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出版者:Music Sales Corp

作者:Dick, Arthur

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2003-1

价格:$ 22.54

装帧:Pap

isbn号码:9780825627644

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 初学者
• 入门
• 乐器
• 音乐
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• 和弦
• 技巧

现代吉他演奏与音乐理论的深度探索 一部旨在构建扎实音乐基础、激发演奏潜能的权威指南 作者/编著： [此处留空，或填入虚构的资深音乐教育家姓名，例如：亚历山大·科恩 或 维克多·马尔科夫] --- 前言：开启你的声音之旅 在音乐的广阔天地中，吉他无疑是最具表现力、最受人喜爱的乐器之一。然而，从最初的好奇心到熟练驾驭指板，这段旅程需要清晰的路线图、系统的指导，以及对音乐本质的深刻理解。《现代吉他演奏与音乐理论的深度探索》并非简单的和弦速查手册，它是一份为严肃的音乐学习者量身定制的路线图，旨在系统性地解构吉他演奏的技术层面与音乐理论的底层逻辑。 本书的创作初衷，源于对传统教学法中常见断层现象的反思——许多学习者在掌握基础指法后，却在和声进行、即兴创作和风格理解上遭遇瓶颈。我们相信，真正的精通源于技术与理论的完美融合。本书将带领读者跨越初学者阶段的简单重复，直接进入一个更具挑战性、也更富有成就感的音乐探索领域。 --- 第一部分：精湛技术的基石——精细化演奏技巧 本部分专注于提升吉他手的物理控制能力和演奏精度，超越基础按弦和拨弦的范畴，直击专业演奏的核心要求。 第一章：进阶指板感知与高效运指 动态指板映射： 学习如何将指板视为一个三维空间而非平面的线性排列。深入探讨“CAGED”系统的高级应用，着重于如何无缝切换把位，并在整个指板上定位任何音符和和弦形态。 人体工程学与力度控制： 详细分析左手与右手的正确姿势对音色、速度和耐力的影响。探讨“触键力度”与“释放力度”之间的微妙平衡，以实现清晰、有颗粒感的音符。 节奏的精密度训练： 引入高级节拍器使用方法，包括对“反拍”、“切分音”和“复节奏”的精确掌握。包含针对多边节拍（如5/4、7/8）的专项练习，培养内在的时钟感。 第二章：拨弦艺术的细微差别（Picking & Strumming Mastery） 交替拨弦的极限突破： 深入分析不同拨片角度（Sweep Picking, Downstroke Focus, Upstroke Bias）对音色圆润度和速度的影响。引入“精准交替拨弦”的数学模型和应用。 连奏（Legato）的深度挖掘： 不仅限于锤击（Hammer-on）和击弦（Pull-off），更深入探讨“滑音（Slide）”在旋律线条中的应用，以及如何平衡连奏的力度，使其不弱于拨弦音。 音色塑造与动态范围： 讲解如何利用拨片在琴桥和音孔之间的不同位置，实现从“明亮穿透”到“温暖柔和”的音色转变。 第三章：颤音、推弦与揉弦的表达力 颤音的频率控制： 分析不同音乐风格对颤音频率的要求（如布鲁斯风格的宽幅慢速颤音与古典/金属风格的窄幅高速颤音）。 推弦的精准度与张力： 推弦不仅是音高变化，更是情感的释放。本章指导读者如何精准推至目标音高，并掌握“半音推弦”和“全音推弦”的力度控制。 揉弦的深度与宽度： 探讨如何通过手腕而非手指力量进行高效揉弦，以减少疲劳并增加持续的音乐张力。 --- 第二部分：音乐理论的深度解构与吉他应用 本部分将复杂的音乐理论概念转化为吉他手可以直接使用的工具，实现从“知道”到“做到”的飞跃。 