具体描述
Philosophers on Music: Experience, Meaning, and Work presents significant new contributions to central issues in the philosophy of music, written by leading philosophers working in the analytic tradition. Music is an increasingly popular object of reflection for professional philosophers, as it raises special questions not only of relevance to music practitioners, theorists, and philosophers of art, but also of wider philosophical interest to those working in metaphysics, the philosophy of emotion, and the philosophy of language, among other areas. The wide range of contributors to this volume reflects this level of interest. It includes both well-known philosophers of music drawing on a wealth of reflection to produce new and often startling conclusions, and philosophers relatively new to the philosophy of music yet eminent in other philosophical fields, who are able to bring a fresh perspective, informed by that background, to their topic of choice. The issues tackled in this volume include what sort of thing a work of music is; the nature of the relation between a musical work and versions of it; the nature of musical expression and its contribution to musical experience; the relation of music to metaphor; the nature of musical irony; the musical status of electro-sonic art; and the nature of musical rhythm. Together these papers constitute some of the best new work in what is an exciting field of research, and one which has much to engage philosophers, aestheticians, and musicologists.
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读后感
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用户评价
这本书简直是哲学爱好者和音乐鉴赏家的一场盛宴，阅读体验无比丰富。作者以一种极其细腻且富有洞察力的方式，剖析了人类对音乐这一媒介的思考历程。它不像一本枯燥的理论教科书，反而像是一次深入灵魂的对话。我特别欣赏其中对康德美学理论在现代音乐语境下的重塑，那种将古典思辨与当代听觉经验结合的尝试，令人拍案叫绝。书中对“崇高感”在交响乐高潮部分体现的分析，我读来仿佛身临其境，又仿佛站在一个超然的制高点审视人类情感的波动。更让我印象深刻的是，作者对尼采“酒神精神”与“阿波罗精神”在不同音乐流派——比如爵士乐的即兴解放与巴洛克音乐的结构严谨性——之间的辩证关系的探讨。那种跨越时空的对话感，让原本冰冷的哲学概念变得鲜活起来，充满了生命力。读完之后，我再听任何音乐，都会不自觉地将这些深层次的结构和意图纳入考量，极大地拓宽了我对声音艺术的理解维度。这种提升是潜移默化的，但效果是颠覆性的。
评分我必须承认，这本书的阅读门槛着实不低，但一旦你沉浸其中，它所提供的知识密度和思维上的回馈是无可比拟的。这本书的结构组织堪称精妙，它没有采取简单的编年史叙述，而是通过几个核心的哲学母题——如“时间性”、“再现性”与“本体论”——来串联起不同时代思想家对音乐的理解。我尤其欣赏其中对现象学方法在聆听体验中应用的讨论，作者是如何引导读者超越主观感受，去捕捉音乐结构本身的“在场性”。其中关于“沉默”在音乐结构中扮演的积极角色，那段论述简直是神来之笔，它让我开始重新审视那些被我们习惯性忽略的“空隙”。这本书的语言风格是极其克制且精准的，每一个词语的选择都似乎经过了千锤百炼，避免了任何不必要的抒情或夸张，这使得它的论证力量倍增。对于那些渴望探究音乐背后的形而上学基础的读者来说，这本书绝对是一部里程碑式的著作，它提供了批判性思维的坚实基石。
评分阅读这本著作，我感受到的是一种对人类精神探索的深沉敬意。它不仅仅是一本哲学论著，更像是一部关于“聆听如何塑造心灵”的史诗。书中对早期基督教圣歌中“天人合一”的冥想性维度，与后世浪漫主义音乐中极端个人化的情感宣泄之间的张力关系的阐述，构建了一个极具张力的美学光谱。作者在处理这些复杂主题时，展现出了一种罕见的平衡感，既尊重了历史语境，又保持了批判的距离。特别是关于“节奏”的分析，从最原始的脉动到复杂的复节奏，作者将其视为人类社会组织和个体时间感知的最基本隐喻，这使得节奏不再是简单的节拍，而是一种深刻的生存论指示。这本书的深度和广度，足以让任何一位对人类思维与艺术表达之间的复杂关联感兴趣的读者，获得一次酣畅淋漓的精神洗礼。
评分这本书的叙事节奏把握得极其巧妙，它在宏大的历史观照与微观的文本分析之间游刃有余地切换，让人在感到思想被拓宽的同时，又不会感到疲惫。我特别喜欢作者对“艺术的终结”这一主题在20世纪后半叶音乐实践中的反思。书中对序列主义音乐背后所蕴含的理性主义焦虑的剖析，简直入木三分，它揭示了艺术家如何在面对传统瓦解时，试图通过极致的数学结构来重建意义世界的努力。这种对现代性困境的深刻捕捉，让这本书超越了一般的艺术评论范畴，上升到了文化批判的高度。此外，书中对“听觉主体”的构建过程的追溯，从古希腊的“耳听”到现代的“解码”，展现了人类感知系统的演变历史，这使得阅读过程更像是一次对自身感官机制的考古发掘。它不只是关于音乐家的思考，更是关于我们如何“成为听者”的深刻洞察。
评分这本书的魅力在于其独特的对话视角，它似乎成功地架设了一座跨越数个世纪的思维桥梁。我为作者能够如此自如地在柏拉图的“模仿论”与后结构主义的“去中心化”理论之间进行穿梭而感到震撼。书中关于“旋律”的本体论地位的讨论尤其引人注目，作者并未简单地将旋律视为一种组织声音的工具，而是将其提升到了一种具有内在目的性的存在层面，这与我过去对音乐结构的理解产生了强烈的碰撞和重构。我欣赏它毫不避讳地展示哲学思维在面对瞬息万变的艺术形式时的挣扎与创新。文字的密度很高，每一页都值得反复品味，我时常需要停下来，让书中的观点在脑海中沉淀。这本书不是提供答案的，而是提供了一种更为深刻、更为结构化的“提问”方式，引导读者自己去构建对音乐本体的理解框架。
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