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出版者:Course Technology Ptr

作者:Schonbrun, Marc

出品人:

页数:387

译者:

出版时间:

价格:34.99

装帧:Pap

isbn号码:9781592009329

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 数字音频
• 音乐制作
• 效果器
• 音色
• 录音
• DAW
• 吉他技巧
• 音乐技术
• 音频处理

好的，这是一本关于先进的音乐理论与作曲技巧的图书简介，专注于探索声音的本质、结构化的音乐语言以及现代作曲的创新方法。 --- 和声的织体与声音的建筑：现代音乐创作的深度解析 本书导言：超越风格的音乐本质 在音乐的广袤疆域中，风格与流派如同瞬息万变的云朵，而支撑这一切的，是那些永恒不变的结构与原理。本书《和声的织体与声音的建筑》并非着眼于教授特定风格的演奏技巧，亦非聚焦于某一特定乐器的使用规范。相反，它是一次对音乐语言核心的深入挖掘，旨在揭示声音组织背后的深层逻辑、人类听觉的认知边界，以及作曲家如何运用这些工具，在时间维度上构建起可感知、可理解、且富有情感冲击力的艺术作品。 我们相信，真正的音乐创新源于对基础原理的彻底掌握，而非对表面装饰的盲目追逐。本书将引导读者穿越传统的调性框架，进入一个由复杂节奏、多层次音响密度和新兴音色技术所构筑的声学实验室。 --- 第一部分：音高空间的重构与扩展 第一章：微音程的感知哲学 本章探讨了西方十二平均律之外的音高系统。我们将详尽分析人类听觉对音高变化的敏感阈值，并引入基于生理声学和心理声学的理论模型，解释微音程（如四分之一音、八度内二十四平均律）如何影响情绪感知和空间定位感。内容涵盖了印度拉格（Raga）中的细节处理、中东马卡姆（Maqam）体系的音高微调机制，以及它们在当代电子音乐和实验声学中的应用潜能。 关键概念： 听觉阈限、音高对比度、非对称音阶构建。 第二章：超越三和弦的音响聚合体 传统和声建立在三度叠置的基础上。本章彻底解构了这一传统，转向更高维度的音高集群分析。我们将研究基于四度、五度、甚至随机音高的集合体（Sets）如何产生新的音响色彩。内容包括： 1. 集合理论（Set Theory）在非传统调性中的应用： 分析全音音阶、半音音阶、以及无功能和弦群的内在联系与转化路径。 2. 音色矩阵的引入： 探讨当音高集合固定时，如何通过改变乐器组合、演奏法或空间混响来彻底改变和弦的“听感质量”。 3. 集群与密度控制： 详细说明如何通过控制音符的距离和密度，从“噪音”转化为“结构化的张力”。 --- 第二部分：时间与节奏的解耦 第三章：分层律动与非线性时间感 节奏不再仅仅是度量衡。本部分聚焦于如何通过不同的时间框架，在听众心中创造出复杂的时间体验。我们将研究复节奏（Polyrhythms）的高级运用，并引入“时间域位移”（Temporal Displacement）的概念。 主题分析： 如何在单一乐段中同时植入两个或三个不相关的节拍结构，以及如何通过对齐和错位来创造张力或漂浮感。 复杂节拍的生成算法： 探讨如何使用数学模型（如斐波那契数列、混沌理论）来生成看似随机但内在统一的节奏模式。 第四章：动态轮廓：速度与能量的塑形 本章从能量守恒的角度审视速度（Tempo）和力度（Dynamics）的交互作用。我们分析了如何通过极端的、非线性的速度变化（如拉蒙特·德·努维斯（Léone's Gradual Shift）技巧），来重塑听众对乐曲“长度”的感知。内容包括对“瞬间加速”与“无限减速”的理论解析，以及它们在建立叙事高潮中的作用。 --- 第三部分：乐思的结构化与形态生成 第五章：叙事结构与动机的演化 作曲的挑战在于如何在保持连贯性的同时实现充分的发展。本章专注于动机（Motive）和主题（Theme）从诞生到消亡的全生命周期管理。我们不再局限于传统的“呈示-发展-再现”模式，而是探索更具韧性和适应性的结构模型： 1. 拓扑结构作曲法： 将音乐形态视为可变形的几何结构，分析主题如何通过拉伸、折叠和扭曲来保持其核心身份。 2. 材料的极限开发： 教授如何从一个极短的音高或节奏片段中，系统性地推导出整部作品所需的全部音乐材料，确保逻辑的滴水不漏。 第六章：空间化听觉：声场布局与听众定位 现代音乐不再局限于立体声场。本章深入探讨了多声道（Multichannel）和沉浸式音频（Immersive Audio）在作曲层面的理论意义。 声场编织技术： 如何利用声源在空间中的移动轨迹（如圆周运动、螺旋上升）来暗示和弦的进行或情感的起伏。 反射与残响的设计： 将混响（Reverb）视为一个可以被精确调制的乐器，解析如何通过控制早期反射和残响尾迹来构建虚拟的演奏厅或特定的心理环境。 --- 第四部分：跨媒介与新兴技术的整合 第七章：声音的非传统资源与合成美学 本章挑战了“音高”作为核心的传统观念，转向对“声音纹理”和“噪音”的结构化利用。我们将详细介绍如何将自然界的记录（Field Recordings）、机械噪音以及纯粹的电子波形，通过模块化合成器和信号处理技术，转化为具有音乐性的、可预测的音响元素。 颗粒合成（Granular Synthesis）的深度解析： 从微观粒子层面控制声音的质地和密度。 数据驱动的音色转换： 利用外部数据流（如天气、股价波动）来实时调制合成参数，实现音乐与环境的动态对话。 第八章：作曲的开放性与即兴的结构化 面向未来，本书强调作曲家需要为乐曲的最终形态预留空间。本章将介绍几种成熟的“开放形式”（Open Form）策略，例如： 1. 概率性框架： 设定材料和规则，但将最终的排列顺序交由演奏者或环境决定。 2. 操作指令集： 创作一套清晰的、可执行的指令，而非固定的乐谱，确保作品在每次演绎中都是独一无二的体验。 --- 本书总结： 《和声的织体与声音的建筑》为严肃的音乐学习者、作曲家和声音艺术家提供了一套全面、深入且前瞻性的分析工具箱。它要求读者跳出舒适区，用科学的严谨和艺术的直觉去解剖和重塑声音的每一个维度。完成本书的学习，意味着你将掌握的，是构建任何未来音乐语言的底层代码。 目标读者： 音乐学院高年级学生、专业作曲家、声音设计师、音乐理论研究者。 ---

