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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Corigliano, John

出品人:

页数:12

译者:

出版时间:

价格:85.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9780634001840

丛书系列:

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《寂静的呼唤：二十世纪后半叶美国音乐的肖像》 作者：[虚构作者名：伊莱亚斯·范德比尔特] 出版社：[虚构出版社名：星辰之光人文出版社] 出版年份：[虚构年份：2018] 字数：约1500字 --- 导言：风暴前的宁静与喧嚣的交织 本书旨在深入剖析二十世纪后半叶（1950年至2000年）美国古典音乐与实验音乐领域所经历的深刻变革与内在张力。这是一个充满矛盾的时代：一方面，传统音乐学院的壁垒依然存在，对“严肃音乐”的定义受到保守势力的坚守；另一方面，战后技术革新、民权运动的兴起、爵士乐与摇滚乐的巨大文化冲击，共同撕扯着既有的美学框架，催生出前所未有的声音实验与情感表达。 我们并非试图描绘一部流水账式的作曲家名录，而是聚焦于那些在特定历史节点上，以其独特的创作语言，对“美国声音”进行重新定义和探索的先驱者和关键人物。这些作曲家或身处学院深处，挑战着序列主义的僵化教条；或活跃于民间边缘，试图弥合艺术音乐与大众文化之间的鸿沟。他们的作品，如同那个时代美国社会自身的缩影，既有对欧洲宏大叙事的继承与反思，更有对本土经验的直接回应与批判。 本书的结构围绕三个核心议题展开：“学院内的革命与反思”、“电子声场与空间的重构”、“叙事、身份与地域性”，力求全面展现这一时期音乐图景的复杂性、矛盾性与蓬勃的创造力。 --- 第一部分：学院内的革命与反思：从序列主义到后现代的转向 二十世纪中叶，受欧洲达姆施塔特学派影响，以韦伯（Webern）式的严谨逻辑为圭臬的十二音体系和全面序列主义一度成为美国顶尖音乐院校的官方语言。然而，这种高度理性化、去情感化的创作方式，很快在美国这片强调个人主义和实用主义的土地上遭遇了挑战。 本章首先追溯了早期序列主义在美国的传播路径，分析了特定学派如何利用学术权力固化其地位。但真正的转折点在于那些开始质疑“纯粹结构”的作曲家。我们深入探讨了特定人物如何从结构主义的桎梏中解放出来，转向一种更具人文关怀和可听性的表达。 这种转向并非简单的回归调性，而是在继承了十二音的音高控制力之后，重新引入了节奏的自由度、音色的丰富性，以及对非西方音乐元素的谨慎吸收。 重点分析了“新简约主义”（New Simplicity）的萌芽，这种趋势是对前一时期的过度复杂化的反动。它体现在对重复结构、慢速变化和清晰纹理的偏爱上。这种“反叛”并非对现代主义的全然抛弃，而是一种策略性的重构：如何在保持智性深度的同时，重新激活听众的情感参与度。我们通过分析特定作品的记谱法和首演现场的反响，揭示了这种内在的张力——学院派如何努力在保持其高冷姿态的同时，吸收来自民间和更具即时感染力的音乐元素。 第二部分：电子声场与空间的重构：磁带、合成器与声音的拓扑学 二战后，录音技术和电子工程的飞速发展，为音乐家打开了一扇通往“无限声音”的大门。