Luis Milan on Sixteenth-Century Performance Practice pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Indiana Univ Pr

作者:Gasser, Luis

出品人:

页数:232

译者:

出版时间:1996-10

价格:$ 30.50

装帧:Pap

isbn号码:9780253210180

丛书系列:

图书标签:

• 文艺复兴音乐
• 鲁伊斯·米兰
• 16世纪
• 演奏实践
• 音乐史
• 吉他音乐
• 西班牙音乐
• 早期音乐
• 音乐研究
• 音乐表演

歌剧的诞生与巴洛克之声的形成：早期音乐研究的新视角 导言：在历史的十字路口回溯 本书旨在对欧洲音乐史中一个至关重要的转型期——大约从16世纪中叶到17世纪中叶——进行深入的考察与重估。这段时期不仅见证了文艺复兴晚期复调传统的衰退与巩固，更重要的是，它孕育了具有划时代意义的“新音乐”（musica nuova），最终催生了歌剧这一全新的艺术形式，并为巴洛克音乐的辉煌奠定了坚实的基础。 本书的焦点在于理解技术、美学理念以及社会环境如何共同作用，促使音乐家们打破既有的规范，寻求一种能够更直接、更具说服力地表达人类情感（affetti）的新途径。我们将深入探究音乐实践在剧院、宫廷和宗教场所中的具体面貌，揭示那些被主流叙事可能忽略的细微变化和地方性差异。 第一部分：从“风格覆叠”（Stile Concertato）到情感的优先性 本部分将分析16世纪末期意大利，特别是威尼斯和佛罗伦萨地区，音乐理论与实践中的核心冲突与创新。 第一章：文本与旋律的解放：对“第二实践”（Seconda Pratica）的文本分析 传统上，文艺复兴的音乐实践倾向于使文本屈从于音乐的结构美感，追求声音的平衡与和声的纯净。然而，随着人文主义思潮的深入，特别是对古典戏剧理想的重新发现，音乐家们开始反思这种关系。本章将详细考察卡洛·杰苏阿尔多（Carlo Gesualdo）的“不和谐音的使用”以及克劳迪奥·蒙泰威尔第（Claudio Monteverdi）早期作品中，如何通过尖锐的、非传统的和声处理，来精准描绘歌词中的痛苦、狂喜或愤怒等强烈情感。我们不会将“第二实践”简单地视为对“第一实践”（prima pratica）的粗暴抛弃，而是将其视为一种审慎的、有策略地打破规则，以服务于情感表达的修辞工具。 第二章：低音的崛起与和声的线性发展 通奏低音（basso continuo）的广泛采用是这一时期最重要的技术革命之一。本章将探讨低音线条如何从单纯的和声支撑，转变为驱动音乐结构和节奏的主要动力。通过对早期清唱剧（cantata）和奏鸣曲（sonata）中低音声部的具体实例分析，我们将考察数字低音（figured bass）的实际演奏方式，以及其在不同乐器组合（如大提琴、低音提琴、低音维奥尔琴与鲁特琴/大键琴之间的互动）中如何产生不同的音响色彩和空间感。低音的持续性不仅稳定了和声，更解放了上声部，使其可以自由地进行炫技性的装饰和对位。 第三章：戏剧性的张力：从“拟态音乐”（Musica Reservata）到早期的歌剧 歌剧的诞生并非一蹴而就，它是对一系列艺术尝试的集成。本章将梳理佛罗伦萨的“拜访雅会”（Camerata）的哲学背景，重点关注乔瓦尼·巴蒂斯塔·吉拉迪·多纳托（Giovan Battista Giraldi Cinthio）等人的文本选择与美学主张。我们将对比雅科波·佩里（Jacopo Peri）的《达芙妮》（Dafne）的残存片段与蒙泰威尔第的《奥菲欧》（L'Orfeo），着重分析“说唱歌”（recitar cantando）这一新技巧的结构特征——它如何介于纯粹的宣叙和具有旋律性的咏叹之间，以及这种不确定性本身如何服务于戏剧的推进。 第二部分：表演实践的多样性与地域性差异 早期音乐的实践往往依赖于地方习俗、赞助人的品味和特定场合的需求。本部分将超越单一的“意大利模式”，考察欧洲其他地区的独特发展。 第四章：德意志地区的路德宗音乐与“公开宣讲” 在路德宗的圣堂中，音乐的目的性更为明确：协助会众理解和体验圣经文本。本章将聚焦于汉斯·莱奥·哈斯勒（Hans Leo Hassler）和后来的海因里希·舒茨（Heinrich Schütz）在德累斯顿的实践。舒茨如何巧妙地融合了威尼斯复调的宏大音响（如圣马可大教堂的双合唱团技术）与德意志地区对文本清晰度的执着，形成了一种既具叙事性又充满虔诚的音乐语言。我们将考察赞美诗（Chorale）在这一时期的编排变化，以及其在乐队编制中的地位。 第五章：法国的宫廷音乐与抒情悲剧（Tragédie Lyrique）的雏形 法国的音乐发展深受其高度集中的王权和对古典主义美学的推崇所影响。本章将探讨在路易十三和路易十四早期的宫廷庆典中，舞蹈、诗歌和音乐的融合。特别是对巴洛克早期芭蕾（Ballet de Cour）中音乐语言的研究，如何为后来的让-巴蒂斯特·吕利（Jean-Baptiste Lully）奠定基础。我们关注的是，在法国，音乐的“装饰性”与“秩序性”是如何被置于“情感爆发”之上的。 第六章：乐器与音色的探寻：早期乐队的建构 本章将深入探讨17世纪上半叶乐器制造和演奏技术的进步，以及这些进步如何改变了音乐的听觉景观。我们将详细考察早期小提琴家族（特别是科莱利家族乐器）与维奥尔琴家族在表现技巧上的分野；鲁特琴、大键琴和管风琴在室内乐合奏中的功能互换；以及铜管乐器（如萨克布号和天然小号）在特定仪式性或户外场合中的象征意义。我们特别关注对音准（intonation）的不同处理方式，以及它们如何影响不同调式下的和声效果。 结论：通往巴洛克宏伟蓝图的最后一步 本书的结论将总结早期音乐实践如何从对文艺复兴均衡感的依赖中挣脱出来，通过对“新音乐”的勇敢实验，确立了情感的中心地位和音乐的戏剧潜力。这些实践共同为17世纪中后期成熟巴洛克风格——无论是歌剧、协奏曲还是晚期清唱剧——的全面爆发，提供了必要的实践工具、理论基础和美学驱动力。通过对具体实践的细致考察，我们得以更清晰地理解，巴洛克音乐的“宏伟”并非偶然，而是对特定历史时期复杂需求的一种精妙回应。

