富有想象力，但逻辑链条异常严密，作者似乎在创作的同时，也建立了一套自洽的物理学和形而上学体系。读完后，我感觉自己的认知边界被极大地拓宽了，很多原先深信不疑的常识受到了挑战。这更像是一部需要反复研读的学术著作，而不是一部轻松的小说，它要求读者具备极强的逻辑推理能力和对复杂概念的快速吸收能力，读完后感觉自己智商都提升了一个档次。

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这本书最让我震撼的是其对人性复杂面的刻画，简直达到了令人不寒而栗的真实感。书中的主要人物都不是简单的“好人”或“坏人”，他们游走在道德的灰色地带，每一个决定背后都隐藏着多重动机的纠葛。我特别欣赏作者如何处理“背叛”这个主题，它不是一次性的爆发，而是一种慢性毒药，通过日常琐碎的对话和微妙的肢体语言，缓慢地侵蚀着人物之间的信任。有一个情节，两个昔日挚友因为一个共同的秘密而产生了裂痕，作者用了整整一个章节来描绘他们共进晚餐的场景，桌上的食物、杯中的红酒、看似平静的谈话，全都被紧张的气氛所笼罩，那种“山雨欲来风满楼”的压抑感，隔着书页都能感受到。这种对微妙心理活动的精准捕捉，让我时常停下来，反思自己生活中类似的情境，这本书不仅仅是在讲述一个故事，它更像是一面镜子，映照出我们每个人内心深处那些不愿触碰的阴影和弱点。

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这部作品的配乐——如果我可以这样比喻的话——是极其具有实验性的。它的“音效”或者说氛围营造，总是出乎意料地强烈。作者在描绘自然景观时，几乎是用散文诗的笔法，将自然力量的狂野和美丽展现得淋漓尽致。例如，书中对一座常年被风雪覆盖的“静默之山”的描写，那种冷冽的空气、耳膜深处的嗡鸣声，以及光线被冰晶折射出的奇异光芒，都写得如同身临其境。但这种美感并非一成不变，有时作者会突然插入一段极度尖锐、近乎噪音的内心独白，打破原有的宁静，这处理手法非常大胆，几乎是打破了小说的“第四堵墙”。这种视觉与听觉的交织，使得阅读体验充满了动感和张力。它更像是一部融合了电影语言和文学叙事的混合体，让人在脑海中自动构建出高规格的场景画面，看完之后，那种环境的氛围感久久不能散去，甚至影响了我对现实中相似场景的感知。

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老实说，我一开始有点被这本书的语言风格劝退了。它的用词非常考究，甚至可以说是有些“故作高深”了，充斥着大量罕见但又极具画面感的词汇，读起来不像是在看当代小说，更像是在翻阅一本被时间尘封的古老文献。举个例子，书中描述一次日落的场景，用了我查了三次字典才弄明白的词语，但一旦理解了，那种色彩的饱满度和光影的层次感立刻跃然纸上，让人不得不佩服作者深厚的文字功底。这种语言的密度让阅读过程变成了一种智力挑战，你不能只是被动地接受信息，而必须主动地去“解码”每一个句子。这本书的叙事视角也十分独特，它经常在第一人称的私密独白和全知视角的宏大叙事之间无缝切换，这种切换不仅没有造成混乱，反而增添了一种疏离而又亲近的矛盾美感，仿佛作者时而走入角色内心低语，时而又站在高处俯瞰众生。对于追求纯粹娱乐性的读者来说，这可能有点门槛，但对我这种喜欢啃“硬骨头”的爱好者来说，简直是饕餮盛宴。

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