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我必须承认，这本书的阅读过程充满了惊喜和挫败交织的复杂情感。惊喜在于，它揭示了许多我从未想过的问题的答案，挫败则源于它对现有知识体系的彻底颠覆。最让我感到震撼的是关于“听觉疲劳与时间感知”的那一章节。作者并没有简单地谈论长时间听音的危害，而是深入分析了人耳在不同频率响应下的能量感知曲线，以及这种感知如何影响我们在长时间工作后对音色的判断。他甚至提供了一套作者自己设计的“听力恢复练习”，并非简单的休息，而是涉及特定频率噪音的短期暴露，以“重置”耳蜗的敏感度。这种将心理声学、生理学与实际操作完美结合的论述，展现了作者超凡的跨学科视野。书中的插图也值得称赞，它们不是那种粗糙的流程图，而是用极为清晰的向量图形绘制的声波模型和阻抗匹配示意图，每一个线条的粗细、颜色的深浅，似乎都经过了深思熟虑，服务于信息的最大化传递。我尤其喜欢其中一个关于“相位对齐”的隐喻，作者将复杂的相位问题比作多辆卡车在高速公路上同时变道，形象而生动地解释了为什么微小的延迟在低频区域能造成巨大的能量损失。这本书，无疑是为那些追求极致声音清晰度和空间感的专业人士量身定做的。

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这本书的整体氛围是探索性的、近乎于浪漫主义的，它似乎在歌颂录音艺术的无限可能性，而非仅仅停留在工具的使用说明上。它有一种强烈的“发现新大陆”的史诗感。我个人特别被其中关于“音乐的湿度”这一概念所吸引。作者没有试图给出一个明确的定义，而是通过一系列的文学化描述，引导读者去感受声音中那种难以言喻的“粘稠度”或“干燥感”。他将这种感觉与麦克风振膜的材质特性、以及录音环境中的空气密度联系起来，形成了一种诗意的联想。阅读过程中，我常常会合上书本，拿起我的乐器，试图去重现书中所描绘的那种特定的“氛围感”。书中推荐的许多实验方法都非常规，比如在不同气压下使用同一个话筒进行录音对比，这种对环境参数的微小变动的敏感捕捉，体现了一种对细节的近乎偏执的追求。更感人的是，在书的末尾，作者没有给出任何“总结”，而是留下了一个开放性的问题，关于“数字时代下，声音的灵魂是否依然存在于模拟的残影之中”。这种哲学层面的收尾，让我久久不能平静，它迫使我思考，技术服务于艺术的最终界限在哪里。这本书，与其说是一本教程，不如说是一场关于声音本质的深度冥想。

