Ultimate Beginner Rock Drums Basics pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Alfred Pub Co

作者:Testa, Joe

出品人:

页数:52

译者:

出版时间:

价格:$ 14.63

装帧:Pap

isbn号码:9781576235614

丛书系列:

图书标签:

• 鼓
• 架子鼓
• 初学者
• 基础
• 摇滚
• 节奏
• 技巧
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• 音乐教育
• 打击乐

鼓手进阶之路：从节奏新手到律动大师 这是一本专为有志于精通架子鼓艺术的鼓手们量身打造的进阶指南。它摒弃了针对完全零基础的入门内容，直接切入到那些让你的演奏脱胎换骨的关键技术、音乐理解和实战应用。如果你已经掌握了基本的握棒技巧、能稳定地打出四分音符和八分音符，并对基础的节奏型（如摇滚基础律动）感到游刃有余，那么这本书将是你迈向专业水准的下一站。 --- 第一部分：精炼鼓组控制与动态雕琢 本部分的核心目标，是将你从“能把音符打对”的阶段，提升到“能用鼓点说话”的境界。我们假设你已经知道什么是“敲击”（Strike），但我们将深入探讨如何实现精确的动态控制，这是区分业余与专业鼓手的重要分水岭。 1.1 细微的力度对比与音色塑造 我们不会复习如何使用鼓刷或鼓槌，而是专注于如何用同一副鼓槌，在不同的击打点和不同的力量下，创造出丰富的声音纹理。 微调技术（Micro-Dynamics）： 深入解析如何在PP (Pianissimo) 和 MF (Mezzo Forte) 之间实现平滑过渡。我们将重点训练“Ghost Note”的精确控制——如何让它们既存在于背景，又不会被主节奏淹没。这需要极高的手指和手腕控制力。 鼓皮共振的利用： 探讨如何通过击打不同位置（鼓心、鼓圈边缘、靠近鼓边的区域）来激发军鼓、嗵鼓的特定泛音。内容将包含一系列针对性练习，旨在让你在演奏中能够即时地、有意识地选择特定的音色，而非随机的撞击。 踩镲的哲学： 进阶的踩镲演奏不仅仅是踩开和踩闭。我们将分解“半开”（Half-Open） 踩镲的微妙控制，以及如何通过脚踝的力量变化，创造出类似“嚓-嚓-嚓”的连贯性音效，这在放克（Funk）和融合爵士（Fusion）中至关重要。 1.2 协调性的极限挑战：非对称律动 抛开你已经熟练掌握的1、2、3、4拍下的基础节奏，本章将挑战你的四肢独立性，重点攻克那些需要大脑进行多线程处理的复杂交织。 三连音的渗透： 学习如何将三连音（Triplets）自然地融入到以四分音符或八分音符为主的节奏结构中。这包括在底鼓和军鼓上同时演奏复杂交错的三连音型，以及如何将其应用于布鲁斯摇摆（Shuffle） 的高级变体。 重音的转移与迷惑： 研究那些故意打破听众预期，将重音放置在“不该出现”位置的节奏模式。这对于创作抓耳的鼓点至关重要。我们将解构一些经典的放克和拉丁节奏中，底鼓和军鼓的重音如何精确地“错位”，创造出律动上的张力。 手脚分离的精确计时： 引入计时器辅助训练，专注于那些对手脚协调要求极高的节拍，例如：底鼓演奏八分音符，而军鼓和踩镲在固定位置上演奏不规则的十六分音符组合。 --- 第二部分：节奏语言的扩展与风格化应用 本部分旨在拓宽你的音乐视野，让你能够熟练地在不同音乐风格的“语言”之间切换，并理解这些风格背后的节奏逻辑。 2.1 拉丁节奏的深度挖掘 这不是关于基础的Conga或Timbales模仿，而是关于将拉丁节奏的核心律动（Groove DNA） 融入到标准鼓组演奏中。 