第四章：超越三和弦的和声世界 功能和声学（Functional Harmony）： 彻底解析主、属、下属和弦的功能性，并将其应用于调式进行中。重点讲解如何识别和使用“替代和弦”（Substitutions）来丰富进行。 扩展音程的应用： 深入学习九和弦（9th）、十一和弦（11th）、十三和弦（13th）的构建、命名和实际演奏。强调如何区分大七和弦与属七和弦在色彩上的差异。 和弦的“逆位”与“指型”变化： 探讨不同逆位（Inversions）对低音声部流动的影响，学习如何根据特定和声要求，选择最高效、最流畅的指型来演奏复杂的和弦。 第五章：调式（Modes）的色彩与语境 七大调式的系统性掌握： 详细剖析大调音阶的七种调式（伊奥尼亚、多利亚、弗里吉亚、利迪亚、混合利迪亚、爱奥尼亚、洛克里亚）的音程结构与“色彩音”。 调式色彩音的即兴应用： 重点训练如何识别并突出特定调式的“色彩音”（如多利亚的六音、利迪亚的增四音），以在不改变主和弦的情况下，瞬间改变音乐的氛围。 调式互换与转调的策略： 教授如何利用“平行调式”进行色彩的快速切换，以及在复杂的爵士或融合乐句中，如何预判和应对调性区域的快速转移。 第六章：旋律构建与即兴思维 音阶与琶音的线性结合： 训练如何将音阶运行与琶音形状结合，创造出既符合和声逻辑又富有动感的旋律线。引入“三音一组”和“四音一组”的节奏分组练习。 动机发展与乐句重构： 讲解如何从一个简单的“音乐动机”出发，通过增减、倒影、移位等手法，发展出一个完整的、有叙事性的乐句。 布鲁斯音阶的进阶运用： 探讨布鲁斯音阶如何在爵士、摇滚和放克中进行微妙的调整，特别是如何处理“蓝调音”（Blue Notes）与和声结构之间的紧张关系。 --- 第三部分：风格的解析与音乐性表达 本部分旨在帮助学习者将技术与理论知识，转化为具有个人风格的、打动人心的音乐表达。 第七章：节奏律动的深层理解 律动的物理实现： 分析摇滚（Rock）、放克（Funk）、拉丁（Latin）和爵士（Jazz）等风格中，吉他手在节奏组中的确切位置和“推拉”关系。 “摇摆感”（Swing Feel）的数学与感觉： 详细解析三连音与八分音符之间“摇摆”的实际比例（从50/50到70/30的渐变），并提供具体练习来内化这种感觉。 切分与休止符的叙事力量： 强调休止符在构建音乐张力中的重要性。学习如何策略性地使用沉默来突出关键的音符。 第八章：音色塑造与效果链的哲学 放大器（Amp）的内部逻辑： 深入讲解增益（Gain）、中频（Mids）和电路拓扑结构（如Class A vs. Class AB）对吉他音色的根本性影响。 效果器的逻辑顺序与目的性使用： 不仅仅是介绍效果器，而是讲解“动态处理（压缩）- 频率塑造（EQ）- 时空效果（延迟/混响）”的正确处理顺序，以及为何在特定风格中必须舍弃某些效果。 适应性演奏： 讨论如何在没有完美音响设备的场景下，通过调整演奏手法来弥补音色上的不足。 第九章：专业演奏的视角 视奏与扒带的效率提升： 提供一套系统化的方法，用于快速准确地阅读和演奏复杂的五线谱或六线谱，并强调听觉训练在“扒带”中的主导作用。 即兴演奏的结构化思考： 教授如何构建一段即兴独奏，包括“引入动机”、“发展主题”、“技术展示”和“回归主题”的完整结构。 录音室技巧与舞台表现： 基础的麦克风摆位介绍，以及如何根据不同的录音环境调整演奏的力度和细节处理，确保音乐在不同媒介上的完整呈现。 --- 结语：持续的进化 本书提供了详尽的蓝图，但吉他学习的真正价值在于持续的实践与个性化的探索。《现代吉他演奏与音乐理论的深度探索》是你专业音乐旅程中的强大伙伴，它将陪伴你从一个“熟练的吉他手”成长为一位“有思想的音乐家”。我们期待读者能够消化这些知识，并最终将其转化为独一无二的声音语言。

