Making Popular Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026
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具体描述
*Nominated for the International Association for the Study of Popular Music Book Prize* Partly because they are the objects of such intense adulation by fans popular musicians remain strangely enigmatic figures, shrouded in mythology. This book looks beyond the myth and examines the diverse roles music makers have had to adopt in order to go about their work: designer, ventriloquist, star, delegate of the people. The musician is a divided subject and jack of all trades However the story does not end here. Arguing against that strand in cultural studies which deconstructs all claims for authorship by the individual artist, Jason Toynbee suggests that creativity should be reconceived rather than abandoned. He argues that what is needed is a sense of 'the radius of creativity' within which musicians work, an approach that takes into account both the embedded collectivism of popular music practice and the institutional power of the music industries. Drawing on a wide range of theoretical positions, as well as examining musical texts from across the history of twentieth-century pop,this groundbreaking book develops a powerful case for the importance of production in contemporary culture. Students of cultural and media studies, music and the performing arts will find this book an invaluable resource.
作者简介
目录信息
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用户评价
这本书的魅力，在于它没有将流行音乐制作“神化”，而是将其置于一个非常务实的视角下进行解读。作者以一种谦逊而真诚的口吻，分享了他多年来在录音室的经验和感悟，让我觉得他就像是一位坐在我身边的老朋友，耐心地解答我心中关于音乐制作的各种疑惑。我特别欣赏他对“情感表达”的侧重。他反复强调，无论多么高超的技术，最终都要服务于情感的表达。他认为，一首能够打动人心的歌曲，一定是包含了真挚的情感，而制作过程中的每一个细节，都应该围绕着如何更好地传达这份情感。他举了一些例子，说明如何通过调整乐器的音色，来营造出欢快、悲伤、或者激昂的情绪。这让我意识到，音乐制作并非是冰冷的机械操作，而是一种充满艺术性的情感雕塑。书中关于“故事性”的讨论也让我深思。作者认为，很多成功的流行歌曲，都具备一种内在的叙事性，即使歌词并不直白，也能让听众感受到一种情感的起伏和发展。他分享了一些关于如何通过音乐的起承转合，来构建歌曲的故事线的方法。这让我开始用一种全新的视角去欣赏歌曲，不再仅仅关注旋律，而是去感受歌曲所讲述的故事。此外，他对“独特性”的追求也让我深受启发。作者鼓励读者不要盲目模仿，而是要找到自己的声音，创造出属于自己的音乐。他分享了一些关于如何通过尝试不同的风格和技巧，来形成个人特色的方法。这让我明白，真正的创新，来源于对自我的深刻认知和对音乐的热爱。
