This completely revised self-instruction book was written by one of the most outstanding jazz guitarists today. It covers: how to play chords the modern way, vamps and fill-ins, bop-blues, bounce blues, runs, introductions, technique, thoery, and much more.
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作为一本深入的爵士吉他教材,它的价值远超乎想象,特别是在提升即兴创作的连贯性方面。我发现很多教材在讲解即兴时,往往侧重于“如何找到音符”,而这本书则专注于“如何讲述一个故事”。它花了不少篇幅讨论了“动机发展”(Motif Development)的技巧,教导我们如何将一个两到三个音符的简单旋律片段,通过节奏的改变、音程的扩展、和声背景的置换,发展成一段完整且逻辑清晰的Solo段落。书中给出的范例是极富启发性的,它们展示了真正的爵士乐即兴是建立在主题和变奏之上的,而不是音符的随机堆砌。这种训练方式,迫使我必须放慢速度,先思考“我要表达什么”,而不是“我能弹什么音”。此外,书中对一些不那么常见的调式和调性(比如Lydian Dominant或Phrygian b2)的讲解,都附带着非常实用的、针对吉他指板的指法优化建议,避免了我们在实际演奏中因为指法僵硬而无法流畅表达思想。总而言之,这本书提供了一套完整的、从基础概念到高级音乐表达的闭环训练系统。
评分坦白说,我本来对市面上那些泛泛而谈的爵士乐书籍已经有些审美疲劳了,它们大多停留在“弹奏音阶”和“试试这个节奏型”的初级阶段。然而,这本《Jazz Guitar Micky Baker》却展现出了一种罕见的深度和实践性。它最让我惊喜的是关于“节奏织体”的处理。爵士乐的精髓绝不仅仅在于你弹了什么音,更在于你怎么“切”这个音。书中对于“摇摆律动”(Swing Feel)的解析,不再是含糊地说“八分音符要不均匀”,而是用非常具体的、带有实验性的练习,教你如何找到那种令人愉悦的“推-拉”感。我花了好几天时间,专门练习书中关于“切分和节奏位移”的小练习,一开始手感很别扭,但坚持下来后,我发现在和乐队一起演奏时,我不再是生硬地“跟”着鼓点走,而是开始真正地“融入”到律动之中,能够更自由地在前拍和后拍之间呼吸。更不用提它对特定风格吉他手(比如韦斯·蒙哥马利或乔·帕斯)演奏特点的分解了,这些分析并非简单的模仿,而是挖掘了他们如何通过对节奏重音的微妙控制,来塑造个人音色的,这对于想建立自己独特声线的学习者来说,简直是金玉良言。这本书真正做到了将理论与律动这两个爵士乐的灵魂支柱紧密地结合起来。
评分这本关于爵士吉他的书,我得说,它真是让我对指板的理解提升到了一个全新的层次。开篇部分,作者对和弦理论的讲解,简直是教科书级别的清晰。他没有仅仅罗列公式,而是深入剖析了每个和弦音级的色彩和功能,尤其是在II-V-I进行中的应用,那种层次感和空间感一下子就打开了。我以前总觉得三七和弦听起来“糊”,用了这本书里的手法后,才知道关键在于如何巧妙地运用导向音和色彩音来构建平滑的声部进行。书中大量的示例曲谱,并不是那种孤立的练习片段,而是紧密结合了实际演奏情境,让我立刻就能在自己的演奏中尝试并感受到效果。比如,在讲解替代和弦时,他展示了如何用增三和弦来增加进行中的张力,那种渐进式的引导,让人非常容易消化和吸收。我特别喜欢他关于“和弦内音旋律”的阐述,这极大地丰富了我Solo时的素材库,不再是枯燥地在和弦音上打转,而是让旋律线自身也充满了和声的逻辑。这本书的排版也非常人性化,谱例清晰,术语解释到位,对于一个沉浸在学习中的乐手来说,这种细节上的体贴是极其重要的。它更像是一位经验丰富的老乐手在你身边,耐心地为你拆解每一块复杂的和声结构,而不是冷冰冰的教材。读完前几章,我感觉自己像是戴上了一副新的“听力眼镜”,能够更清晰地“看”到和声的走向了。
评分这本书的结构设计非常巧妙,它不像传统教材那样一味地堆砌难度,而是采用了“螺旋上升”的学习路径。它会在早期引入一些看似复杂的概念,但会用非常简洁的例子来展示其核心思想;到了后期,当你的技术基础更扎实后,再回过头来看这些概念,你会发现它们之间的内在联系是多么紧密和优雅。我尤其欣赏它在“和声色彩应用”部分的处理方式。作者没有局限于传统的布鲁斯音阶或调式,而是大胆地引入了如全音阶、减音阶以及各种模糊和弦的实际应用场景。我记得有一个练习是关于如何用减七和弦来连接两个不相关的调式中心,这个练习在当时让我感觉非常烧脑,但在我尝试将其应用到一首标准的爵士标准曲时,那种“意想不到的转折”带来的惊喜感是无与伦比的。这本书真正培养的是一种“听觉的想象力”,它让你在弹奏之前,脑海中就应该能预见到音符融合后会产生的美感,而不是弹完后才去检查和声是否正确。这无疑是区分“演奏者”和“音乐家”的关键一步。
评分我必须承认,初次翻开这本书时,我对它的篇幅有些望而却步,内容详实到近乎百科全书的程度。但深入阅读后,我发现这种详尽恰恰是其魅力所在。它有一块专门探讨了指板视野扩展的章节,这一点在许多其他教材中是被严重忽视的。通常我们学习爵士乐,总会不自觉地把自己限制在几个常用的把位上,或者只在熟悉的几根弦上进行Solo。这本书则系统地介绍了一种“跨把位和弦连接”的方法,它教你如何将C大调七和弦分解成三个不同把位的四音组合,并确保这些组合在音色上保持高度一致性。这极大地拓宽了我的演奏区域,让我的Solo不再是“爬格子”,而是真正地在整个指板上“流动”起来。此外,它对“音色控制”的关注也值得称赞。书中有一段讨论了拨片角度、揉弦力度和击弦位置对音色产生的细微影响,并且提供了录音对比的建议,这让我开始有意识地去雕琢每一个音符的衰减和起音,不再满足于“把音弹响”就算完事。这本书不是让你弹得“快”,而是让你弹得“对”,弹得“有味道”。
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