具体描述
What is art; why should we value it; and what allows us to say that one work is better than another? Traditional answers have emphasized aesthetic form. But this has been challenged by institutional definitions of art and postmodern critique. The idea of distinctively artistic value based on aesthetic criteria is at best doubted, and at worst, rejected. This book, however, champions these notions in a new way. It does so through a rethink of the mimetic definition of art on the basis of factors which traditional answers neglect, namely the conceptual link between art's aesthetic value and 'non-exhibited' epistemological and historical relations. These factors converge on an expanded notion of the artistic image (a notion which can even encompass music, abstract art, and some conceptual idioms). The image's style serves to interpret its subject-matter. If this style is original (in comparative historical terms) it can manifest that special kind of aesthetic unity which we call art. Appreciation of this involves a heightened interaction of capacities (such as imagination and understanding) which are basic to knowledge and personal identity.By negotiating these factors, it is possible to define art and its canonic dimensions objectively, and to show that aforementioned sceptical alternatives are incomplete and self-contradictory.
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读后感
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用户评价
这本书的结构安排极具匠心，它像是一部精密的螺旋阶梯，层层递进地将读者引向核心的议题。它巧妙地避开了那种线性的、编年史式的叙述陷阱，而是采取了主题切片的方式，围绕“定义”、“接受度”、“市场化”这几个关键节点进行发散和收拢。我对其中关于“非西方艺术”进入西方艺术史主流视野的章节尤为赞赏。作者没有用一种居高临下的“发现者”姿态，而是极为审慎地探讨了这种纳入过程中的文化挪用与真正理解之间的张力。他引述了多位批判理论家的观点，探讨了“他者”形象如何被标签化以服务于西方艺术体系的自我完善。这种对权力动态的敏感捕捉，使得整本书的论述摆脱了学院派的陈腐味，充满了批判的锐度和现实的关怀。坦白说，这本书的阅读体验更像是在参与一场高水平的学术辩论，作者的论点强劲有力，但同时也留下了足够的空间供读者进行自己的反思和质疑。它成功地做到了，让你在阅读时不断点头，同时又忍不住在心里嘀咕：“等等，有没有另一种可能？”
评分我花了整整一个周末沉浸在这部作品中，它带来的思维冲击力简直令人窒息。这不是一本轻松的读物，它的文字密度极高，充满了密集的术语和复杂的理论框架，需要读者有相当的耐心和一定的理论基础才能完全跟上作者的步伐。但正是这种挑战性，带来了巨大的智力满足感。书中对后现代主义解构思潮在当代艺术批评中的影响分析，简直是犀利得令人心寒。作者毫不留情地揭示了“权威性叙事”是如何在资本和权力结构下被精心构建和维护的。他提出了一个非常尖锐的问题：当我们谈论“经典”时，我们究竟是在赞美永恒的美学价值，还是在为既有的权力结构唱赞歌？书中对20世纪中叶抽象表现主义内部的流派之争的描绘，更是精彩绝伦，仿佛身临其境地感受到了艺术家们在战后巨大精神空虚中寻找新的表达出口时的焦虑与激情。那种对创作现场的还原能力，让那些陈列在博物馆里的作品，重新获得了它们诞生时的那种原始的、不加修饰的力量。读完之后，我感觉自己对“什么是好的艺术”的判断标准被彻底颠覆了，需要重新校准我的审美指南针。
评分从整体阅读体验上来说，这本书给我带来的是一种久违的、纯粹的智力上的愉悦。它没有试图迎合大众口味，它的学术野心显而易见，并且几乎完全实现了。作者在探讨“艺术的边界”时所展现的广博知识面令人印象深刻，他轻松地在巴洛克时期的雕塑与当代数字媒体艺术之间架设桥梁，论证了美学焦虑在不同时代主题下的重复出现。特别是关于“非物质性艺术”——比如表演艺术和概念艺术——如何挑战了传统艺术“物”的载体时，作者的论述逻辑清晰，论证层次分明，成功地将那些看似飘忽不定的艺术形式纳入了严谨的分析框架。这本书不是一本教你如何欣赏艺术的书，而是一本教你如何批判性地思考“艺术”这个概念本身的书。它迫使你离开舒适区，去面对那些关于价值、权力、定义和永恒性的根本性问题。读完后，我把书合上，望向窗外，感觉整个世界——包括我平日里随手看到的海报和广告牌——都以一种全新的、被解构过的面貌呈现在我的眼前。这是一次彻底的认知刷新。
评分这本书的装帧设计非常考究，那种略带磨砂质感的封面，配上烫金的字体，拿在手里就有一种沉甸甸的历史感。初翻阅时，我被它深邃的蓝色调吸引，仿佛一下子跌入了一片关于艺术本质的浩瀚海洋。作者的叙事节奏掌控得极好，从第一页开始，就设置了一个引人入胜的哲学困境，让你忍不住想深究下去。书中对早期西方艺术史的梳理，尤其是在对文艺复兴时期美学观念转变的剖析上，角度新颖，不再是教科书式的陈述，而是充满了对艺术家内心挣扎和时代精神碰撞的细致描摹。我尤其欣赏作者在论证过程中大量引用的原始文献片段，那些跨越时空的对话，让冰冷的概念瞬间有了温度和血肉。比如，他对达芬奇手稿中关于“完美比例”的反复推敲，不仅仅停留在技术层面，更深入挖掘了人文主义思潮如何重塑了人对自身与宇宙关系的认知。这种将宏大叙事与微观细节完美结合的笔法，让我在阅读过程中，不断地被引导去重新审视那些看似耳熟能详的艺术杰作。它不只是在描述艺术是什么，更是在探问“为什么”我们将其定义为艺术，以及这种定义的演变过程本身就构成了一种持续的创作。
评分我得承认，这本书的某些部分读起来有些晦涩难懂，特别是涉及现象学和符号学交叉理论的那几章，仿佛瞬间把我拉回了大学时代面对那些艰深文本时的眩晕感。作者似乎不太在意读者的阅读舒适度，他追求的是论证的绝对严谨性，这导致行文风格偏向于德文式的长句和复杂的从句结构。然而，一旦你穿过了这些语言上的“荆棘”，你会发现隐藏在背后的洞察力是多么的宝贵。书中对“鉴赏家”阶层的形成史的梳理，简直是一部微型社会史。作者揭示了，所谓的“艺术品味”是如何被特定的历史时期、特定的社会阶层通过教育、沙龙和评论机制塑造出来，并被包装成一种与生俱来的“天赋”。这种对“品味工业”的深度解剖，让我对那些被奉为圭臬的私人收藏和博物馆策展产生了全新的怀疑。这本书的价值不在于提供标准答案，而在于它提供了一套强大的工具箱，让你能够拆解和分析任何关于“美”的宣称背后的结构性支持。
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