本部分聚焦于电子音乐（Musique concrète, Elektronische Musik, 以及后来的合成器音乐）在美国的发展脉络。这不是一个关于技术指南的章节，而是关于声音如何成为作曲家构建新“宇宙”的原材料。 我们考察了那些在大学实验室和私人工作室中，将磁带切割、拼接、变速作为主要创作手段的先驱者。他们的兴趣点不再仅仅是音高和节奏，而是声音的物理属性、时间伸展、空间化处理。通过对特定先驱者使用多轨录音和早期模块化合成器的案例分析，我们看到声音的“拓扑学”——即声音在时间和空间中的形态变化，如何取代了传统的和声进行。 更重要的是，我们探讨了这种新媒介对“演奏”概念的颠覆。当音乐主体从乐器转移到预先录制或实时合成的声音时，作曲家的角色从“指挥家”转变为“声音的建筑师”或“频谱的策展人”。这与当时流行的“偶发音乐”或“过程音乐”形成了有趣的回应，共同挑战了音乐表演的传统神圣性。我们关注了如何利用电子技术来模拟或解构自然界和工业环境的声音，从而创造出一种具有强烈“美国景观”感知的听觉体验。 第三部分：叙事、身份与地域性：声音中的社会肌理 二十世纪后半叶的美国，社会光谱异常活跃，民权运动、反战情绪、身份政治的崛起，无不要求艺术做出回应。本章探讨了音乐如何成为承载特定社会叙事和个人身份认同的载体。 许多作曲家开始有意识地从非欧洲中心的美学传统中汲取灵感。这包括对美国原住民音乐元素的吸收、福音音乐的节奏活力、以及早期爵士乐的即兴精神。然而，这种借鉴并非简单的挪用，而是一种复杂的文化对话——如何在不落入“异域情调化”陷阱的前提下，将这些本土的、具有深刻社会意义的声音材料整合进“严肃”的创作框架中。 此外，本书详细考察了“地域性”的概念如何被重新定义。美国的地域辽阔，从新英格兰的严谨到西海岸的开放，都有其独特的声音生态。我们分析了特定作曲家如何通过作品的标题、配器选择或特定的听觉意象，明确地将他们的作品植根于特定的地理环境或社区记忆之中，以此对抗抽象主义的普世论调。音乐不再是脱离现实的纯粹形式游戏，而是成为一种具有强烈个人叙事和集体记忆指涉的工具。 结语：未完成的对话 本书最终呈现的图景是一个充满活力、不断自我否定与重构的音乐生态。1950年代至2000年的美国音乐，完成了从对欧洲传统的辩证继承，到真正确立具有世界影响力的“美国声音”的跨越。这种声音是复杂的、多元的、常常是相互矛盾的——它在学院的严谨与街头的喧嚣之间寻找平衡，在电子的冷峻与人性的温暖之间穿梭。 我们观察到的，是一群不满足于现状的创作者，他们使用当时的最新技术和最深刻的社会关怀，为后来的音乐发展奠定了基础。他们的探索，至今仍是理解当代音乐景观不可或缺的钥匙。 --- [书中不涉及的作曲家和主题说明： 本书的焦点完全集中在二十世纪下半叶的“艺术音乐”领域。因此，它不包含对约翰·科里利亚诺（John Corigliano）的任何具体分析，特别是关于他的歌剧《幽灵之舞》或他为电影创作的配乐的探讨。全书的分析框架避开了对晚期浪漫主义或新浪漫主义风格的深入挖掘，而是聚焦于实验性、序列性、电子化以及对后现代主义美学的反应。关于古典主义继承、传统管弦乐配器技巧的详尽讨论，或对特定时间点（如世纪之交前夕的音乐市场变化）的直接考察，均被有意地排除在叙事核心之外，以确保对核心主题的集中论述。]

