The Figure of Music in Nineteenth-Century British Poetry pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Routledge

作者:Weliver, Phyllis (EDT)

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:2005-9-23

价格:GBP 98.99

装帧:Hardcover

isbn号码:9780754605478

丛书系列:

图书标签:

• British Poetry
• Nineteenth Century
• Music
• Literature
• Cultural History
• Victorian Literature
• Poetry Criticism
• Interdisciplinary Studies
• Aesthetics
• Romanticism

弦音与诗篇：浪漫主义与维多利亚时代英国诗歌中的音乐意象 本书深入探讨了十九世纪英国诗歌中音乐意象的演变与复杂性，分析了从浪漫主义早期到维多利亚时代晚期，音乐如何被诗人用来构建情感、表达形而上学的思考，并挑战传统的文学形式。我们聚焦于音乐作为一种修辞工具、一种象征系统以及一种审美理想，如何在不同诗人的笔下焕发出独特的光彩。 第一章：启蒙的余晖与音乐的“自然”回归 本章追溯了十八世纪末期，启蒙运动对理性与结构化音乐观的影响，并考察了早期浪漫主义诗人如何开始寻求音乐中更原始、更具情感穿透力的特质。 我们将细致考察以下主题： 对“和谐”的重新诠释： 探讨从古典的“宇宙和谐”观念转向个体经验中的情感波动。音乐不再仅仅是秩序的体现，而成为内心混乱与激情的载体。 自然之声的采撷： 分析诗人如何将鸟鸣、风声、水流等自然界的听觉体验，提升至与艺术音乐同等的地位。这种“自然音乐”如何服务于对田园生活的赞美和对城市工业化的反思。 早期抒情诗中的旋律性： 考察早期浪漫主义诗歌在韵律和节奏上的试验，如何模仿音乐的起伏和连贯性，以增强情感的即时性和感染力。 第二章：拜伦、雪莱与科尔律治：激情、超越与幻觉的交响 在浪漫主义的高峰期，音乐意象成为表达极致情感和形而上学探索的核心媒介。本章聚焦于三位巨匠，剖析他们如何使用音乐语言来描绘人类精神的广阔疆域。 拜伦的“不协和音”： 分析拜伦诗歌中对歌剧和戏剧性音乐的偏爱，以及音乐如何被用来象征宿命感、异域情调和被禁锢的激情。音乐的宏大与个人命运的悲剧性之间的张力是本节的重点。 雪莱的“看不见的和弦”： 深入研究雪莱对空气、风以及看不见的力量的描绘，探讨“音乐”如何成为他表达理想主义、自由精神以及对绝对真理追求的隐喻。特别是对“西风颂”中音乐力量的解析，关注其作为变革动力的角色。 科尔律治的梦境与异域旋律： 考察科尔律治诗歌中对异域音乐和梦境声音的迷恋，分析这些听觉幻象如何服务于其对超自然、幻觉和意识边缘状态的探索。 第三章：济慈：感官的融合与永恒的旋律 济慈的诗歌是感官经验的宝库，音乐在此扮演了连接瞬时美感与永恒艺术的核心角色。 对“完美的听觉”的追求： 考察济慈如何通过对乐器、歌声和音乐事件的精确描绘，达到一种感官上的饱和。分析“夜莺颂”中对纯粹声音（而非文字意义）的歌颂。 死亡与音乐的对立： 探讨音乐在济慈诗中如何成为抵御时间流逝和死亡必然性的工具。音乐的持续性与生命的短暂性之间的对话，是理解其审美哲学的关键。 雕塑与音乐的对话： 分析济慈如何将视觉艺术（如“希腊古瓮颂”）中的静止形式，与听觉艺术（音乐）中的流动性相结合，寻求一种跨媒介的完美表达。 第四章：丁尼生与莫里斯：维多利亚时代的调性转变 进入维多利亚时代，诗歌对音乐的运用趋于内省和复杂化，音乐不再是纯粹的浪漫激情，而成为面对社会、宗教和科学挑战时的情感锚点。 丁尼生的“内省的协奏曲”： 研究丁尼生如何运用音乐语言来表达信仰危机、时间流逝的焦虑以及对记忆的追溯。特别关注其对“低沉的、忧郁的”旋律的偏好，以及这些旋律如何反映时代的精神状态。 前拉斐尔派的巴洛克回响： 考察但丁·加百列·罗塞蒂和威廉·莫里斯等人如何借鉴中世纪和文艺复兴的音乐形式（如吟游诗人的歌曲和挽歌），来构建一种逃避现代性的、充满精致装饰的审美世界。音乐在此成为对“逝去的美好时代”的怀旧象征。 女权主义视角的聆听： 探讨伊丽莎白·巴雷特·勃朗宁等女性诗人如何运用音乐意象来描绘被压抑的女性情感，以及她们如何通过“歌唱”来宣示主体性。 第五章：音乐的界限与文学的扩张：从听觉到象征 本书的最后部分探讨了十九世纪诗歌如何处理音乐的“不可言说性”，以及这种局限性如何推动了诗歌语言的边界拓展。 “论不可译性”： 分析诗人如何处理音乐作为一种非语言的艺术形式，这种“超越语言”的特质如何被用来象征最高形式的真理或情感深度。 乐评与诗评的交叉： 考察当时评论界如何将音乐理论和术语（如“主题发展”、“变奏”、“赋格”）引入文学批评，以分析诗歌的结构和主题的交织。 终结的音符： 总结十九世纪音乐意象在诗歌中的功能：从早期的自然呼应，到中期的激情宣泄，再到晚期的哲学反思。音乐意象不仅是装饰，更是那个时代英国诗人理解世界、组织经验的根本结构之一。 本书通过对大量诗歌文本的细致耙梳和比较分析，旨在提供一个全面而深入的视角，理解音乐在塑造十九世纪英国诗歌美学景观中的关键作用。