Clave（克拉夫）的内在化： 深入理解2/3和3/2 Clave的结构，并训练如何在不使用传统打击乐器的情况下，用军鼓和底鼓准确地“演奏”出 Clave 的脉冲。这是掌握Salsa、Mambo和Bossa Nova等风格的基石。 进阶的Son与Cha-Cha-Cha： 解析这些节奏中底鼓的复杂性——如何用底鼓制造出推进感，而不是仅仅作为节拍器。我们会提供一系列练习，让你在演奏中融入更多的“切分”（Syncopation）。 2.2 爵士鼓的精髓与即兴思维 对于任何希望成为全面鼓手的人来说，爵士乐是不可逾越的高峰。本部分着重于“流动性”和“对话感”。 Ride Cymbal的统治力： 掌握经典的“提琴手（Ride Pattern）”，并学习如何在保持主导节奏的同时，用军鼓和嗵鼓进行“呼应”（Comping）。内容将详细分析如何“跟上”即兴独奏者的旋律线条。 Walking Bass Line（行进贝斯线）的鼓组翻译： 学习如何用底鼓和踩镲模拟行走贝斯线的推进感，使整个鼓组成为一个持续向前流动的实体，而非简单的节奏支撑。 Fill的“非线性”设计： 摆脱标准的“上嗵-中嗵-下嗵-军鼓”式的固定填充乐句。本章教授如何基于你正在演奏的和声或旋律动机，设计出听起来像是“对话回应”的即兴填充。 2.3 现代金属与前卫节奏的结构解构 针对那些寻求速度、精确性和复杂时值处理的鼓手。 双踏的持续耐力与清晰度： 训练重点在于如何保持双脚节奏的绝对稳定性和声音的独立性，尤其是在高速演奏下，底鼓和高音军鼓的清晰度不能下降。 节奏的度量变换（Time Signature Changes）： 挑战你在5/4、7/8甚至更复杂的拍号中保持“律动感”的能力。我们将分析如何将复杂拍号分解为可演奏的、易于记忆的“小片段”组合，确保过渡的平滑。 --- 第三部分：乐团中的角色定位与录音室实践 本书的最后部分，将理论与实践相结合，专注于你在真实音乐场景中的表现力。 3.1 鼓手与音乐对话的艺术 本章不是关于如何打得响亮，而是关于如何打得“合适”。 伴奏的艺术（The Art of Support）： 深入探讨如何在乐队中“聆听”吉他手、贝斯手和主唱，并适时地调整自己的音量和密度。例如，在主唱唱低音区时，军鼓的力度应该如何自然减弱。 即时编曲与动态调整： 学习如何根据现场气氛和乐队成员的即兴发挥，即时改变你的节奏型或填充乐句的复杂程度，成为乐队的“情感调控中心”。 3.2 录音室技巧与声音工程初探 在你追求演奏完美的同时，你也需要了解你的声音是如何被世界听到的。 麦克风摆位对音色的影响（进阶视角）： 了解过度侧重于军鼓上方的麦克风如何“扼杀”低频，以及如何通过调整军鼓侧方的麦克风角度来捕捉到更清晰的“响弦”（Snare Wires）声音。 节奏的“量化”与“人性化”： 讨论在数字音频工作站（DAW）中，如何平衡节奏的绝对精确性（Quantization）与保持演奏中自然流露的人性化微小误差（Swing/Humanize）。这对于制作现代流行或电子音乐至关重要。 动态处理的初步概念： 了解压缩器（Compressor）是如何被用来控制鼓组的动态范围，以及过度压缩会导致声音听起来“扁平”的风险，从而指导你在演奏时如何预先处理好自己的动态。 总结： 这本指南提供的是一把精密的工具箱，而非一份简单的地图。它要求你已经具备基础的体力和技巧，并准备好将你的音乐思维提升到更高的维度。准备好抛弃那些简单的重复练习，迎接真正考验你音乐理解力和肢体协调性的挑战。

