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出版者:Cambridge University Press

作者:Simon P. Keefe

出品人:

页数:338

译者:

出版时间:2005-11-21

价格:285.00元

装帧:Paperback

isbn号码:9780521542579

丛书系列:

图书标签:

• Concerto
• TCTM
• Concerto
• Classical Music
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• Romantic Music
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协奏曲的辉煌与变迁：一部探寻管弦乐对话史的宏大叙事 导言：当独奏者与乐队相遇 协奏曲，作为西方音乐史上最引人入胜的体裁之一，其魅力根植于一种内在的戏剧性：独奏乐器与庞大管弦乐队之间的对话、竞争与合作。它不是简单的炫技展示，而是一场精心编排的音乐会晤，是个人英雄主义与集体力量相互映照的舞台。本书旨在提供一个全面而深入的视角，细致剖析协奏曲自巴洛克早期萌芽至二十世纪末期的演变历程，考察其结构、风格、社会功能及其背后涌现的杰出作曲家与演奏家。我们将穿越时空，聆听从维瓦尔第的活力到勃拉姆斯的厚重，再到肖斯塔科维奇的尖锐反思，揭示这一音乐形式如何成为记录时代精神与个人情感的独特载体。 第一部：巴洛克的回响——协奏曲的诞生与确立（约1600-1750年） 协奏曲的根源可以追溯到意大利的“协奏”（Concerto）概念，即“共同合作”或“对比”。巴洛克早期，音乐家们开始探索乐器组之间的音量与音色对比。 1.1 大协奏曲（Concerto Grosso）的结构与美学 本书将详细考察大协奏曲，这种体裁将乐队划分为两组：由少数独奏乐器（通常是两把小提琴和一把大提琴，即Concertino）组成的“小集团”，与由其余弦乐器构成的“大集团”（Ripieno）。阿卡迪亚的阿卡迪亚的阿尔科尼（Arcangelo Corelli）在此奠定了基础，但真正将这一形式推向巅峰的是维瓦尔第（Antonio Vivaldi）。我们将分析维瓦尔第在《四季》等作品中如何运用“乐队齐奏——独奏——乐队齐奏”的交替模式（Ritornello Form），及其对节奏驱动力和清晰调性布局的贡献。 1.2 巴赫与协奏曲的集大成 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的工作标志着大协奏曲体裁的终结和个人独奏协奏曲的成熟。他的《勃兰登堡协奏曲》系列，特别是对各种乐器组合的创新性运用，展示了对对位法和织体复杂性的极致追求。我们还将审视巴赫的键盘协奏曲，这些作品不仅为后来的钢琴协奏曲奠定了速度与技巧的基础，也体现了他在对位织体中如何平衡独奏乐器的独立性与乐队的伴奏职能。 第二部：古典主义的理性与清晰——奏鸣曲式与独奏的崛起（约1750-1820年） 随着音乐重心从教会和贵族宫廷转向公共音乐会，协奏曲的结构和功能发生了根本性的变化，独奏乐器获得了无可争议的中心地位。 2.1 海顿、莫扎特与钢琴协奏曲的黄金时代 古典主义时期，奏鸣曲式成为协奏曲的骨架。海顿（Joseph Haydn）在协奏曲创作中，尤其是在他的乐器协奏曲中，展现了优雅的清晰度和结构上的平衡感。然而，沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（W.A. Mozart）将钢琴协奏曲提升到了一个新的境界。我们将深入分析莫扎特如何将歌剧中的咏叹调技巧融入钢琴独奏声部，如何在呈示部中巧妙地运用“双呈示部”结构（由乐队先呈示主题，再由独奏乐器模进），以及他如何在华彩乐段（Cadenza）中展现深刻的音乐对话。 2.2 早期浪漫主义的过渡与对技巧的强调 贝多芬（Ludwig van Beethoven）的协奏曲，特别是他的五部钢琴协奏曲和D大调小提琴协奏曲，是古典与浪漫之间的桥梁。