Jazz on Record pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Backbeat Books

作者:Scott Yanow

出品人:

页数:858

译者:

出版时间:2003

价格:49.95

装帧:HRD

isbn号码:9780879307554

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 音乐史
• 唱片
• 文化
• 美国音乐
• 音乐评论
• 音乐欣赏
• 历史
• 艺术
• 收藏

蓝调与即兴的交响：一部深入探索爵士乐录音艺术的编年史 书名： 蓝调与即兴的交响：一部深入探索爵士乐录音艺术的编年史 作者： 艾伦·布莱克伍德 (Alan Blackwood) 出版社： 赫尔墨斯音乐出版社 (Hermes Music Press) 出版日期： 2024 年秋季 --- 内容提要 《蓝调与即兴的交响：一部深入探索爵士乐录音艺术的编年史》并非简单地回顾爵士乐的发展脉络，而是将聚光灯聚焦于一个至关重要的维度：声音的捕捉、重塑与传播。 本书以超过七十年的时间跨度为轴，系统性地梳理了爵士乐从诞生之初的现场即兴，到录音室中精雕细琢的艺术品，再到数字时代无限可能的演变历程。它探讨了技术进步如何反向塑造了音乐创作本身，以及那些幕后的工程师、制作人和乐手们如何在有限或无限的声学空间中，定义了我们今天所理解的“爵士之声”。 本书的叙事结构分为四个主要部分，每一部分都对应着爵士乐录音技术发展中的一个关键转折点。 --- 第一部分：原始的共鸣——电声革命前夕 (1920s – 1940s) 本部分深入研究了爵士乐的“原初时代”——从新奥尔良的街头喧嚣到芝加哥和纽约的舞厅热潮。我们首先审视了留声机时代的局限性：气动式（Acoustic）录音如何迫使早期音乐家们调整演奏方式、音量和乐器配置，以适应号筒的物理限制。书中详细分析了路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）在威灵顿管弦乐队（King Oliver's Creole Jazz Band）时期的录音母带，揭示了如何通过细微的乐器摆位变化，来补偿低保真带来的音色损失。 随后，本书详细介绍了电容麦克风和电子放大的引入（约1925年起）对爵士乐产生的革命性影响。这不仅使得低音提琴和鼓组的细节得以保留，更重要的是，它为后续的“摇摆乐”（Swing）时代的大乐队提供了清晰度和功率。我们聚焦于杜克·艾灵顿（Duke Ellington）和贝尼·古德曼（Benny Goodman）的录音棚实践，探讨了如何使用多轨技术的前身——混音台——来平衡二十人编制乐队的复杂织体。本章还收录了对几位在三十年代中期活跃的唱片制作人的口述历史，他们讲述了如何在有限的磁带空间内，首次尝试对独奏部分进行强调和修饰的早期实验。 --- 第二部分：音墙的构建——硬波普与立体声的兴起 (1950s – 1960s) “冷爵士”与“硬波普”（Hard Bop）的兴起，标志着爵士乐从大众娱乐向高度复杂的室内艺术的转变。这一时期，录音室本身成为了乐器。本书将大量篇幅献给蓝色之声（Blue Note Records）和里程碑唱片（Milestone Records）的黄金时代。 核心议题在于立体声录音技术的出现及其在爵士乐中的应用。我们详细解析了鲁迪·范·盖尔德（Rudy Van Gelder）等传奇工程师的工作方法。书中通过对《Kind of Blue》或《Saxophone Colossus》等标志性专辑的声学分析，展示了他们如何利用左右声道的精确分离来描绘乐器之间的对话——例如，将萨克斯风置于中央，而将鼓组和贝斯划分到两侧边缘，以此创造出一种“现场感”的错觉。 此外，本部分还深入研究了混响（Reverb）的使用哲学。五十年代末期，一些制作人开始引入大量的板式混响（Plate Reverb）和弹簧混响（Spring Reverb），以模拟大型教堂或音乐厅的声学环境，这极大地塑造了迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）中期作品的空灵氛围。