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作为一本声称是“终极初学者”的教材，这本书在“如何学习”的教学方法上显得极其僵化和脱节。它几乎完全依赖于传统的“看谱-模仿”模式，缺乏任何现代学习工具应有的互动性和趣味性。我特别注意了它在“进阶”方面的引导，但发现这个“进阶”的概念极其模糊。它似乎认为只要你掌握了那几个最基本的四四拍节奏，你就自动进入了下一个阶段，但它完全没有提及如何识别和模仿不同流派的鼓手风格，比如硬摇滚的扎实感，或者朋克的速度与激情。更让我感到沮丧的是，它对“练习”的建议非常空泛。它只是简单地说“多加练习”，却从不提供任何有效的练习方法论，比如如何使用节拍器进行渐加速练习，或者如何进行“慢速精炼”的训练来提高准确性。我更希望看到一些挑战性的“任务”或“项目”，比如“尝试用这个节奏型完成一首三分钟的歌曲”，而不是仅仅停留在“数拍子”。这种教学方式的缺失，使得这本书的实用价值大打折扣，它似乎更关心的是“教会你什么是鼓的组成部分”，而不是“教会你如何用鼓去表达摇滚精神”。

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这本书的封面设计简直是教科书级别的“误导”。当我兴冲冲地抱着它，满怀对摇滚鼓的憧憬回到家，打开第一页时，映入眼帘的不是那些让我心跳加速的强劲节奏和炫酷技巧，而是一堆关于如何正确握鼓槌、如何调整鼓凳高度的基础到不能再基础的图文解说。老实说，对于一个已经有点经验的鼓手来说，这些内容简直是在浪费时间。我期待的是关于复杂踩镲技巧的深度解析，或是关于如何处理双踩的进阶秘籍，结果呢？全书都在教我如何“站稳脚跟”，如何“找到正确的敲击点”。这感觉就像是买了一份米其林三星食谱，结果里面只有如何洗菜和切洋葱的详细指南。我理解“基础”的重要性，但对于目标是“摇滚乐”的读者而言，这本书的“基础”似乎过于初级，甚至可以说是对“摇滚”这个词的一种“过度简化”。我甚至花了很大篇幅去研究附带的CD，希望能找到一些能让我热血沸腾的片段，但CD里放的更多是缓慢的、极其简单的节拍练习，听起来像是给三岁小孩做的音乐启蒙课。如果书名能改成“鼓的物理学入门”或者“握持技术的深度剖析”，或许我还能接受，但“Ultimate Beginner Rock Drums Basics”这个名字，给我的感觉就是一种承诺落空后的空虚。

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这本书的排版和视觉呈现简直是一场灾难，它让我怀疑设计者是不是对“摇滚”这个词有什么生理上的反感。整个版面充斥着大量的留白和那种老派的、毫无生气的字体。你翻开它，感觉就像走进了一家古板的公共图书馆，而不是一个充满汗水和电吉他音箱轰鸣的排练室。我本来以为会看到一些充满力量感的鼓谱符号，一些展现快速切分音的视觉冲击力，结果呢？那些节奏图示小得可怜，而且印刷质量非常一般，有些低音鼓的符号甚至有些模糊不清。更要命的是，它对“摇滚”的理解似乎停留在上世纪八十年代初期的某个阶段。书中那些所谓的“范例节奏型”听起来极其单调，缺乏现代摇滚乐所需的爆发力和复杂性。我尝试按照书上的指示去敲击，结果出来的声音平淡无奇，完全没有那种能让你的身体不由自主跟着摇摆起来的魔力。我甚至试着将书中的几个基本节奏型组合起来，希望能创造出一点火花，但出来的效果依然是像慢跑而不是冲刺。对于任何一个渴望学习那种能震撼人心的鼓点的人来说，这本书的“视觉和听觉体验”简直是一种折磨。它更像是一本为纯粹的音乐理论课设计的教材，而不是一本激发实践热情的摇滚鼓指南。

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这本书的“理论深度”与它的“应用广度”之间存在着巨大的鸿沟，让我感觉它像是为特定时期、特定地区的音乐教育体系量身定做的。它非常致力于讲解各种音乐术语的定义，比如什么是“小节线”，什么是“休止符”，这些知识点固然正确，但对于一个想立刻上手敲出强劲鼓点的人来说，这些信息太过冗余。我更关注的是如何将这些枯燥的符号转化为富有生命力的音乐表达。书中引用的例子也显得非常保守和过时，几乎没有涉及近二十年摇滚乐在节奏型上的任何演变和创新。我试图寻找任何关于Groove、Shuffle或者任何稍微复杂一点的律动感的分析，结果发现这些内容要么被轻描淡写地带过，要么干脆就没有出现。总而言之，这本书给人一种错觉：学习摇滚鼓就是机械地重复几个简单的、被严格限定的节奏。它没有培养读者的“音乐耳朵”和即兴能力，反而像是在给你的创造力套上一个无形的枷锁。它教你的，是“如何不犯错地敲击”，而不是“如何敲击出令人难忘的鼓点”。读完它，我感觉我的鼓槌技术没有提升多少，倒是对音乐史上的某些基础名词更熟悉了一些，这显然不是我购买一本“摇滚鼓”教材的目的。

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让我感到极其不解的是，这本书对于“设备和维护”的介绍简直是蜻蜓点水，这对于一个初学者来说是致命的疏忽。在开始学习敲击之前，了解你的乐器是至关重要的，但我在这本书里几乎找不到任何关于鼓皮张力调整、镲片高度设置或者麦克风摆位等实用信息的深入探讨。对于一个完全零基础的摇滚鼓手来说，如何让自己的练习鼓发出“像样的声音”是一个巨大的挑战，但这本书对此避而不谈。它展示了一张非常漂亮的鼓组照片，然后就直接跳到了如何握槌。难道我们不需要知道如何消除那些恼人的“嗡嗡声”吗？难道不需要知道不同鼓皮材质对音色的影响吗？摇滚乐对音色是有一定要求的，哪怕是初学者也需要一个听起来不会让人抓狂的音色来保持练习的动力。这本书在这方面完全失职，它假设读者要么已经拥有了一个完美调音的鼓组，要么他们根本不在乎音色。这种对实践环境和工具认知的缺失，让整本书显得非常“脱离地面”，更像是一份理论性的白皮书，而不是一本实战指南。

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