他的作品体量更大，情感表达更为强烈，并极大地拓展了华彩乐段的重要性，使其不再仅仅是炫技，而成为对前文音乐材料的哲学性反思。他的《第五钢琴协奏曲“皇帝”》中，乐队与独奏者之间的平等对话，预示着即将到来的浪漫主义的英雄主义。 第三部：浪漫主义的激情与民族色彩——抒情性与个人史诗（约1820-1900年） 浪漫主义时期，协奏曲成为作曲家抒发强烈个人情感、探索异国情调或彰显民族精神的理想平台。 3.1 技巧的解放与乐思的宏大化 肖邦（Frédéric Chopin）和李斯特（Franz Liszt）彻底改变了钢琴协奏曲的面貌。肖邦的作品强调无可比拟的歌唱性（Cantabile）和波兰民族舞曲的韵味；而李斯特则以其无与伦比的技巧和“交响诗式”的统一性，模糊了协奏曲与交响诗之间的界限。我们将探讨他们如何将炫技性段落（Passages）融入音乐叙事，而非将其孤立化。 3.2 德奥浪漫主义的巅峰 约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）的两位协奏曲（两首钢琴协奏曲和小提琴协奏曲）代表了对古典主义结构严谨性的回归，但内核却是炽热的浪漫主义情感。他的作品体量庞大，主题发展精妙，要求演奏家不仅有高超技巧，更要有深刻的音乐理解力。与此同时，在小提琴领域，门德尔松（Mendelssohn）和布鲁赫（Bruch）的作品则以其旋律的流畅性和完美的器乐平衡，成为了音乐会曲目中的基石。 3.3 民族主义与协奏曲的多元化 在欧洲各地，作曲家们开始将协奏曲融入民族音乐的色彩中。从德沃夏克（Antonín Dvořák）的斯拉夫式忧郁，到格里格（Edvard Grieg）对挪威民歌的提炼，协奏曲不再仅仅是维也纳的产物。俄国作曲家如柴可夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）则以其强烈的戏剧冲突和近乎悲剧性的旋律，铸造了极具感染力的作品。 第四部：二十世纪的探索与重构——现代性、极简与回归（约1900-2000年） 二十世纪，协奏曲的形式和语言遭受了前所未有的冲击和重构。作曲家们对调性、节奏和织体的传统观念进行了激烈的反思。 4.1 早期现代主义：从印象派到表现主义 德彪西（Claude Debussy）的《拉威尔钢琴协奏曲》展示了对传统交响织体的解构，侧重于音色和光影的描绘。而勋伯格（Arnold Schoenberg）和他的追随者们，如阿尔班·贝尔格（Alban Berg），则将十二音体系引入协奏曲，例如贝尔格的小提琴协奏曲，其中复杂的序列结构被包裹在令人动容的抒情性之中，体现了现代精神的挣扎与焦虑。 4.2 斯特拉文斯基与新古典主义的回归 伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的作品，特别是他的钢琴协奏曲，展示了对巴洛克和古典时期形式的解构性借鉴。他的作品特点是节奏的突兀、和声的冷峻以及对传统炫技的“反浪漫”处理。 4.3 极简主义与当代的声音景观 战后，协奏曲在不同方向上发展：一方面，作曲家如普罗科菲耶夫（Sergei Prokofiev）和肖斯塔科维奇（Dmitri Shostakovich）在强烈的政治压力下创作了充满讽刺和悲剧色彩的协奏曲，其中包含了对个人自由的隐晦表达。另一方面，极简主义和过程音乐的兴起，如菲利普·格拉斯（Philip Glass）的作品，则强调重复的模式和缓慢的渐变，将协奏曲的“对话”转变为一种冥想式的循环。 结论：永恒的对话 协奏曲的形式是音乐史上最具有适应性的结构之一。从巴洛克时期简单的“强弱”对比，到古典主义的结构化戏剧，再到浪漫主义的个人史诗，直至现代对声音本质的解构与重建，协奏曲始终是作曲家检验其时代音乐语言、展现乐器演奏极限的最佳工具。本书的最终目的，是引导读者理解，每一部协奏曲都是其创作时代、作曲家思想以及独奏者技艺的独特交汇点，其魅力在于这种永恒的、充满张力的“你与我”的音乐性陈述。

