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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Beatles

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:1987-06-01

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780793505814

丛书系列:

图书标签:

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The Beatles Guitar：一段跨越时代的音乐炼金术 提及“披头士吉他”，这几个词语本身就蕴含着一种特殊的魔力，足以唤醒无数乐迷心中那段辉煌的音乐记忆。它不仅仅是一件乐器，更是那个时代反叛精神、艺术创新以及全球文化交融的具象载体。本书《The Beatles Guitar》并非一本枯燥的乐器技术指南，也不是对乐队成员吉他技巧的逐一剖析，而是试图深入挖掘，那些在披头士音乐创作和演出现场中，作为核心灵魂存在的吉他，如何与四位传奇人物的思想、情感以及那个变革的时代发生共鸣，最终淬炼出一段跨越半个多世纪，至今仍深刻影响着全球音乐格局的音乐炼金术。 本书将带领读者踏上一段奇妙的音乐探索之旅，从披头士最初的简陋设备，到他们后期那些前所未有的音色实验，追溯他们对吉他音色、演奏方式以及录音技术的革新。我们不会仅仅停留在“谁用了哪一把吉他”的表面，而是要探究这些选择背后的深层原因：是经济的限制？技术的偶然？还是他们对声音有着独到的、超越时代的理解？ 从利物浦街头到全球舞台：吉他的演变与灵魂的呼唤 故事的开端，总是从那些充满烟雾的利物浦小酒吧开始。约翰·列侬和保罗·麦卡特尼，在最初组建“The Quarrymen”时期，手中的吉他或许只是简单的木制乐器，甚至是为了模仿当时流行的摇滚乐手而购买的二手货。然而，正是这些朴素的工具，承载了他们最初的音乐梦想和对未知世界的渴望。本书将详细描绘那个时期，约翰和保罗如何通过不断地摸索和练习，逐渐找到属于自己的演奏风格，并为披头士未来的音乐奠定基础。我们会看到，即便是最初简单的和弦进行和节奏型，也蕴含着后来那些经典作品的雏形。 随着披头士声名鹊起，他们的音乐也在不断进化。从早期充满活力的流行摇滚，到中期充满哲学思考的叙事性歌曲，再到后期实验性极强的概念专辑，吉他的角色也在发生着翻天覆地的变化。本书将重点关注乐队成员在不同时期所使用的标志性吉他。例如，约翰·列侬标志性的 Rickenbacker 325，它那独特的音色如何在《I Want to Hold Your Hand》和《A Hard Day's Night》等早期作品中，成为乐队清新、活泼的代表？乔治·哈里森的 Gretsch Country Gentleman 和后来的 Fender Stratocaster，又如何在他日渐成熟的吉他演奏中，展现出其旋律性和富有东方色彩的独特韵味，尤其是在《Something》和《Here Comes the Sun》等作品中，我们能听到吉他如何如同歌唱一般，传递出深刻的情感？ 保罗·麦卡特尼对吉他的使用，同样不容忽视。他不仅是出色的贝斯手，更是富有创新精神的吉他手。本书将探讨他在《Yesterday》和《Blackbird》等作品中，如何运用原声吉他，营造出细腻、动人的旋律，展现出他作为一位全能音乐人的才华。 音色的魔术师：录音室里的吉他革命 披头士不仅仅是现场演出的王者，更是录音室里的革命者。他们与乔治·马丁及其团队合作，将录音室变成了一个巨大的“声音实验室”。本书将深入探讨披头士如何利用吉他，在录音室中创造出前所未有的音响效果。我们不仅会关注乐器本身，更会着重分析他们对于各种效果器、放大器以及录音技术的创新运用。 例如，失真（Distortion）效果在《Helter Skelter》和《Revolution》等歌曲中的大胆使用，如何打破了当时主流摇滚乐的音色界限，为后来的重金属音乐提供了灵感？回声（Echo）和延迟（Delay）效果在《Tomorrow Never Knows》等迷幻摇滚作品中的巧妙运用，如何营造出一种超现实、迷幻的听觉体验？他们是如何利用多轨录音技术，将不同的吉他音色叠加在一起，创造出丰富而层次分明的音乐织体？本书将试图揭示，披头士如何将吉他从单纯的旋律和节奏乐器，提升到一种能够表达复杂情感和抽象概念的艺术媒介。 不仅仅是乐器：吉他作为文化符号与精神象征 《The Beatles Guitar》并非仅仅停留在技术层面，它更将吉他置于更广阔的文化和社会语境中进行审视。披头士的音乐，尤其是他们吉他演奏所承载的声音，与那个时代的青年文化、反战运动、以及全球性的社会变革紧密相连。 本书将探讨，披头士的吉他音乐如何成为一种反叛的宣言，挑战传统的音乐规范和陈规。在《A Day in the Life》的史诗级结尾，吉他音墙的轰鸣，如何象征着一种集体性的呐喊和对未知未来的探索？在《Revolution》中，吉他粗粝、激进的声音，又如何与歌曲的主题相呼应，表达出对社会不公的愤怒和对变革的渴望？ 同时，我们也会关注披头士吉他音乐所带来的全球性影响。他们的音乐跨越了国界和语言，激励了无数年轻人拿起吉他，组建自己的乐队。从欧洲到亚洲，从南美到非洲，披头士的吉他旋律和节奏，成为了连接不同文化、促进跨国界交流的桥梁。本书将尝试描绘，那些来自世界各地的年轻人，如何通过模仿和学习披头士的吉他演奏，找到自我表达的出口，并最终在自己的音乐中融入了本土的文化元素，形成了更加多元和丰富的音乐景观。 超越时代的回响：吉他精神的永恒传承 时至今日，披头士的音乐依然被奉为经典，而他们吉他所创造出的声音，仍然是无数吉他手学习和致敬的对象。本书的最后部分，将着眼于披头士吉他精神的传承。我们会探讨，后来的无数音乐人，是如何从披头士的吉他音乐中汲取灵感，并在自己的创作中加以发展和创新。从早期的摇滚乐，到后来的朋克、新浪潮、独立摇滚，乃至当代的流行音乐，披头士吉他留下的痕迹无处不在。 本书将通过分析具体音乐作品、采访音乐人以及回顾音乐历史事件，来展现披头士吉他所带来的持久而深远的影响。它并非一本讲述“过去”的书，而是试图揭示，披头士吉他所蕴含的创新精神、情感张力以及文化力量，是如何穿越时间的长河，依然在今天的音乐世界中回响，并继续激励着新一代的音乐人去探索、去创造、去打破界限。 《The Beatles Guitar》是一次对音乐史上一段辉煌篇章的深度回溯，是一次对吉他乐器在音乐创作、文化传播以及精神象征层面所扮演角色的全面解读。它旨在让读者在聆听那些熟悉的旋律时，能够感受到吉他背后更深层的含义，体会到四位传奇人物是如何通过手中的吉他，谱写出一段永不磨灭的音乐传奇。