评分《Making Popular Music》这本书，在我看来，并非一本简单的技术手册，而是一份关于如何“连接”的宝贵指南。作者没有将自己定位为高高在上的专家，而是以一种平等的姿态，与读者分享他对音乐创作的深刻理解。他反复强调，“听众”的重要性，认为所有的创作，最终都是为了与听众建立情感的连接。我尤为欣赏他对“故事性”的解读。他认为，一首真正动人的流行歌曲，就像一扇窗户，让听众能够窥探到创作者内心的世界，或者感受到一种共通的情感。他详细讲解了如何通过旋律的起伏，歌词的意境，以及编曲的氛围，来构建歌曲的故事线，让听众在音乐中，经历一场情感的旅程。这让我明白，音乐创作并非是孤芳自赏，而是与听众进行一场心灵的对话。书中对“共鸣”的探讨也让我深受启发。作者认为，成功的流行歌曲，往往能够触及听众内心深处的情感，引发他们的共鸣。他分享了一些关于如何通过捕捉人性的普遍情感，来创作出能够打动人心的歌曲的方法。这让我意识到，音乐的力量，在于它能够超越语言和文化的界限，连接起每一个人的心灵。此外，他对“记忆点”的创造也让我印象深刻。作者鼓励在歌曲中设置那些容易被记住的“记忆点”，比如朗朗上口的旋律，标志性的节奏，或者富有画面感的歌词。这让我明白，一首成功的流行歌曲，不仅仅是听觉的享受，更是能够留在听众记忆中的美好片段。
评分这本书着实为我打开了一扇全新的大门，让我看到了流行音乐制作背后那令人惊叹的细节和创造力。作者在分析歌曲结构时，没有仅仅停留在理论层面，而是通过大量生动的案例，深入浅出地剖析了各种经典流行曲的骨架。他将歌曲比作一个建筑，主歌是地基，副歌是高潮的楼层，而桥段则是连接不同部分的空中花园，每一个部分都承载着不可或缺的功能。我印象最深刻的是他对“副歌”的阐释。他指出，副歌之所以能够成为歌曲的灵魂，不仅仅是因为它的旋律更朗朗上口，更重要的是它往往浓缩了歌曲的主题和情感，并且以一种更具爆发力的方式呈现。他分享了自己是如何在创作中反复打磨副歌，力求做到既能引起共鸣，又能给人留下深刻的印象。更让我感到惊喜的是，书中对“变化”的探讨。作者并没有鼓励一成不变，而是详细讲解了如何在歌曲的各个部分引入微妙的变化，例如在主歌中加入一些新的旋律元素，或者在副歌重复时增加一些和声的色彩。他强调，这些变化并非是为了炫技，而是为了保持听众的兴趣，让他们在熟悉的旋律中感受到新鲜感。读到这部分的时候，我忍不住回想起自己曾经听过的那些歌曲，突然意识到，很多时候，那些让我觉得“好听”的歌曲，正是因为在这些细节处做得足够好。书中关于“器乐的编排”也让我眼前一亮。作者并没有一味地推崇复杂的编排，而是强调了“功能性”。他认为，每一种乐器的加入，都应该服务于歌曲整体的表达，而不是为了单独展示某个乐器的技巧。他举了一些简单的编排案例，说明如何通过巧妙的乐器选择和演奏方式，来营造出不同的音乐氛围。这让我明白，有时候，最简单的编排，反而最能打动人心。
评分这本书的语言风格非常吸引人，它没有使用那些晦涩难懂的音乐术语，而是用一种平易近人的方式，将复杂的音乐制作概念呈现出来。作者就像一个经验丰富的导师，用他独到的见解，带领我一步步揭示流行音乐的奥秘。我尤其喜欢他对“节奏”的分析。他没有将节奏仅仅看作是鼓点，而是将其视为一种“脉搏”，一种生命力的体现。他详细讲解了如何通过不同的节奏型，来营造出不同的情绪和氛围，比如欢快、沉重、或者神秘。他甚至分享了一些关于如何通过改变节奏的“细微之处”，来让歌曲产生“律动感”的方法。这让我明白，节奏不仅仅是歌曲的骨架，更是其灵魂所在。书中对“音色”的运用也让我大开眼界。作者认为，音色是音乐的“色彩”，不同的音色组合，能够产生出丰富多样的情感。他详细介绍了各种乐器的音色特点，以及如何通过后期处理，来改变和塑造音色。这让我意识到，即使是同一个旋律，用不同的音色来演奏，也能产生出截然不同的效果。他甚至分享了一些关于如何找到“独特音色”的技巧，让我觉得非常实用。此外，他对“动态范围”的讲解也让我受益匪浅。作者认为，动态范围是音乐的“呼吸”，适度的动态变化，能够让歌曲更具生命力。他详细讲解了如何通过调整音量的变化，来营造出不同的情绪和张力。这让我明白，音乐并非是静止的，而是充满变化的。
