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出版者:Open University Press

作者:Richard Middleton

出品人:

页数:336

译者:

出版时间:1990-4-1

价格:USD 53.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780335152759

丛书系列:

图书标签:

• 流行文化研究
• 流行音乐
• 音乐学
• 文化研究
• 大众文化
• 音乐分析
• 音乐社会学
• 音乐产业
• 媒体研究
• 音乐教育
• 音乐史

书籍名称：The Sonic Tapestry: A Journey Through Global Soundscapes 作者： 阿尔弗雷德·范德比尔特 出版社： 环球音乐与文化研究出版社 --- 书籍简介： 《声波织锦：环球音景之旅》 是一部深入探讨世界各地音乐现象、文化语境及其社会影响的宏大叙事。本书超越了传统的音乐流派划分和地域限制，致力于揭示音乐作为一种全球性语言，如何在不同的历史、政治和社会结构中编织出复杂且相互关联的“声波织锦”。 本书并非仅仅是对特定音乐风格的梳理，而是一次对“声音如何构建意义”的哲学性探索，辅以详实的人类学和历史学研究。我们聚焦于那些定义了特定社区、激发了社会变革、并成功跨越文化鸿沟的音乐实践。 第一部分：声音的起源与地域性 第一章：原始共鸣与仪式之声 本章追溯了音乐在人类社会早期扮演的核心角色——从狩猎的节拍到部落的祭祀。我们将考察非西方文化中，声音在连接物质世界与精神领域中的不可替代性。内容详述了西非鼓乐的复杂信息系统，以及西伯利亚萨满教中，利用喉音和持续音进行“灵魂旅行”的技术。强调了这些早期形式如何奠定了一种基础认知：音乐不是娱乐，而是生存和秩序的必要组成部分。 第二章：殖民主义的声波遗产：混血与抵抗 这一章节深入剖析了全球大航海时代和殖民扩张对本土音乐文化造成的剧烈冲击与融合。重点分析了加勒比海地区的“三明治文化”——欧洲和非洲元素在美洲土壤上产生的化学反应，催生了如雷鬼乐（Reggae）前身的卡里普索（Calypso）的诞生，以及其内在蕴含的反殖民叙事。同时，我们也考察了亚洲，特别是印度次大陆，传统音乐体系如何吸纳了波斯和英国军乐队的影响，并发展出新的复杂乐器配置和即兴规则。 第三章：山脉、河流与旋律的地理学 本书通过地理决定论的视角审视音乐。我们对比了高原民族与沿海居民的音乐特征。例如，安第斯山脉的空旷与空气稀薄，如何塑造了对高音域和木管乐器的偏爱（如排箫），以及其音乐中普遍存在的悠长、沉思的特质。反观东南亚的丛林文化，其音乐往往节奏密集、充满层次感，与湿热环境中复杂的生物声景紧密相连。我们试图描绘出“地形如何‘训练’人类的听觉”。 第二部分：媒介、权力与社会变迁 第四章：录音技术革命与“声音的商品化” 这一章分析了留声机、广播和磁带技术如何彻底改变了音乐的传播模式，并塑造了“流行”的概念。我们探讨了早期唱片公司如何通过对音乐的筛选和编码，无意中建立了新的文化等级制度。关键案例研究包括20世纪初美国南方“Race Records”的发行策略，揭示了种族隔离政策如何影响了音乐的营销和分销，同时也为非主流声音提供了前所未有的传播渠道。 第五章：电子时代的重构：合成器与身份的流动性 聚焦于20世纪后半叶电子音乐的兴起，本书考察了合成器、采样器等技术如何解放了音乐家，使其不再受制于传统乐器的物理限制。我们详细分析了德国杜塞尔多夫的“机织之声”（如Kraftwerk）如何通过对机械美学的迷恋，表达了后工业社会的疏离感；以及早期底特律的Techno音乐，如何将城市衰败的工业噪音转化为对未来乌托邦的电子冥想，成为少数族裔寻求社群认同的新仪式。 第六章：音乐的政治学：从运动到国歌 本章探讨了音乐作为社会动员工具的强大效能。我们超越了对“抗议歌曲”的简单归类，而是深入研究了音乐结构本身如何传达政治信息。例如，歌曲的重复性、合唱的易学性以及特定的和声进行（如布鲁斯和弦在权利运动中的运用），是如何有效地动员民众，并构建起持久的集体记忆。我们还将分析在国家叙事中，官方音乐如何被精心设计，以维护或挑战既有的权力结构。 第三部分：全球化语境下的声音未来 第七章：跨文化采样与后现代的混音 本章进入当代全球音乐图景，审视数字采样技术如何模糊了“原创性”与“挪用”的界限。我们分析了“世界音乐”（World Music）这一标签本身的争议性，以及数字平台如何促进了前所未有的音乐融合。重点探讨了日本的City Pop、韩国的K-Pop，以及拉丁美洲的都市节奏如何通过网络迅速重组，形成新的全球审美标准，这其中涉及到对“地道性”的持续谈判。 第八章：沉浸式体验与空间音频的未来 本书的收官部分展望了音乐与新兴技术（如虚拟现实、空间音频技术）的结合。我们探讨了音乐体验如何从被动的听觉接收，转变为高度个性化和沉浸式的三维环境构建。这不仅关乎技术革新，更关乎人类对音乐在物理空间中存在方式的根本理解是否会发生改变。最终，本书提出疑问：在一个声音可以被完全定制和隔离的环境中，音乐如何维系其作为社区粘合剂的社会功能？ --- 《声波织锦：环球音景之旅》 是一部为严肃的音乐爱好者、文化人类学家、社会学研究者以及任何对人类声音实践充满好奇心的读者量身打造的深度著作。它提供的不是流行排行榜上的快餐知识，而是理解人类文明如何在振动中得以延续和演化的深度剖析。通过对不同文化中音乐实践的细致解构，读者将获得一套全新的工具，去聆听——真正地聆听——我们这个声音斑斓的世界。