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我必须说，这本书在排版和视觉呈现上做到了极高的水准，这对于一本技术书籍来说，是难能可贵的。它的纸张质量厚实，拿在手里有份量感，而且墨水的对比度非常适宜，长时间阅读也不会造成眼睛疲劳。更重要的是，它对图示的运用达到了艺术品的级别。比如，在讲解“扫弦的力度曲线”时，它没有用传统那种僵硬的力度标记，而是用了一种类似等高线地图的方式，清晰地标示出了扫弦时力量的中心点和扩散范围，配上那种柔和的灰度渐变，让人一目了然。当我学习到关于“封闭和弦的转换”那一节时，我几乎是屏住呼吸在看。书中没有使用传统的吉他谱，而是引入了一种独特的“指位投影图”，仿佛吉他指板被从侧面切开，清晰地显示了手指在品丝上的压力分布和角度关系，这比我过去看到的任何三维示意图都要直观有效得多。此外，作者在引用其他经典乐段作为范例时，都非常考究，不仅标注了作曲家，还附带了一小段关于该乐段在音乐史上的地位的背景介绍，这极大地丰富了我的文化储备。这本书的整体气质非常沉稳、内敛，透露出一种对音乐和工匠精神的深深敬意，读起来让人感到踏实和可靠，仿佛自己手中拿的不是一本教材，而是一件经过精心打磨的工艺品。

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作为一名已经弹了快十年的“老炮儿”，我其实很少再看新的吉他书籍了，总觉得那些无非是对经典技巧的重新排列组合。但最近不知怎么手痒，鬼使神差地拿起了这本《弦上的几何学》（一个听起来很硬核的名字）。最让我眼前一亮的，是它对高级和声色彩的探讨。很多教材在讲到七和弦、九和弦之后就戛然而止，或者只停留在简单的配伴奏层面。这本书则大胆地进入了“扩展音程”和“调式色彩”的领域，而且给出了大量实用的“和弦替换”方案。它没有仅仅停留在理论层面，而是直接将复杂的爵士和声运用到流行乐的编曲中，用大量的示例曲目来演示如何用一个“听起来很怪”的和弦，瞬间将一首平庸的流行歌曲提升到令人惊艳的层次。更让我感到惊喜的是，书中还专门开辟了一个章节讲解“指弹的声学特性”，深入讨论了不同品位对泛音产生的影响，甚至讨论了琴桥材料对延音衰减率的物理学原理。这已经超越了普通乐器教学的范畴，简直像是一本吉他制作工程师的内部手册。阅读体验非常酣畅淋漓，它没有试图把我教成一个只会弹Riff的匠人，而是试图把我打造成一个能设计音乐结构的建筑师。我甚至发现了一些我过去在听大师演奏时，虽然能“感觉”到，但却无法“命名”的技巧，这本书帮我把那些模糊的感性认知，转化成了清晰的理性框架。