评分《Making Popular Music》这本书，与其说是一本制作指南，不如说是一场关于音乐灵魂的深度对话。作者没有拘泥于繁琐的技术流程，而是将重点放在了如何捕捉和放大音乐中的“魔力”。他用一种非常诗意化的语言，描绘了音乐是如何从无到有，逐渐显现出生命力的过程。我尤为欣赏他关于“共振”的阐释。他认为，一首好的流行歌曲，不仅仅是唱给耳朵听的，更是要触及听众的内心，引起情感上的共振。他分享了一些关于如何通过旋律的起伏，节奏的律动，以及和声的色彩，来引导听众的情感，让他们在音乐中找到自己的影子。这让我意识到，音乐制作的最终目的，是建立一种情感的连接。书中对“留白”的运用也让我眼前一亮。作者并没有鼓励将每一个音符都填满，而是强调了“留白”的重要性。他认为，适度的留白，能够给听众留下想象的空间，让他们在音乐的间隙中，感受到更多的可能性。这让我明白，有时候，少即是多，最动人的音乐，往往是那些留有余韵的。此外，他对“意外之喜”的探索也让我感到兴奋。作者鼓励在制作过程中，拥抱那些意料之外的“错误”，因为它们有时会带来意想不到的灵感。他分享了一些自己是如何从“失误”中获得创意的经历。这让我觉得，音乐制作的旅程，充满了惊喜和探索，而非一成不变的公式。
评分《Making Popular Music》这本书，以一种非常接地气的方式，让我看到了流行音乐制作的“幕后故事”。作者没有用那些高深的理论吓唬我，而是用他丰富的经验和独到的见解，一点点地揭示着音乐创作的奥秘。我特别喜欢他对“旋律”的讲解。他没有将旋律仅仅视为音符的组合，而是将其视为一种“情感的语言”。他详细分析了不同的旋律走向，如何能够传达出欢快、悲伤、或者激昂的情绪。他甚至分享了一些关于如何创造“令人难忘的旋律”的技巧，让我觉得非常实用。这让我明白，旋律不仅仅是好听，更重要的是能够触动人心。书中对“节奏”的阐释也让我受益匪浅。作者认为，节奏是音乐的“脉搏”，是歌曲的生命力所在。他详细讲解了如何通过不同的节奏型，来营造出不同的音乐氛围，比如快节奏的歌曲能够带来活力，慢节奏的歌曲能够带来舒缓。他甚至分享了一些关于如何通过改变节奏的“细微之处”，来让歌曲产生“律动感”的方法。这让我意识到，节奏不仅仅是听觉的享受，更是情感的表达。此外，他对“和声”的运用也让我大开眼界。作者认为，和声是音乐的“色彩”，不同的和声组合，能够产生出丰富多样的情感。他详细介绍了各种和弦的特点，以及如何通过和声来增强歌曲的情感表达。这让我明白，音乐的魅力，不仅仅在于旋律，更在于它所营造出的丰富层次。
评分这本书的叙述方式非常流畅，作者就像一个经验丰富的旅行家，带领我在流行音乐的世界里进行一场精彩的探险。他没有给我灌输那些枯燥的理论，而是用生动的例子和形象的比喻，让我一步步地理解音乐制作的精髓。我尤为欣赏他对“情感表达”的重视。他反复强调，音乐创作的最终目的，是打动人心。他详细分析了如何通过旋律的起伏，歌词的意境，以及编曲的氛围，来营造出不同的情感，让听众在音乐中，感受到共鸣。这让我明白，音乐不仅仅是声音的组合，更是情感的传递。书中对“故事性”的解读也让我印象深刻。作者认为，一首好的流行歌曲，就像一个故事，有开头，有发展，有高潮，有结尾。他分享了一些关于如何通过音乐的起承转合，来构建歌曲的故事线的方法。这让我意识到，音乐创作并非是孤立的，而是与生活息息相关的。此外，他对“独特性”的追求也让我深受启发。作者鼓励读者不要盲目模仿，而是要找到自己的声音，创造出属于自己的音乐。他分享了一些关于如何通过尝试不同的风格和技巧，来形成个人特色的方法。这让我明白，真正的创新，来源于对自我的深刻认知和对音乐的热爱。