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坦白讲，我一开始抱着一种略微怀疑的态度翻开这本书的，毕竟市面上关于音乐的书籍汗牛充栋，大多只是将一些早已被嚼烂的故事重新包装一遍，缺乏真正的新鲜见解。然而，这本书的开篇就迅速扭转了我的看法。它没有从音乐理论的枯燥角落切入，而是直接投向了大众文化的熔炉，用一种近乎于田野调查式的观察，描摹了特定音乐类型是如何在特定的地理和社会空间中生根发芽的。我最喜欢的一点是作者对于“声音景观”的描述，那种将音乐置于城市噪音、社交环境甚至时尚潮流中去考量的角度，提供了一种全新的听觉体验框架。比如，书中分析某个特定时期R&B的低音处理，如何呼应了当时城市青年群体对“力量感”和“身份认同”的渴望，这种层层递进的解读，让我重新审视了自己播放列表里的那些老歌，仿佛第一次听清了它们“言外之意”。这本书的行文风格非常活泼，虽然内容严肃，但作者似乎总能找到恰当的比喻和生动的案例，避免了学术著作常见的晦涩难懂。它更像是一位博学的朋友，在你耳边娓娓道来那些隐藏在节拍之下的深刻哲理，让人在不知不觉中完成了知识的吸收和心智的拓展。

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说实话，这本书的深度远超出了我对“流行音乐研究”这个领域的固有认知。我原以为它会集中在对几位超级巨星的生平八卦或某一特定流派的音乐特点进行肤浅的描述，结果却发现，作者构建了一个极其宏大且富有思辨性的分析框架。书中对于音乐技术进步（比如录音技术、采样技术的发展）如何反过来塑造听众的聆听习惯，并最终影响音乐创作范式的探讨，简直是醍醐灌顶。作者没有仅仅停留在对“歌词”的文本分析上，而是深入到“媒介”本身如何成为信息传递的一部分。我清晰地记得其中一个章节，详细剖析了音乐视频（Music Video）这种新兴媒介是如何在MTV时代成为音乐工业的核心驱动力，以及它如何催生了一种全新的、高度视觉化的流行文化消费模式。这种将技术、经济、美学和社会学交叉融合的分析方法，使得整本书充满了活力和前瞻性。它不只是在记录历史，更像是在预言未来音乐形态的演变方向。对于任何从事媒体、市场营销或文化研究的人来说，这本书提供的工具箱都是无比宝贵的。

