The Virgin Encyclopedia of Popular Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:St Martins Pr

作者:Larkin, Colin (EDT)

出品人:

页数:1430

译者:

出版时间:

价格:75

装帧:HRD

isbn号码:9781852279233

丛书系列:

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《环球音乐史诗：从古老旋律到数字时代的全球音乐景观》 本书旨在勾勒一部宏大而精微的全球音乐发展史，深入剖析音乐作为人类文化核心载体的演变轨迹、社会功能及其对不同文明形态的深刻影响。我们拒绝将音乐局限于某一特定地域或流派的狭隘视角，而是致力于构建一个跨越数千年、横跨五大洲的音乐全景图。 第一部分：起源与古典的奠基（公元前5000年 – 公元1500年） 本章追溯音乐的最早起源，探讨史前人类社会中，声音、节奏与仪式之间的原始联系。我们将审视美索不达米亚、古埃及和古代中国的早期乐器形制与乐谱残留，分析它们在宗教祭祀和宫廷娱乐中的作用。重点章节将放在古希腊音乐理论的重建工作，尤其关注毕达哥拉斯对音高和数学关系的发现，以及柏拉图和亚里士多德对“乐治”思想的阐述，这些构成了西方音乐哲学的基石。 随后，我们将转向中世纪欧洲，细致考察格里高利圣咏的定型过程，探讨其如何服务于天主教会的礼仪生活，并研究记谱法（从纽姆到五线谱）的演进如何使得音乐可以被精确地记录和传播。同时，本书不会忽略同时期在伊斯兰世界和拜占庭帝国的音乐成就，如波斯音乐家对音阶和复调思想的早期探索。在中世纪晚期，我们将分析游吟诗人（Troubadours/Trouvères）的世俗歌曲对地方语言和叙事艺术的贡献，为文艺复兴的世俗化浪潮埋下伏笔。 第二部分：文艺复兴与巴洛克的辉煌（1500年 – 1750年） 文艺复兴时期是人文主义精神解放音乐创作的时代。本部分重点分析佛兰德学派（如雅各布斯·奥布雷赫特）对对位法的精湛运用，以及伊丽莎白一世宫廷音乐的繁荣景象。我们将详细阐述印刷术对音乐传播的革命性影响，以及牧歌（Madrigal）如何成为表达复杂人类情感的载体。 过渡到巴洛克时期，本书将约翰·塞巴斯蒂安·巴赫和乔治·弗雷德里克·亨德尔视为高峰，但分析将超越德奥两国。我们深入研究意大利歌剧（Opera）在佛罗伦萨的诞生及其在蒙特威尔第手中确立的戏剧性原则。威尼斯和那不勒斯学派的差异、法国路易十四宫廷芭蕾的规范化，以及德国清唱剧（Oratorio）的兴起，都将得到细致的文献支撑。本部分也将探讨协奏曲（Concerto）和奏鸣曲（Sonata）形式的早期发展，以及数字低音（Basso Continuo）在确立音乐结构稳定性的关键作用。 第三部分：古典主义、浪漫主义与民族主义的勃发（1750年 – 1900年） 古典主义时期，我们聚焦于维也纳三杰——海顿、莫扎特和贝多芬。分析重点在于他们如何将复杂的结构（如奏鸣曲式）应用于交响乐、四重奏和协奏曲中，确立了清晰、平衡与形式完美的新美学标准。 进入浪漫主义时代，音乐的主题转向个体情感的极端表达、对自然和超自然事物的迷恋。本章将详细考察舒伯特（Lied）、肖邦（钢琴独奏曲）和李斯特（交响诗）如何利用和声的扩展、音色的细微变化以及技巧的炫耀来表达“崇高”与“忧郁”。同时，我们也审视了瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念如何挑战了传统歌剧的界限，以及勃拉姆斯对古典传统的继承与反思。 民族乐派（如德沃夏克、格里格、穆索尔斯基）的崛起，是本部分的关键议题。我们将探讨作曲家们如何从民间音乐、传说和本国历史中汲取灵感，以构建区别于德奥传统的独特国家音乐身份。 第四部分：二十世纪的音乐革命与多元化（1900年 – 1970年） 二十世纪是音乐史上最为剧烈变革的时期。我们首先分析德彪西和拉威尔对印象主义色彩的探索如何瓦解了主调和声的传统根基。随后，是对“革命”的深入剖析：斯特拉文斯基的《春之祭》如何以原始节奏震撼巴黎；勋伯格的无调性（Atonality）和十二音体系（Serialism）如何寻求新的结构秩序；以及巴托克在民间音乐田野调查中发现的现代主义潜力。 战后，欧洲的“新古典主义”与美国的“现代主义”并行发展。本部分将详细讨论欧洲的序列音乐（如布列尼的泛音列分析）与美国在约翰·凯奇领导下的概率音乐和偶然音乐（Aleatoric Music）的激进实验。同时，我们不会忽视对电子音乐和具体音乐（Musique Concrète）的早期探索，这些技术创新为后来的音乐生产奠定了基础。 第五部分：大众音乐的崛起与全球互联（1920年至今） 本部分将视角投向新兴的大众文化领域，分析技术（录音、广播、电子合成器）如何彻底重塑了音乐的消费模式。我们将系统考察爵士乐（Jazz）的根源、演变（从新奥尔良到摇摆乐、比波普到冷爵士），及其作为美国非裔文化核心的社会意义。 随后，本书深入探讨摇滚乐（Rock and Roll）在战后社会的文化冲击力，分析布鲁斯、乡村音乐与节奏布鲁斯（R&B）如何融合，并分流出硬摇滚、迷幻摇滚和朋克等分支。对拉丁美洲音乐（如探戈、波萨诺瓦）和二十世纪后半叶世界音乐（World Music）概念的形成，提供了全球视野。 最后，本书探讨了电子舞曲（EDM）、嘻哈音乐（Hip Hop）的结构创新，以及互联网和流媒体技术如何打破了传统唱片工业的壁垒，使得音乐创作和消费进入了一个高度碎片化、无国界共存的时代。本书的结论部分，将审视当代音乐在哲学、技术与社会身份构建中的持续角色。 本书的叙事策略是：将技术进步、社会政治环境、哲学思潮与音乐本体论的变化紧密结合，以期提供一个既具深度又广博的音乐文化编年史。全书依赖于对原始乐谱、历史文献、田野调查报告和当代批评理论的综合性分析。