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这本书给我的体验是——它教会我如何“呼吸”。是的，我说的不是生理上的呼吸，而是音乐中的节奏呼吸感。我过去弹琴总是很“紧绷”，每一个音符都想弹得力度平均、节奏精准，结果听起来像一台老旧的节拍器，毫无生气。这本书的开篇，用了一个非常哲学化的提问：“音符与音符之间的‘空白’，是否比音符本身更重要？” 随后，它展开了对“乐句的断句”和“休止符的色彩”的深入探讨。它详细分析了摇滚乐吉他手如何巧妙地运用“切分音的延迟”来创造摇滚的“松弛感”，以及在慢歌中，如何通过延长一个长音的衰减尾音来营造“空间感”。书中对“动态范围”的讲解尤为精辟，它不是简单地说“这里要轻，那里要重”，而是提供了一套基于“情绪递进”的动态标记系统，让你在演奏时，能自然地根据歌曲的情绪起伏来调整音量和音色。我尝试用书中的“情绪图谱”来指导我的即兴演奏，结果发现，我不再仅仅是把音符串在一起，而是开始构建真正的“音乐对话”。它鼓励我们去模仿人声的抑扬顿挫，将吉他视为一种“会说话的乐器”。这种以表达为核心的教学理念，彻底颠覆了我过去那种“技术先行”的训练模式。这本书，更像是一位高明的音乐心理导师，引导我找到了我自己的声音。

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老实说，我本对这种所谓的“速成指南”抱持着十二分的怀疑态度，毕竟吉他这玩意儿靠的是日积月累的肌肉记忆和乐理的融会贯通，哪有那么容易一蹴而就？然而，翻开这本《指尖的哲学》（姑且用一个更具思辨性的名字来描述它给我的感受）后，我发现它走了一条非常独特的路径。它似乎更侧重于培养演奏者的“音乐思维”而非单纯的“演奏技巧”。书中对不同风格的乐曲（比如蓝调的推弦、乡村音乐的交替拨弦）的解析，与其说是教你“怎么做”，不如说是让你理解“为什么这么做”。它会深入探讨特定风格背后的文化根源和乐手心理，比如，在谈论布鲁斯独奏时，作者会花大篇幅去描述那种“在痛苦中寻求释放”的情感张力，并将其转化为具体的揉弦幅度和时值控制。这种深度的剖析，让我对那些我过去只是模仿弹奏的段落，有了全新的、更具情感深度的理解。它挑战了我过去对“标准指法”的刻板印象，鼓励读者根据自己的手型和音乐感觉去微调技巧，强调个性化表达的重要性。书中还穿插了一些关于录音棚实践的经验分享，比如如何处理麦克风摆位来捕捉木吉他最温暖的共鸣，这对于想自己录制Demo的业余爱好者来说，简直是无价之宝。整本书的行文逻辑非常严谨，像是在进行一场精心策划的学术研讨会，绝非泛泛而谈的“小窍门集合”。

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这本吉他教材简直是为我这种半路出家的乐手量身定做的！我之前买过几本号称“零基础入门”的书，结果翻开第一页就是一堆枯燥的和弦图和五线谱，看得我头都大了。但这本《吉他秘籍》（暂且这么称呼它，因为我还没看到书名）完全不是那套路。它上来就用非常生动的故事和比喻来讲解吉他的基本构造，仿佛你在和一个经验丰富的老朋友聊天，而不是在对着一本冰冷的教科书学习。比如，它把琴颈比喻成一个“音乐的迷宫”，把指板上的音符比喻成“散落在不同角落的宝藏”，一下子就激发了我探索的欲望。更绝的是，它在讲解右手拨弦技巧时，没有直接堆砌复杂的术语，而是通过模仿自然界的声音来帮助理解“律动感”和“力度控制”，这一点真的太巧妙了。我按照书里描述的方法试了一下，感觉手指的协调性瞬间提升了一个档次。我最欣赏的是它对“听力训练”的强调，很多教材只顾着让你“看”和“弹”，却忽略了“听”。这本书里设计了很多小练习，让你在弹奏的同时，必须仔细分辨音高的细微差别，这让我对音乐的理解不再停留在指尖的机械动作上，而是真正开始用耳朵去“感受”音乐的脉搏。如果说有什么不足，可能就是插图的印刷质量略显平淡，但我已经完全沉浸在文字传达的知识魅力中了，这点瑕不掩瑜。我敢肯定，这本书能让任何对吉他心存敬畏的初学者，轻松跨过那道最初的心理障碍。

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