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说实话，我期望这本书能像它的名字那样，为“绝对的初学者”提供一条坦途，但它给我的感觉更像是拐了个弯又绕了远路。这本书在和弦的引入上显得非常保守和拖沓。它用了大量的篇幅来讲解如何调音，虽然调音重要，但它用了五页纸来解释齿轮如何工作，感觉有点夸张了。当我终于学到第一个C大调和弦时，那种成就感还没来得及散发，紧接着就被抛入了一堆复杂的指法练习中。这些练习的难度跳跃性非常大，前一个练习还只是按两个品格，后一个就要求四根手指同时伸展到高把位。我卡在某些特定的换把练习上，卡了整整一个星期，期间多次查阅网上的教学视频，发现那些视频里的老师都是用更直观的方式讲解同一个和弦的指位，而书本上的图示却显得僵硬而缺乏生命力。而且，书中提供的练习曲目选择非常陈旧，很多都是我从未听过的民谣片段，缺乏一些现代流行乐的元素，这让我很难保持学习的热情。我更想弹几段耳熟能详的旋律，哪怕是简单的，这样至少能给我一种“我正在弹吉他”的真实感受。

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刚拿到这本《Absolute Beginners Guitar》的时候，我简直是欣喜若狂，幻想着自己能在几天内变成摇滚巨星。然而，现实总是比想象骨感得多。这本书的排版和设计，坦白说，挺像上世纪八十年代的教材，色彩单调，插图线条也略显粗糙。翻开第一页，映入眼帘的是对吉他构造的冗长介绍，什么音梁、品丝、弦钮，密密麻麻的术语让人看得云里雾里。我更期待的是能立刻上手弹奏出几个简单的和弦，但它却花了整整前三章来“理论铺垫”。每次拿起吉他，我都会被这些生硬的文字拽回到书桌前，试图理解那些晦涩的乐理概念，比如什么调式和弦的构成。这感觉就像是想学开车，结果先被拉去上了三天理论力学课。对于一个零基础的初学者来说，这种沉重的开篇简直是劝退神器。我花了大量时间在纠结于如何正确握持拨片——书里提供的姿势图解析得并不直观，我得对着镜子比划半天，才能勉强模仿那个姿势，但弹出来的声音依旧是“噪音”而非“音乐”。如果能多一些清晰的、大图示的、循序渐进的视频链接辅助，而不是全靠文字描述，效果或许会好很多。这本书对“速成”的承诺，在我看来，更像是一种美好的祝愿，而非实际的指南。

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这本书的“实战性”评估，我只能打一个勉强及格的分数。它似乎更侧重于“让你知道吉他是什么”，而非“让你学会如何弹奏吉他”。比如，关于扫弦节奏的讲解，它给出了密密麻麻的十六分音符和休止符组合，然后用文字解释“这里要快速扫下，这里要轻微停顿”。这种抽象的描述对于我这种纯粹依赖听觉和触觉学习的人来说，简直是灾难。我听不出“轻微停顿”和“完全停止”之间的区别，更别提将它们精确地应用到拨弦上了。我尝试着跟着书本上的节拍器练习，但书本并没有提供配套的音频资源，这意味着我必须自己去想象那个节奏应该是什么样子，这极大地增加了学习的难度和挫败感。如果能有一个配套的App，可以实时显示和弦指板的动态变化，并配有不同速度的示范音轨，这本书的价值会提升不止一个档次。现在，我感觉我像是在一个没有地图的原始森林里，拿着一把看起来很高级的工具，却不知道该如何启动它。

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这本书的装帧和纸张质量也给我留下了不好的印象。作为一本可能被频繁翻阅和携带的教材，它的封面材质偏软，很容易留下指纹和折痕，书页的纸张偏薄，在潮湿的环境下感觉很容易卷曲。更致命的是，这本书的装订似乎不够牢固。在学习过程中，我发现当我用力翻到中间关于“横按”（Barre Chords）的那一页时，书脊那里已经开始出现轻微的裂痕。横按是吉他学习的第一个大坎，需要较大的按压力度，书本的耐用性在这个关键阶段显得尤为重要。一本面向初学者的工具书，理应具备一定的“耐造性”，因为初学者在学习初期通常会比较粗鲁地对待书本，比如在上面做标记、摊平着练习等等。总而言之，这本书在物理层面和使用体验上，都未能达到一本现代学习教材应有的水准，更像是一次性使用的快速印刷品，而非可以伴随我长期进步的伙伴。

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关于这本书的“理论深度”，我只能说，对于一个“Absolute Beginner”来说，它显得有些过度热心了。我不是说乐理不重要，但当你在教一个孩子如何系鞋带时，你不会先给他讲解鞋带纤维的化学构成。这本书的第三部分开始深入探讨音阶的构成，并且引入了大量的五线谱阅读要求。老实说，大部分想学吉他的朋友，包括我自己在内，都是从六线谱（Tablature）入门的，因为六线谱更直观地对应了指板上的位置。这本书却似乎把六线谱当作一个临时的过渡工具，很快就要求读者完全转向阅读五线谱。这使得我花费了大量时间在学习如何将五线谱上的音符对应到吉他上，而不是练习手指的灵活性和手型。这种教育路径的设置，感觉像是把一个想学骑自行车的学员，直接扔进了F1方程式的维修手册里去学习机械原理，方向性上存在明显的偏差。这本书更像是为那些有一定音乐基础，只是想把吉他作为新载体来学习乐理的人准备的。

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