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我个人对协奏曲的“跨界”现象和非传统乐器协奏曲一直抱有浓厚兴趣，这也是我购买这本伴侣书的重要驱动力之一。以往的文献资料往往将重点牢牢锁定在钢琴、小提琴和大提琴这三大件上，其他乐器似乎只是陪衬。这本书在这方面展现了令人耳目一新的广度。它花了相当的篇幅来讨论单簧管协奏曲在莫扎特之后的发展轨迹，特别是如何从古典的优雅过渡到浪漫主义时期的抒情和戏剧性，以及它在二十世纪如何被新古典主义者重新审视。更让我感到惊喜的是，书中还探讨了涉及打击乐器和管风琴等非主流独奏乐器的作品，比如马尔蒂农或彭涅德列茨基的作品。这种对体裁边界的拓展性探索，极大地丰富了我对“协奏”这一概念的理解——它不再仅仅是“一个乐器对抗整个管弦乐队”，而可以是一种音色组、一种节奏单元与整体之间的复杂对话。这种对音乐史“盲点”的积极填补，是衡量一本优秀导论著作的关键指标。

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这本关于协奏曲的“剑桥伴侣”简直是音乐文献领域的一股清流，尤其是对于那些像我一样，虽然对古典音乐耳熟能详，但总觉得对协奏曲这种体裁的深层结构和历史演变缺乏系统认知的人来说，它提供了一个极其扎实且引人入胜的入口。我特别欣赏它在处理早期作品，比如巴洛克时期协奏曲形式确立阶段的叙述方式，没有采取那种枯燥的年代罗列，而是聚焦于“协奏”这一核心概念如何在不同作曲家手中被概念化和实践。比如，它对维瓦尔第四季的分析，并没有停留在旋律的美感上，而是深入探讨了作为早期“协奏曲集”如何构建一个完整的听觉叙事框架，以及这种框架如何影响了后世对独奏乐器与乐队关系的处理。书中对奏鸣曲式在协奏曲中的变异有着非常细腻的剖析，很多教科书只是简单提及“呈示部包含两个呈示”，但这本导览深入探讨了独奏乐器如何“参与”到主题的陈述和发展中去，甚至在卡登扎出现之前，独奏者就已经在与乐队进行对话和博弈。这种深入浅出的讲解，让原本晦涩的音乐学术语变得鲜活起来，像是跟随一位经验丰富的乐评人一起，在音乐厅的包厢里，对乐谱进行了细致入微的拆解和欣赏。

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我是一个重度的浪漫主义音乐爱好者，特别是十九世纪中叶到二十世纪初的钢琴协奏曲，对我而言是情感表达的巅峰。坦白说，很多同类书籍在处理勃拉姆斯、肖邦，乃至拉赫玛尼诺夫这些巨匠的作品时，往往会陷入对技术难度的赞美和对“英雄式”叙事的套路化描述。然而，这本伴侣书的价值恰恰在于它提供了一种更具语境化的解读视角。它不仅仅告诉你李斯特的协奏曲有多么炫技，而是将这些炫技置于当时欧洲“钢琴演奏家即超级巨星”的文化背景下进行考察，探讨了这种对技巧的极端强调，如何反过来塑造了协奏曲的整体结构和观众的期待。尤其令人惊喜的是，它对德彪西和拉威尔的协奏曲处理，没有因为这些作品在传统意义上不如贝多芬或柴可夫斯基那样“宏大”而略显敷衍。相反，它细致分析了印象主义者如何利用管弦乐的音色变化来模拟光影效果，使得“协奏”不再是独奏与乐队的对抗，而更像是一种色彩斑斓的、流动的氛围的交织。这种对不同时代美学哲学的敏感捕捉，使得阅读体验远超一般的作品导览。

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对于关注二十世纪现代主义音乐的读者来说，寻找一本既不故作高深、又能精确捕捉复杂性的指南是相当困难的。许多现代音乐理论著作往往将读者直接抛入十二音体系或序列主义的深渊。我对这本书在处理如巴托克、斯特拉文斯基乃至布列兹等作曲家的协奏曲时所采取的策略深感佩服。它没有回避这些作品在调性上的模糊性或节奏上的复杂性，而是从“功能性”的角度来解释这些看似陌生的元素。例如，书中对巴托克的《第三号钢琴协奏曲》的分析，清晰地阐明了作曲家如何运用民间音乐的动机，并将其置于高度结构化的框架中，使得作品听起来既原始又精密。它没有强迫读者去“爱上”这些音乐，而是教会读者如何“听懂”它们背后的逻辑驱动力。这种对听众学习曲线的体贴，使得那些原本被现代协奏曲的“陌生感”劝退的听众，能够重新拾起兴趣，去发现这些作品内在的张力与逻辑美感，这对于拓展个人的音乐视野具有极其重要的意义。

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阅读完这本导论，我最大的感受是，它成功地将“欣赏”与“分析”之间的鸿沟填平了。我过去常常在音乐会现场，为一段精彩的独奏而感动落泪，但一回到家面对乐谱或理论书籍，就感到无所适从，仿佛两者的体验完全割裂开来。这本《剑桥伴侣》的叙事风格非常巧妙，它似乎总是在恰当的时机提供技术解释，但这些解释从不喧宾夺主。例如，当它讨论到布鲁赫的小提琴协奏曲时，它会顺带解释一下奏鸣曲结构中的“插部”（Episode）如何为旋律提供了喘息和积蓄力量的空间，这种解释立刻就能对应到你对音乐的直接听觉感受上。它不仅仅是知识的堆砌，更像是一种思维工具的传授，它教会你如何用更精细的耳朵去聆听，如何带着结构意识去感知音乐的起承转合。对于音乐学生来说，它无疑是一本优秀的参考书；但对于像我这样致力于提升聆听深度的业余爱好者而言，它更像是一位循循善诱的私人导师，让每一次重听经典协奏曲的体验都充满了新的发现和乐趣。

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