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我习惯在阅读历史题材时，非常关注作者对资料来源的批判性处理。这本书在这方面做得极其出色。作者没有盲目地崇拜“经典文本”，而是将其视为需要被审视的对象。他对于那些“被遗忘的”或“边缘化的”表演者的记录，投入了极大的精力去挖掘和重构，这无疑是对传统以精英视角为主导的历史书写的一种有力修正。这本书的力量在于，它让我们看到，在那些宏伟的宫廷歌剧中，存在着无数普通工匠、乐师和配角们共同创造的、充满活力和变数的“活的现场”。对我而言，这不仅仅是一本关于十六世纪表演实践的书，它更像是一部关于“历史主体性”如何被构建和被忽略的深刻反思。它启发我去思考，我们今天所看到的“历史定论”，究竟掩盖了多少真实而鲜活的个体经验。

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这本书的装帧设计简直是为我量身定做的，封面那种略带做旧感的米黄色，配上深褐色的字体，一下子就将我拉回了那个遥远的时代。我总觉得阅读体验从翻开第一页之前就已经开始了，而这本书的纸张触感，那种略微粗糙却又韧性十足的质感，完美地模拟了老旧手稿的韵味。在内容上，虽然我更偏爱音乐史的宏大叙事，但这本书的叙事方式却让我耳目一新。作者对于细节的捕捉能力令人惊叹，仿佛他就是那个时代里的一名随行乐师，用最贴近舞台的视角去记录每一个音符的颤动和每一次服装的褶皱。特别是对乐器形制演变的描述，那些精妙的图示和文字解说，让我对十六世纪乐器师的匠心独运有了更深一层的理解。它不是一本枯燥的学术专著，而更像是一部充满了生活气息的田园诗，只是它的主题是关于舞台上的光影和声响。我甚至能想象到，在昏暗的剧院角落，观众们是如何屏息凝神，等待着下一幕高潮的到来。这种沉浸式的体验，远超我阅读其他同类书籍时的感受。

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坦白说，我原本以为这是一本会让我感到疲惫的学术著作，需要反复查阅注释和词汇表。但事实证明，我低估了作者的叙事魅力。这本书的结构安排非常精妙，它不是按时间线性推进，而是围绕几个核心的“表演场景”进行模块化探讨，比如“宗教仪式中的即兴性”与“宫廷宴会中的程式化”。这种结构的好处是，即使我只是抽出一个下午来阅读其中一章，也能获得完整的知识闭环，不会有“夹生饭”的感觉。这种“碎片化阅读友好度”在深度学术作品中是很难得的。此外，作者的幽默感也常常在不经意间流露出来，尤其是在批判某些过时的学术观点时，那种温和的讽刺让人会心一笑，也让那些严肃的讨论变得轻松起来，极大地提升了阅读的愉悦度。

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初次接触这类专业领域书籍，我通常会抱着一种既期待又畏惧的心情，生怕那些拗口的术语和复杂的理论会让我望而却步。然而，这本书的行文流畅度简直是教科书级别的示范。作者非常巧妙地运用了类比和比喻的手法，将那些原本抽象的“实践操作规范”变得具象化、可触摸。举个例子，书中对于不同地区庆典中“场面调度”的比较分析，不仅仅停留在文献的罗列，而是深入到社会结构和权力展示的层面，让我意识到“表演”在当时绝非仅仅是娱乐，它是一门关乎政治和身份构建的艺术。我尤其欣赏作者对“非官方”记录的引用，那些散落在书信、日记乃至商业账簿中的零星记载，被他整合得天衣无缝，构成了一幅完整而多维的图像。这使得整本书读起来充满了探案的乐趣，仿佛我们是历史的侦探，通过蛛丝马迹拼凑出那个失落的声音世界。

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这本书的学术严谨性毋庸置疑，但更让我佩服的是其跨学科的视野。它绝非仅仅局限于我们通常理解的“表演实践”的狭窄范畴。作者似乎在不断地提醒我们，任何一种艺术形式都深深植根于其所处的社会、经济和技术环境中。例如，他对印刷技术对乐谱传播速度影响的分析，就非常深刻地揭示了文艺复兴后期思想解放如何通过更快的媒介实现其传播的。我的关注点更多在人文地理学方面，而这本书恰好提供了一个绝佳的切入点，让我得以用更宏观的视角去审视“空间”和“时间”在艺术史中的互动关系。它打破了我心中艺术史与社会史之间的壁垒，展示了两者是如何相互渗透、相互定义的。读完之后，我开始重新审视那些我原本以为已经理解透彻的早期文献，因为现在我多了一层关于“实践可行性”的思考维度。

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