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这本书的封面设计简直是视觉上的享受，那种深邃的、带有一点点复古未来感的蓝色调，立刻抓住了我的眼球。我原本以为这会是一本关于吉他历史或者某个特定流派的深度解析，毕竟书名听起来就充满了力量感。然而，当我翻开第一页，我发现自己陷入了一种对音乐制作流程的全新理解之中。作者似乎在引导我们进行一场关于“声音雕塑”的哲学探讨，而不是简单地罗列技巧。比如，他对某个混响单元的描述，简直就像是在描述一幅油画的笔触，充满了感性与技术性的完美平衡。特别是关于动态范围控制的那一章，他没有使用枯燥的数学公式，而是用“捕捉空气的重量”这样的比喻来解释压缩器的工作原理，这让即便是初次接触录音棚概念的人也能迅速领悟其中的精妙。更让我惊喜的是，书中穿插了大量不同年代音乐人的访谈片段，这些片段并非那种官方的、公开发表过的陈词滥调，而是非常私密、近乎耳语的分享，关于他们在录制某个标志性riff时内心深处的挣扎与灵感迸发。这使得整本书读起来就像是在偷听大师们的秘密会议，那种沉浸感是其他技术手册望尘莫及的。我尤其喜欢其中关于“空间感模拟”的探讨，作者用极为细腻的笔触描绘了如何利用延迟和反射来构建一个虚拟的演奏空间，这对于任何试图在家中创造出专业录音棚效果的音乐人来说，都是无价的财富。整本书的排版也非常讲究，留白得当，字体选择也极其考究，阅读体验堪称一流。

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老实说，我购买这本书完全是出于一种“碰运气”的心态，因为我对这个领域的研究已经有了一定的基础，总觉得市面上大多数“进阶”读物无非是换汤不换药的重复。但这本书，它简直就像是一剂猛药，直接把我从固有的思维定势中猛地拽了出来。它的核心价值，我认为在于其对“直觉”与“量化”之间关系的深刻剖析。作者似乎并不满足于教你如何设置EQ的参数，他更深入地探讨了为什么我们要设置这些参数，以及这些参数如何映射到我们听觉上的感知偏差。比如，书中对“瞬态处理”的章节，没有过多纠结于时域波形分析，而是将重点放在了听众的“冲击力感知”上，这是一种非常高级的、以结果为导向的教学方法。我发现自己开始重新审视那些被我奉为圭臬的“黄金法则”，书中通过大量的反例和实验数据，证明了许多约定俗成的做法在特定情境下可能是致命的。这种敢于挑战权威的叙事方式，让我感到极大的振奋。书中引用的案例，跨越了爵士的细腻到重金属的爆发力，展示了一种普适性的声音哲学。我特别欣赏作者在论述某个复杂概念时，总能找到一个极为简洁有力的类比，比如他将滤波器衰减描述为“音乐的焦点拉伸”，一下子就抓住了核心。这本书不是一本可以快速翻阅的书，它需要你停下来，去思考，去实践，去质疑自己过去的所有经验。

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这本书的语言风格极其冷峻、精确，带有一种近乎冷酷的科学美感，读起来有一种在精密仪器实验室工作的错觉。它几乎完全摒弃了那种温和的、鼓励性的语气，转而采用了一种直接的、挑战性的陈述。例如，在讨论数字音频转换（ADC）的理论极限时，作者的论述如同手术刀般精准，没有丝毫的冗余。我发现自己不得不时不时地停下来，查阅一些基础的信号处理理论，因为作者在构建论点时，默认读者已经拥有了相当扎实的理论基础，他不会为基础知识浪费篇幅，而是直接进入到理论的深层应用和优化层面。书中对于时钟抖动（Jitter）和相位噪声的分析，详细到了令人发指的地步，甚至提到了某些特定芯片组在极端温度下的表现差异。这显然不是写给只想学习如何把吉他插进声卡里录音的人看的，而是面向那些醉心于底层架构和极限性能优化的发烧友。其中有一部分内容涉及到傅里叶变换在音频分析中的高级应用，作者不仅解释了如何计算，更重要的是，他详细阐述了如何在实际操作中“对抗”由FFT窗口选择所带来的伪影，这一点极其专业，让我受益匪浅。总而言之，这是一部需要严肃对待的“技术圣经”，它不会对你的理解程度做任何让步。

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