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这部作品以一种令人惊艳的敏锐度，深入剖析了十九世纪英国诗歌中“音乐性”的具象化表达，其论述的深度和广度远超一般学术专著的范畴。作者并非停留在对诗歌文本的表面描摹，而是构建了一个复杂的理论框架，用以解析浪漫主义晚期至维多利亚时期，诗人如何将抽象的听觉体验——音乐的结构、韵律、情感张力——转化为可感知的、具有物质性的“形象”。特别是关于布雷克和雪莱如何在其意象体系中嵌入对巴赫或莫扎特风格的无意识或有意识的模仿，这部分的分析尤其精妙。我常常感到，作者的笔触如同一个技艺高超的指挥家，引导读者穿梭于田园牧歌式的抒情与工业革命背景下的异化声响之间，揭示了诗歌如何通过对音乐形式的挪用，来抵抗或表达时代性的焦虑。阅读过程中，我多次停下来，重新咀嚼那些关于“音高-色彩对应”的论述，它们不仅是文学批评，更像是跨学科的哲学思辨，迫使我重新审视“美”在那个特定历史语境下的听觉维度。

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从阅读体验的角度来看，这本书的行文风格优雅而内敛，充满了英式学术特有的那种审慎的激情。它不追求耸人听闻的断言，而是通过扎实的一手文本细读和精妙的二手文献梳理，一步步建立起自己的论点。我个人非常喜欢其中穿插的对当时音乐评论和美学辩论的引述，这使得整部作品的学术背景极为丰厚，仿佛置身于十九世纪伦敦的沙龙之中，与那些思想家们一同争论“什么是好的声音”。特别是在考察勃朗特姐妹的作品时，作者没有像一些评论家那样将她们简单地归类于浪漫主义的延续，而是敏锐地捕捉到她们诗歌中那种近乎无调性的、源于内心深处挣扎的“原始音高”，并将其与当时新兴的民间音乐形态进行了关联。这种细腻入微的文化考古，着实令人耳目一新。

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我对这本书的整体印象是，它成功地完成了一次对传统维多利亚主义诗歌研究范式的挑战。传统的解读往往聚焦于宗教、帝国或性别议题，而本书却另辟蹊径，将焦点锁定在相对隐晦的“音乐本体论”上。最让我印象深刻的是其叙事逻辑的跳跃性与最终的收束感，仿佛作者是根据不同诗人对音乐的理解深度来组织章节的，从早期的对自然和谐的模仿，过渡到后期的对技术化、室内乐般精密的结构追求。书中对于丁尼生诗歌中“回声”和“渐弱”的运用分析，简直是教科书级别的示范，它清晰地展示了诗人是如何利用语言的物理特性来模拟声音的衰减和重复，这种对语言物质性的细致把玩，令人叹服。更重要的是，作者并未将音乐视为简单的比喻，而是将其视为一种形而上的真理载体，诗歌的优越性正来源于它能够捕捉到音乐中那种超越语言界限的永恒性。

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说实话，这本书的学术密度极高，初读时颇有几分吃力，但一旦进入作者设定的语境，便会发现其论证的严密性无懈可击。它不是那种让你读完后仅仅满足于了解某个诗人风格的书，而更像是提供了一套全新的“听力工具”来解构当时的文化景观。我特别欣赏作者对“非人类声音”处理的章节，那里讨论了蒸汽机轰鸣、工厂噪音这些“反音乐”元素如何被某些诗人——尤其是那些与社会改革倾向相关的——吸收到他们的韵律结构中去，以表达对现代性的复杂情感。这种将高雅艺术（古典音乐）与新兴的、粗粝的工业声景进行并置和对比的手法，使得全书的张力得以维持。它提醒我们，十九世纪的英国诗歌并非生活在一个宁静的古典主义泡影中，而是充满了复杂的、相互冲突的听觉体验，这本书便是解读这些体验的密钥。

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这本书最成功之处，或许在于它成功地将“形式”的分析提升到了“意识形态”批判的高度。作者巧妙地论证了，诗人选择某种音乐结构——无论是奏鸣曲式的宏大叙事，还是艺术歌曲的私密叙事——本身就是一种政治和美学立场的表态。例如，在分析法拉第的抒情诗时，书中指出他倾向于使用巴洛克晚期那种高度装饰性的对位技巧，这并非仅仅为了炫技，而是为了在看似完美的结构下，隐藏着对个人情感的极度压抑和对传统权威的服从，形成一种“被规范化的激情”。这种对文本内部“结构性张力”的挖掘，让我对那些我原本以为已经完全掌握的经典文本产生了全新的认识。它要求读者不仅要“读诗”，更要“听诗”，去感受语言背后的振动与回响，是一本极具启发性和挑战性的佳作。

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