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说到底，这本《The Virgin Encyclopedia of Popular Music》给我的感觉，就像是翻看一本非常详尽但已经有些过时的老式唱片目录。它在记录“事实”方面或许还算称职，比如某某乐队的成立年份、主唱名字之类的基础信息，但它在阐释“意义”方面则显得力不从心。流行音乐的魅力，往往在于它如何反映和挑战当时的社会思潮，它如何与时尚、政治、技术变革交织在一起，形成一个复杂的文化场域。然而，这本书在处理这些深层连接时，显得格外谨慎和保守。它罗列了大量的名字和日期，却很少深入挖掘这些名字背后的驱动力，或者说，挖掘得非常肤浅，停留在社会现象的表面描述。我期望的是一本能够激发我进一步去探索和质疑的工具书，一本能让我合上书本后，立刻去寻找那些被它忽略的音乐的指南。很遗憾，这本书更像是一个终点，一个信息量饱和但思想性贫瘠的知识尽头，而不是一个充满潜力的、通往更深层次音乐世界的入口。它更像是一份详尽的讣告，而非一个充满生命力的音乐编年史。

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我花了整整一个下午，试图从这本书里找到关于世界音乐（World Music）跨界合作的深度分析，毕竟在当代音乐语境下，这种融合是多么重要且富有创造力。然而，每一次当我满怀期待地翻到相关条目时，感受到的只有一种冰冷的、列表式的罗列感。它似乎把“世界音乐”仅仅视为一个可以被快速归档的标签，而不是一个充满活力、不断演变的文化熔炉。举例来说，对于拉美音乐，特别是探戈和波萨诺瓦如何被后来的电子音乐家重新采样和解构的过程，这本书的论述浅薄得令人发指。它更像是上世纪八十年代末，唱片店里那种试图快速分类的标签系统，而不是一本严肃的音乐史著作。它的叙事结构似乎遵循着一种非常线性的、以英美为主导的摇滚/流行发展史脉络，一旦跳出这个舒适区，其深度和广度就急剧下降。我甚至觉得，这本书里对某些非西方音乐风格的描述，带有一种潜意识的“他者化”倾向，将它们视为“异域风情”的装饰品，而非驱动音乐演进的核心动力。对于一个渴望了解全球音乐版图的读者来说，这本书给出的地图，只有一块被过度标记、色彩斑斓的核心区域，而广阔的周边地带，则是一片模糊的留白，让人感到极大的知识缺失的挫败感。

