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出版者:Trafalgar Square

作者:Gardyne, John

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:

价格:35

装帧:Pap

isbn号码:9781861266279

丛书系列:

图书标签:

• Musical Theatre
• Producing
• Stagecraft
• Theatre Management
• Broadway
• Off-Broadway
• Arts Administration
• Performance
• Directing
• Technical Theatre

《创作音乐剧》 一本关于音乐剧创作的深度指南，揭示从概念到舞台的艺术与商业之旅。 音乐剧，作为一种融合了戏剧、音乐、舞蹈和视觉艺术的综合性表演形式，其迷人之处在于能够以独特的叙事方式触动观众的心灵。本书《创作音乐剧》并非一本简单的剧本分析集，而是一部旨在为有志于投身音乐剧创作的编剧、作曲家、作词家，以及对这一艺术形式充满好奇的观众，提供一套系统而深入的创作哲学与实践指南。 本书将带领读者踏上一段发掘音乐剧核心魅力的旅程。我们将深入剖析构成一部成功音乐剧的必备要素：引人入胜的故事核心、鲜明的人物塑造、恰到好处的情感递进，以及如何通过音乐和歌词来驱动叙事、表达情感。读者将了解到，一部伟大的音乐剧并非仅仅是情节的堆砌，而是对人性、社会和情感的深刻洞察，通过视听盛宴的交织，最终在观众心中激荡起共鸣。 第一部分：故事的种子——概念的孕育与构思 灵感的捕获与转化： 如何从日常生活中、历史事件中、文学作品中，甚至一个模糊的意象中，提炼出适合音乐剧表现的故事内核？本书将探讨多种灵感来源，并教授如何将抽象的概念转化为具象化的故事蓝图。 音乐剧的叙事特质： 音乐剧的叙事与传统戏剧有何不同？本书将详细阐述音乐剧在时间、空间、视角以及情感表达上的独特优势，并分析如何利用音乐的旋律、节奏和和声来增强故事张力，塑造人物深度。 主题的挖掘与升华： 每一个伟大的故事都承载着深刻的主题。本书将指导读者如何识别并提炼出作品的核心主题，并将其巧妙地融入故事结构、人物关系和音乐设计之中，让作品不仅仅是娱乐，更具备思想深度。 戏剧结构与节奏的掌控： 音乐剧的结构设计至关重要。我们将探讨经典的戏剧结构模式，并分析如何在音乐剧的框架内，通过巧妙的场景切换、情节转折和音乐高潮，来保持观众的注意力，并引导情感的流动。 第二部分：音乐的灵魂——旋律、歌词与戏剧的融合 歌词的艺术： 歌词不仅仅是文字的堆砌，更是情感的载体，是推动故事前进的利器。本书将深入探讨歌词创作的技巧，包括押韵、节奏、意象、比喻，以及如何让歌词既有诗意，又符合人物的身份和情境。我们将分析不同类型的歌曲（如独唱、二重唱、合唱）在叙事中的作用。 旋律的力量： 音乐是音乐剧的灵魂。本书将从作曲的角度，探讨如何为不同的情境、人物和情感创作出具有辨识度和感染力的旋律。我们将分析旋律如何塑造人物性格、表达内心世界，以及如何通过主题旋律的变奏来呼应剧情发展。 音乐与戏剧的无缝对接： 音乐剧的精髓在于音乐与戏剧的有机结合。本书将深入研究如何让音乐自然地融入剧情，而不是突兀地插入。我们将探讨音乐如何增强戏剧冲突、烘托情感氛围，以及如何通过音乐的起承转合来引导观众的情绪。 配器与编曲的考量： 不同的配器和编曲风格能够为音乐剧带来截然不同的听觉体验。本书将简要介绍配器与编曲在音乐剧创作中的作用，以及它们如何影响音乐的情感色彩和整体风格。 第三部分：人物的塑造——鲜活的生命在舞台绽放 角色的生命力： 成功的音乐剧离不开令人难忘的角色。本书将指导读者如何创造出有血有肉、动机清晰、内心复杂的角色。我们将分析不同角色的功能性，以及如何通过人物弧光来展现角色的成长与变化。 人物的内心世界： 音乐剧最擅长挖掘人物的内心世界。本书将探讨如何通过歌曲、对话和肢体语言，将人物深层的情感、欲望和冲突呈现给观众。 群像的构建： 除了主角，配角和合唱团也对音乐剧至关重要。本书将指导读者如何构建一个立体而和谐的人物群像，让每个角色都在故事中扮演重要的角色。 第四部分：舞台的呈现——从剧本到演出的转化 舞台设计的考量： 视觉呈现是音乐剧不可或缺的一部分。本书将简要探讨舞台设计、灯光、服装和道具如何共同营造出作品的整体风格和氛围。 导演与表演的化学反应： 导演的角色至关重要，他们是将剧本转化为舞台表演的关键。本书将探讨导演如何解读剧本、指导演员，并与音乐总监、编舞等通力合作，共同实现作品的艺术构想。 编舞的作用： 舞蹈在音乐剧中常常不仅仅是装饰，更是叙事和情感表达的重要手段。本书将分析不同类型的舞蹈在音乐剧中的应用，以及它们如何与音乐和剧情相得益彰。 观众的体验： 最终，一部音乐剧的成功取决于它能否与观众建立连接。本书将探讨如何通过音乐、故事和表演，为观众创造一段难忘的观剧体验。 《创作音乐剧》不仅是一本理论书籍，更是一本实践手册。书中将穿插丰富的案例分析，借鉴国内外经典音乐剧的创作经验，从《西区故事》的社会现实到《猫》的抽象意象，从《悲惨世界》的史诗格局到《汉密尔顿》的创新叙事，帮助读者更直观地理解创作理论。通过对不同时代、不同风格音乐剧的深入剖析，读者将能够学习到各种创作手法和理念，并从中汲取灵感，发展出属于自己的独特声音。 本书适合所有对音乐剧创作充满热情的人士。无论您是初露锋芒的创作者，还是渴望深化理解的艺术爱好者，本书都将为您提供宝贵的洞察、实用的工具和源源不断的启发，助您在音乐剧创作的广阔天地中，构筑属于自己的舞台传奇。