本书还讨论了早期磁带剪辑（Tape Splicing）的艺术，探讨了如何通过物理剪切磁带，来完成现在看来是即时演奏的“完美”瞬间，从而引发了关于“真实性”的讨论。 --- 第三部分：撕裂与重组——自由爵士与效果实验 (1970s – 1980s) 随着爵士乐进入融合（Fusion）和自由即兴（Free Improvisation）的探索阶段，录音技术也迎来了最激进的变革期。本部分关注的是如何用技术手段去捕捉那些传统录音技术难以企及的、充满噪点和结构松散的音乐。 书中详述了模拟合成器（如Moog和ARP）如何被整合进爵士乐的制作流程中，并分析了这些电子音色如何与传统木管乐器产生张力。特别引人注目的是对“声场重塑”（Soundfield Manipulation）技术的探讨，例如使用相移器（Phasers）和镶边（Flangers）来处理小号或颤音琴的声音，使其仿佛在空间中漂移。 此阶段的重点是“噪音美学”的接纳。本书记录了在录制奥奈特·柯尔曼（Ornette Coleman）或约翰·科尔特兰（John Coltrane）后期作品时，工程师们如何在不“驯服”音乐原始能量的前提下，尽量减少或选择性地保留呼吸声、琴弦摩擦声等非传统音乐元素，并将它们提升到艺术表达的层面。对这些录音的详细案例研究揭示了制作人如何平衡商业可接受性与前卫艺术探索的微妙关系。 --- 第四部分：数字的无限——采样、母带与流媒体时代 (1990s – 至今) 本书的最后部分探讨了数字音频工作站（DAW）和CD格式的普及对爵士乐录音带来的根本性改变。数字化的精确性使得录音的“完美”标准被空前提高，但也带来了关于“温暖度”和“动态范围”的争论。 我们详细对比了同一首曲目在黑胶（Vinyl）、CD和高分辨率数字格式（Hi-Res Audio）上的声学差异，探讨了在数字母带处理（Mastering）过程中，响度战争（Loudness Wars）如何影响了爵士乐动态范围的再现。 此外，本书还开辟了一个章节专门讨论采样（Sampling）和Remix文化在当代爵士乐和嘻哈（Hip-Hop）的交界处的应用。例如，探究现代制作人如何从爵士乐的旧磁带中提取片段，通过复杂的数字切片和重组，创造出全新的音乐叙事。最后，本书以对实时流媒体（Streaming）平台上的音频压缩技术对爵士乐音质的长远影响的预测性分析收尾，展望了未来爵士乐录音师可能面临的挑战与机遇。 --- 读者对象 本书适合所有对音乐制作、录音工程、声学物理以及爵士乐历史感兴趣的专业人士和发烧友。它为音乐学院的学生、录音工程师提供了一部技术与美学并重的深度参考资料，同时也为普通爵士乐爱好者提供了一扇独特的窗口，去重新聆听那些耳熟能详的经典唱片背后的“声音故事”。 --- 艾伦·布莱克伍德 是一位资深音乐评论家和音频技术顾问，曾为多家著名唱片公司担任声音修复工程师。他凭借深厚的音乐学背景和卓越的听力，致力于揭示声音技术与音乐创作之间复杂而迷人的相互作用。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字密度高得惊人，简直就像是把一个音乐学博士的十年研究成果，强行压缩进了一本相对轻薄的篇幅里。我必须承认，初读时我感到了一定的挫败感，尤其是当涉及到比波普（Bebop）理论结构和和声进行分析的那几章时，那些关于三全音替代和复杂和弦转换的描述，需要我时不时地停下来，查阅一下乐理书籍来辅助理解。但一旦跨越了最初的知识壁垒，其精妙之处便如冰山浮现一般展露出来。作者对迈尔斯·戴维斯在“冷爵士”时期如何简化旋律线条，以创造空间感和内省情绪的分析，简直是教科书级别的案例剖析。他并没有止步于“好听”的赞美，而是深入骨髓地解构了“为什么好听”，其逻辑链条清晰严谨，论证过程无可辩驳。读完这部分，我感觉自己仿佛从一个被动的听众，瞬间升级成了一个能洞察结构和意图的“内行”。这本书的魅力就在于，它不满足于表面的赞赏，而是执着于揭示隐藏在那些迷人旋律之下的数学般精确的音乐工程学。对于那些寻求深度解析，而非泛泛而谈的读者来说，这绝对是案头必备的参考书。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本关于爵士乐发展史的巨著，我几乎能闻到旧唱片上特有的灰尘和香草味。