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这本书的结构设计堪称精妙，它像是一部精心编排的交响乐，有着清晰的主题乐章和过渡段落。我不是科班出身的音乐研究者，对复杂的乐理知识感到头疼，但这本书完美地避开了这些陷阱，转而聚焦于“文化意义的建构”这一核心议题。作者似乎对每一个时代的流行音乐的“气质”都有着极其敏锐的把握，从早期的布鲁斯对美国梦的解构，到后朋克对个体疏离感的表达，其论述的密度和广度令人叹服。我特别欣赏作者在讨论特定音乐流派的商业化进程时所展现出的那种审慎态度——既承认市场是音乐传播的必要载体，又不盲目歌颂其对艺术纯粹性的侵蚀。书中穿插的一些艺术家访谈片段（或者说是基于历史资料的模拟重现），为原本抽象的理论分析增添了人性的温度。阅读过程中，我常常需要停下来，去重听那些被提及的经典曲目，然后带着书中提供的全新视角再进行品鉴，这种“理论指导实践，实践反哺理论”的良性循环，极大地提升了我的音乐鉴赏层次。这不仅仅是一本关于音乐史的书，它更是一部关于现代文化心理学的教材。

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这本书，这本书简直是为我这种音乐发烧友量身定做的，简直不敢相信我竟然能找到这样一本深入浅出的著作。我一直觉得，流行音乐的魅力远不止于那些朗朗上口的旋律和动感的节奏，它更像是一面折射社会变迁、文化思潮的镜子。这本书的作者显然也持有相同的观点，他/她并没有简单地罗列一些著名乐队的名字或者热门单曲的排行榜，而是巧妙地将音乐的演变置于宏大的历史和社会背景之下进行剖析。读到关于六十年代摇滚乐如何挑战既有价值观，以及八十年代合成器流行乐如何预示着数字时代的来临那几章时，我简直是屏住了呼吸。作者的笔触非常细腻，他能精准地捕捉到那些微妙的文化信号，并将它们与音乐形式的创新紧密地联系起来。我尤其欣赏他/她对“主流”与“边缘”之间张力关系的探讨，那种既肯定流行音乐的商业成功，又不失批判性反思的态度，让人读起来非常酣畅淋漓。全书的论证逻辑严密，文献引用扎实可靠，完全不是那种浮于表面的“流行乐速成指南”，而是一部真正有学术厚度，同时又极富阅读趣味的佳作。对于任何想要超越“听歌”层面，真正“理解”流行音乐的人来说，这本书无疑是一把开启大门的金钥匙。

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这本书的阅读体验是极其流畅且引人入胜的，它成功地做到了学术研究与大众普及之间的完美平衡。我尤其欣赏作者在处理那些具有争议性或敏感性主题时的平衡感，例如音乐中的性别表达、种族身份的挪用与认同等议题。作者没有采取居高临下的说教姿态，而是通过严谨的数据和案例分析，引导读者去思考这些复杂的社会问题如何在音乐的表层下暗流涌动。书中对于特定亚文化群体如何通过音乐来构建反主流叙事，以及这些叙事最终如何被主流市场吸收和稀释的过程描述得尤为到位。读到关于电子舞曲（EDM）从地下派对文化走向全球大型音乐节的段落时，我能清晰地感受到那种文化能量的转移与耗散。这本书的叙事脉络清晰，即使涉及跨越数十年的时间线和地域跨度，作者的掌控力也使得读者始终能够抓住核心线索。它让我意识到，我们每天无意识中听到的音乐，背后承载了多么复杂、多么有力的社会信息，这本书，绝对值得反复品味和深入研读。

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