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这本书的语言风格有一种独特的英式幽默和冷静的分析相结合的特质，这使得即便是讨论到财务预算和票务策略这种略显沉闷的话题时，也丝毫没有让人感到枯燥。作者似乎有一种天赋，能把冰冷的数字和火热的舞台激情巧妙地融合在一起。例如，他在分析某次著名百老汇演出的盈亏平衡点时，采用了近乎侦探小说的叙事手法，层层剥茧地展示了成本控制的每一个环节，从布景材料的采购到演员薪资谈判的技巧，无所不包。更值得称道的是，他对“文化差异对音乐剧改编的影响”进行了深入探讨，特别是针对跨文化IP的移植问题。书中列举了几个亚洲市场与欧美市场的案例对比，分析了哪些元素可以全球通用，哪些必须进行“在地化”的重大调整。这为我提供了一个全新的国际视野。总而言之，这本书的阅读体验是多层次的：既有对舞台艺术的深情礼赞，也有对商业运作的冷峻剖析，更包含了对未来趋势的敏锐预判。它是一部百科全书式的指南，但其文字的魅力又让它读起来像一本引人入胜的回忆录。

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坦白说，刚翻开这本书时，我还有点担心内容会过于学院派，充斥着行业术语和晦涩的理论模型。然而，我的担忧很快就被打消了。作者的叙事风格极其流畅和人性化，仿佛他正坐在我身边，用一种轻松愉快的口吻，分享着他如何从一个对舞台一无所知的新人，成长为能够掌控全局的制作人。书中穿插着大量鲜活的案例分析，这些案例不仅仅是成功的典范，更有许多令人啼笑皆非的失败教训。正是这些真实的挫折与反思，使得整本书的阅读体验充满了代入感。比如，书中对“危机公关”部分的论述非常精彩，它没有采用生硬的步骤指导，而是通过还原几次著名的演出事故现场，展示了制作人在极端压力下如何快速决策、力挽狂澜。我尤其对作者对于“观众心理学”的探讨留下了深刻印象——他如何精确捕捉到不同年龄层观众的情感需求，并将这些洞察融入到舞美和节奏的把控中。这本书就像是一张详尽的地图，为你指明了从概念到落幕的每一步路线，同时又充满了发现惊喜的乐趣，它让人感觉到，即便是最复杂、最光鲜亮丽的舞台艺术，其核心依然是关于人、关于情感的连接。