作者的叙事功力简直是炉火纯青，他没有陷入那种枯燥的年代罗列，而是以一种近乎私密的口吻，将我们带回了那些泥泞的街道和烟雾缭绕的地下俱乐部。最让我震撼的是他对“布鲁斯根源”的追溯，那种对早期音乐家在极端社会压力下如何将痛苦转化为美妙旋律的细腻描摹，让人不禁潸然泪下。他花了大量的篇幅去解析路易斯·阿姆斯特朗从新奥尔良走向芝加哥的心理轨迹，不仅仅是音乐技巧的演变，更是作为一个黑人艺术家在种族隔离背景下，如何通过音乐定义自我身份的深刻探讨。书中的图版选择也极具匠心，那些泛黄的旧照片，有些我从未在任何资料中见过，它们仿佛是时间胶囊，瞬间将我拉回了那个“摇摆时代”的黄金岁月。阅读过程中，我频繁地停下来，去寻找书中提到的那些经典录音，每一次重听，都因为有了作者的背景解读而获得了全新的维度。这是一本不仅献给老乐迷，更是为所有对美国文化史感兴趣的人准备的百科全书式的杰作。它教会我的，远不止是音符的排列组合，更是理解一种音乐如何成为一代人反抗与自由的呐喊。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的装帧设计简直是一场灾难，封面过于朴素，初次在书店看到时几乎要错过它，感觉像是上个世纪末期的学术期刊。然而，一旦你进入到文本内部，那种朴实无华的外表便被抛诸脑后了。作者在叙事上的节奏感掌控，简直可以媲美最顶尖的打击乐手。他在描述1950年代末期，自由爵士乐（Free Jazz）如何像一场音乐上的“核爆炸”般席卷乐坛时，文字的推进速度和爆发力是惊人的，充满了不可遏制的能量，让人手心冒汗。随后，他又能在描述到查理·帕克（Charlie Parker）的悲剧性人生时，瞬间切换到一种近乎挽歌般的沉静与哀伤，语速放缓，细节堆叠，充满了对天才陨落的惋惜。这种高超的叙事动态控制，使得阅读过程充满了起伏跌宕，绝无平铺直叙的枯燥。我发现自己不仅是在阅读一部音乐史，更是在跟随一位技艺精湛的指挥家，体验一场情绪的交响乐。这本书，是用文字演奏出的最好的即兴段落，它教会我，好的故事，其节奏感比内容本身更重要。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个漫长的雨夜，抱着一种姑且一试的心态开始读这本书的，没想到，它迅速成为了我过去一年里，精神世界里最活跃的氧气瓶。这本书最让我倾心的是它对“地域差异”的精彩描绘。作者的笔触是如此的鲜活，他成功地捕捉到了纽约哈莱姆区爵士乐的狂野奔放，与西海岸酷派爵士乐那种带着加州阳光般疏离感的冷静之间，那种微妙却又深刻的文化张力。他笔下的芝加哥，仿佛是一个充满原始生命力的熔炉，那里的大乐团（Big Band）散发着一种不容置疑的权威感；而当故事转到欧洲，尤其是在战后巴黎的地下沙龙里，爵士乐又蜕变成了一种知识分子表达疏离和反叛的哲学载体。这种宏大的地理跨度和文化语境的切换，丝毫不显突兀，反而构建了一种全球性的音乐对话。书中对不同流派音乐家生活环境的侧面描写，让人深切体会到，音乐的风格变化，从来都不是孤立的，而是时代、政治、社会阶层共同作用下的必然产物。读完，我立刻忍不住打开了播放列表，迫不及待地想去“听”出那些文字中描绘的地理风貌和时代情绪。

评分☆☆☆☆☆

我是一个资深乐迷，阅读了无数关于爵士乐的传记和评论集，但这本书提供了一种极其罕见的、侧重于“制作工艺”的视角。它不是在谈论哪个萨克斯风手吹得更响亮，而是深入到了录音室的技术层面，这对我来说简直是醍醐灌顶。作者花费了整整两章的篇幅，去剖析鲁迪·范·盖尔德（Rudy Van Gelder）这位传奇录音师，是如何通过麦克风的选择、房间的声学处理，以及后期的混音技巧，来塑造不同时代爵士乐的“听感”。书中详尽地解释了为什么早期的蓝唱片（Blue Note Records）录音听起来如此“温暖”和“立体”，而某些后期厂牌的录音却显得扁平和“数码化”。这种技术层面的剖析，彻底颠覆了我以往对“好录音”的模糊认知。它让我意识到，音乐家创造的杰作，需要录音师的“翻译”才能准确无误地传达给听众。这种对幕后英雄的致敬，以及对声音物理学与艺术完美结合的探讨，使得这本书超越了单纯的音乐评论范畴，进入了声音工程学的殿堂。这是我读过的最富技术含量的音乐解读，令人敬佩。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