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这部作品在语言上的驾驭能力达到了令人咋舌的高度，简直是文字的魔术。作者毫不吝啬地展现了其对词汇的精准选择和排列组合的独到眼光。它的句式变化极为丰富，时而出现长达数行的复杂从句，层层递进，将一个宏大的意象包裹得严严实实，读起来酣畅淋漓；时而又骤然切换为短促、斩钉截铁的短句，像是一记记重锤，砸在读者的心口，令人喘不过气。我特别留意了作者处理比喻和象征时的手法，它们绝非陈词滥调的套用，而是新颖、甚至带着一丝怪诞的美感，每一个比喻都像是为特定情境量身定制的独特符号。这种对语言形式的极致追求，使得阅读体验本身变成了一种艺术享受。它强迫你关注“如何说”多于“说了什么”，成功地将叙事载体——文字本身——推到了舞台中央，让文本的质地、音韵和肌理都成为了故事的一部分。

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这部小说的结构布局，简直像一座精心设计的迷宫，初读时可能会感到迷失方向，但一旦抓住某个关键的线索，便会发现所有看似零散的碎片，其实都紧密地嵌合在一个宏大且对称的整体结构中。作者显然对叙事的“回环”艺术有着深刻的理解，一些在开篇看似无关紧要的细节或道具，会在故事的后半段以一种令人拍案叫绝的方式重新出现，完成一次意义上的闭环。这使得重读的体验价值极高，每一次回溯，都能发现新的连接点和隐藏的伏笔。它要求读者具备极强的记忆力和对文本细节的敏感度，去捕捉那些微小的线索。相比于那种一气呵成的故事，这种需要读者不断回顾、比对、重构的阅读方式，无疑更具智力上的挑战和乐趣。它成功地将阅读本身变成了一场智力游戏，让读者在解谜的过程中，体验到叙事建构的精妙之处。

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让我印象最深的是作品中那种难以言喻的“疏离感”。书中人物之间的互动，总是隔着一层厚厚的、看不见的玻璃。他们或许身处同一房间，共享着同一段对话，但彼此的内心世界却如同遥远的星系，各自运行着自己的轨道，鲜少产生真正的交集。这种疏离感并非源于人物的冷漠，而更像是一种时代或命运强加于个体的宿命。作者极其擅长通过环境的空旷、对话中的停顿和未尽之意，来营造这种氛围。你看着他们试图沟通，却一次次地擦肩而过，那种徒劳的努力，比直接的冲突更能让人感到悲凉。我曾一度怀疑，这是否是对现代社会人际关系的一种深刻隐喻——我们比以往任何时候都更“连接”，却也可能从未如此“孤独”。这种对人性深层孤独感的捕捉和呈现，使得整部作品笼罩着一层清冷而迷人的光晕。

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这部作品的叙事节奏掌握得炉火纯青，仿佛一位技艺精湛的指挥家，精准地调动着读者的情绪。开篇的铺陈，没有丝毫多余的赘述，每一个场景的切换都如同乐章的起承转合，自然而然地将人带入那个错综复杂的世界观之中。尤其值得称道的是作者对于“空白”的运用，那些未被言明、需要读者自行填补的意象，非但没有造成阅读上的障碍，反而如同留白的画卷，极大地激发了想象的空间。我尤其欣赏其中对环境氛围的细致描摹，那些湿润的空气、斑驳的光影，甚至是微弱的声响，都被捕捉得栩栩如生，让人仿佛能透过文字嗅到纸张上的尘土气息。情节推进中，人物的情感冲突处理得极其微妙，没有歇斯底里的爆发，更多的是内敛的张力，那种压抑在胸腔里、随着呼吸起伏的无力感，真实得让人心头发紧。总的来说，这不仅仅是一本书，更像是一次沉浸式的体验，它要求你放慢脚步，用心去聆听那些潜藏在字里行间的低语，是一次对阅读耐心和理解力的深刻考验，但回报是极其丰厚的精神满足感。

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读完之后，我脑海中萦绕的，是一种近乎于哲学思辨的余韵。作者似乎并不急于给出一个明确的答案或道德评判，而是将一连串极具冲击力的事件摆在你的面前，任由你自行去消化和建构意义。这种处理方式，对于习惯了线性叙事和明确指引的读者来说，或许会带来初期的困惑，但一旦你适应了这种“开放式结局”的叙事节奏，便会发现其魅力所在。文本中对时间概念的解构尤其令人玩味，过去、现在与未来仿佛被揉成一团，相互渗透，使得对“真实”的定义变得模糊不清。我反复揣摩了几个关键段落，发现那些看似随意的片段组合，实则暗藏着精密的结构性关联，需要反复咀嚼才能品出其中精妙的呼应。它更像是一面多棱镜，你从不同的角度去看，会折射出截然不同的光芒和理解。这种需要读者主动参与“建构”过程的文本，无疑是极具挑战性，但也是最能留下深刻印记的作品。

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喜欢Corigliano的谱子，和那把用血漆成的红提琴。

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