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阅读体验的连贯性也是个大问题。这本书的条目组织方式，虽然看似“百科全书式”的独立性很强，但缺乏一种动态的、能够展现音乐文化互相影响和渗透的宏大叙事。当我试图追踪某个音乐理念（比如朋克的DIY精神）是如何从七十年代传播到八十年代的独立音乐场景，并最终影响了九十年代的电子乐边缘群体时，我发现自己像是在做一场捉迷藏游戏，需要在几十个互不关联的词条之间来回跳跃，并且需要自己用笔在不同章节之间画连接线。它没有提供一个强有力的“时间轴”或“思想脉络图”来帮助读者理解这些看似孤立的流派是如何呼吸和相互作用的。更令人沮丧的是，对于那些仅仅昙花一现，但却在特定小圈子里引发了巨大震动的“运动”或“场景”，这本书几乎没有给予足够的篇幅去捕捉其精髓，更别提分析其文化冲击力了。它更偏爱那些成功“上岸”并被主流认可的音乐实体，而那些在浪潮中沉没的、充满实验性的尝试，则被无情地遗弃在了页面的边缘，这使得这本书的“流行音乐史”的视角显得过于狭隘和功利。

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这本书，天呐，我简直是抱着朝圣的心态把它请回家的，毕竟名字里带着“全景百科”的雄心壮志，想着能一举攻克我心中那些关于流行音乐的知识盲区。结果呢？读完之后，我得说，它更像是一本精心编排的、带着浓厚英伦情怀的、面向特定年代乐迷的“回忆录”，而不是一个真正包罗万象的“圣经”。举个例子，如果你想深入了解八十年代末九十年代初英国独立摇滚浪潮中那些地下厂牌的运作模式，或者想知道某个鲜为人知却极具影响力的女性制作人在那个时代是如何挣扎求存的，这本书里的信息量简直少得可怜，仿佛只是蜻蜓点水般带过。它更热衷于那些已经板上钉钉、被主流媒体反复咀嚼过无数遍的超级巨星的生平八卦和销量数据，对于那些真正推动音乐边界、悄无声息改变了音乐生态的边缘力量，它似乎缺乏足够的耐心去挖掘。当我翻到关于九十年代中期美国另类音乐的章节时，那种感觉尤其强烈，仿佛作者的笔触在接触到更“晦涩”的领域时，就自动进入了低功率模式。它像是一个非常可靠但略显保守的向导，只会带你去最安全、最知名的景点，而那些隐藏在小巷深处的、充满惊喜的音乐宝藏，它却视而不见，或者说，根本没有能力带我们抵达。这让人不禁怀疑，这本“百科”的“普及”范围，到底是以谁的听觉经验为中心的？

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说实话，这本书的排版和视觉设计倒是挺有那个时代特有的怀旧气息的，但如果仅凭这一点来支撑其“百科”的地位，那未免过于敷衍了。我特别关注了它对音乐理论和技术进步的探讨，希望它能解释一下某个里程碑式的音色是如何被创造出来的，比如合成器音色的革命，或者录音棚技术对特定流派的影响。但你猜怎么着？这些内容往往被压缩到寥寥数语，用一种极其简化的方式带过，仿佛技术细节对于“流行音乐”的理解来说是多余的负担。它更像是给那些只对“谁唱了什么歌”感兴趣的听众准备的读物，对于那些想知道“这首歌是如何被做出来的”的求知欲，它几乎没有满足。我尝试查找关于早期数字采样技术在嘻哈音乐中应用的细微差别，结果，我只找到了一堆关于几位著名说唱歌手的歌词主题的讨论，而支撑起整个流派的底层技术革新却被完全忽略了。这就像是拿到了一本汽车维修手册，里面详细描述了车主的着装风格，却对发动机的工作原理只字不提。这种取舍，对于一本号称“百科”的书籍来说，无疑是本末倒置。

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