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这部作品给我的感觉，就像是走进了一间堆满了珍贵乐谱和陈旧道具的剧场后台。作者似乎有一种魔力，能把那些晦涩难懂的制作流程，变得如同欣赏一场精彩的歌剧一样引人入胜。我特别欣赏他对“幕后英雄”的描绘，那些灯光师、音响师，甚至是服装设计师，他们的贡献在书中被提升到了与主演同等重要的地位。读到关于选角环节的描述时，我仿佛能听到试镜室里紧张的空气，以及那些充满激情的试唱。更让我佩服的是，作者并没有停留在简单的流程介绍上，而是深入探讨了艺术与商业之间的微妙平衡。如何在一个预算有限的舞台上，既能实现大胆的艺术构想，又能确保演出的市场号召力？书中给出了很多既有理论深度又有实操价值的见解。特别是关于剧本改编和音乐编排的部分，它不像教科书那样枯燥，反倒像是一位资深制作人正在向你分享他纵横捭阖多年积累下来的“独门秘籍”。读完后，我不再只是一个单纯的观众，我开始用一种全新的视角去解构每一场演出，去思考每一个灯光切换背后的深层含义。这本书的价值，不在于它告诉你如何“制作”一部音乐剧，而在于它教会你如何“理解”一部音乐剧的诞生过程，这是一种更深层次的审美提升。

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这本书在结构上的精妙设计，绝对值得称赞。它不是简单的线性叙事，而是采用了一种多维度的视角来解构音乐剧制作的复杂系统。其中关于“版权与授权”的那一章，我感觉作者简直就是一位顶级的律师兼谈判专家，他把原本最让人头疼的法律条文和商业谈判技巧，讲得清晰明了，甚至带有一种博弈的刺激感。他揭示了成功的音乐剧背后，有多少复杂的法律文书和利益分配在起作用，这极大地拓宽了我对“制作”这个词的理解，它远不止艺术创作那么简单。此外，作者对技术迭代的关注也让我耳目一新。他没有沉溺于传统的舞台布景，而是花了大量篇幅讨论虚拟现实技术、增强现实技术如何可能颠覆未来的音乐剧体验。这种前瞻性的视野，让这本书不仅仅是一部回顾历史的文献，更是一份面向未来的行动指南。读到最后，我意识到，这本书的读者群定位非常精准——它不仅适合有志于进入这个行业的年轻人，更适合那些已经在行业内摸爬滚打多年，渴望从宏观层面审视自己工作、寻求突破的资深人士。它像是一次深入的“行业体检”，帮你找出被忽视的盲点。

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这是一本充满“声音”的书，尽管它只是文字。作者的文字功底深厚，他擅长运用对比和排比，将音乐剧制作中那种瞬息万变的节奏感完美地捕捉下来。阅读其中关于“排练周期管理”的部分时，我能真切感受到那种从早期松散的走位到临近首演的紧密配合所带来的戏剧张力。他详细描述了如何平衡导演的愿景、编舞的创意以及演员的个人发挥，这种“多头并进”的管理艺术，简直可以被搬到任何高压项目管理领域中去学习借鉴。我印象最深的是他对“失败的价值”的定义。他认为，那些在彩排中被否决的旋律、被放弃的场景设计，它们并非真正的浪费，而是为最终成品提供了至关重要的“反向参照系”。这本书的哲学观非常积极和务实，它不回避困难，而是鼓励人们拥抱复杂性。通读下来，我感到自己对“创作中的妥协艺术”有了更深刻的理解——真正的艺术大师，往往是在无数次妥协中，找到了最契合其灵魂的表达方式。

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