评分这本书的开篇就以一种相当接地气的方式，将我从一个可能还在迷茫的音乐爱好者，瞬间拉入了流行音乐制作的实际操作层面。作者并没有一开始就灌输那些高深的理论，而是从最基础的“想法”开始，比如一个旋律的灵感从何而来，一个鼓点的节奏如何敲打出时代的脉搏。我特别喜欢他描述的那个场景，就是作者自己当初是如何在一个深夜，对着录音设备，哼唱出一个模糊的旋律，然后是如何一步步将其捕捉，并赋予生命。这种叙述方式非常吸引人，因为它让我觉得，流行音乐的创作并非遥不可及，而是可以通过细致的观察和不断的尝试来达成。书中关于“动机”的讨论，让我意识到，很多伟大的歌曲，其核心并非复杂的编排，而是那个简单而动人的“动机”。他举了几个大家耳熟能详的例子，分析了这些歌曲最吸引人的部分，通常是那个最容易被记住的旋律片段，或者是一个标志性的节奏型。这让我开始重新审视那些曾经只被我当做“背景音乐”的歌曲，发现它们背后蕴含着多么精妙的设计。更重要的是，书中不仅仅是停留在“如何开始”的阶段，还深入探讨了“如何发展”。作者用非常生动的语言，描述了如何从一个模糊的想法，逐渐构建出完整的歌曲结构，比如如何安排主歌、副歌、桥段，以及如何让它们之间形成流畅的衔接。他强调了“重复”的重要性，但并非单调的重复，而是通过变化和递进，让听众在熟悉中感受到惊喜。读到这部分的时候，我脑海里浮现出了很多歌曲的画面，开始理解为什么有些歌曲能让人百听不厌，而有些则很快就被遗忘。书中关于“叙事性”的分析也让我受益匪浅，作者认为，一首好的流行歌曲，即使歌词简单，也应该能够讲述一个故事，或者唤起一种情感。他通过对比不同的歌曲，展现了如何运用旋律、节奏、和声来烘托歌词的情感，让听众产生共鸣。这让我意识到，音乐不仅仅是声音的组合，更是一种情感的传递。
评分这本书以一种非常独特的方式，让我重新审视了流行音乐的创作过程。作者没有回避那些看似“平凡”的制作环节，而是将它们描绘得生动有趣，让我看到了每一个细节背后蕴含的创造力。我尤其喜欢他对“声音质感”的论述。他将声音比作“油画颜料”，不同的“颜料”组合，能够描绘出不同的画面。他详细介绍了各种乐器的“色彩”，以及如何通过录音技术和后期处理，来塑造出丰富多样的声音质感。这让我明白，为什么有些歌曲听起来就是那么“丝滑”，或者那么“粗粝”，原来是声音质感在起着关键作用。他甚至分享了一些关于如何创造“特殊音色”的技巧，让我觉得非常新颖。书中对“空间感”的营造也让我大开眼界。作者认为，声音并非是平面的，而是具有空间感的。他详细讲解了如何通过“回声”、“混响”等技术，来模拟不同的空间，让声音产生深度和层次。这让我意识到，音乐的魅力，不仅仅在于旋律，更在于它所营造出的空间感。他甚至分享了一些关于如何让声音听起来“近在咫尺”或者“远在天边”的技巧。此外，他对“动态范围”的讲解也让我受益匪浅。作者认为，动态范围是音乐的“生命线”，适度的音量变化，能够让歌曲更具张力和感染力。这让我明白，音乐并非是固定不变的，而是充满活力的。
评分当我翻开这本书时，我期待的是一些关于音乐理论或者创作技巧的“硬核”内容，但《Making Popular Music》却以一种出乎意料的细腻和人性化的方式，让我对流行音乐的理解发生了颠覆。作者并非一个冷冰冰的理论家，他更像是一位经验丰富的向导，带领我一步步探索流行音乐的深邃世界。他没有回避那些看似“琐碎”的制作环节，而是将它们娓娓道来，让我看到每一个小小的声音，如何汇聚成一首动人的歌曲。我特别喜欢他关于“声音质感”的论述。他用非常形象的比喻，比如把声音比作“布料”，有的粗糙，有的光滑，有的厚重，有的轻盈。然后他解释了如何通过不同的录音设备、麦克风选择，以及后期处理，来塑造出不同质感的声音。这让我明白，为什么有些歌曲听起来就是那么“舒服”，或者那么“有力”，原来背后有如此多的讲究。书中对“空间感”的描绘也让我印象深刻。作者用“回声”、“混响”等概念，解释了如何通过模拟不同的空间，来让声音产生距离感和深度。他甚至分享了一些关于如何让声音听起来“像在剧院”或者“像在小房间”的技巧。这不仅仅是技术层面的讲解，更是他对声音美学的深刻理解。当我读到关于“动态”的部分时，我感到豁然开朗。作者没有简单地讲解音量的变化，而是阐述了动态是如何影响歌曲的情绪和节奏的。他用“呼吸”来比喻动态，认为歌曲就像是在呼吸，有舒缓的长音，也有急促的短句。这种贴切的比喻，让我立刻理解了动态在音乐中的重要性。
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