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出版者:Random House Inc

作者:Ginzberg, Marc/ Larsen, Jack Lenor (FRW)/ Gardiner, Lynton (PHT)/ Gardiner, Lynton

出品人:

页数:320

译者:

出版时间:2000-11

价格:CDN$ 105.00

装帧:HRD

isbn号码:9788881187355

丛书系列:

图书标签:

• 非洲艺术
• 非洲文化
• 雕塑
• 面具
• 手工艺
• 传统艺术
• 艺术史
• 非洲设计
• 视觉艺术
• 文化遗产

《非洲形式》 在这部引人入胜的作品中，我们深入探索一个丰富而充满活力的艺术传统，其根源深植于非洲大陆古老而多元的文化土壤。这本书并非对特定艺术作品的简单描绘，而是对一种跨越数千年、遍布广阔地域的视觉语言的深度解读。我们将追溯这些“形式”的起源，审视它们如何随着时间、贸易、迁徙和思想交流而演变，如何在不同的族群和文化环境中被赋予独特的意义和功能。 从西非庄重而威严的面具，到东非抽象而充满动感的雕塑；从北非精美绝伦的几何图案，到南部非洲色彩斑斓的纺织品，本书将带领读者踏上一段穿越时空的艺术之旅。我们不会停留在对表面形态的欣赏，而是致力于揭示这些形式背后隐藏的宇宙观、社会结构、信仰体系以及艺术家与他们所处世界之间的复杂联系。 本书将从宏观角度出发，勾勒出非洲艺术形式的普适性特征，例如其强大的象征意义、对自然世界的模仿与转化、以及作为社会仪式和宗教实践核心功能的体现。随后，我们将聚焦于具体的艺术传统，剖析它们在材料选择、制作工艺、风格演变和象征内涵上的独特之处。例如，我们将探讨多贡人（Dogon）雕塑中复杂而精确的比例如何反映其宇宙论，或者约鲁巴人（Yoruba）面具如何通过其造型和装饰来召唤神灵并扮演社会角色。 我们还将审视非洲艺术形式如何回应和塑造其所处的自然环境。无论是热带雨林的湿润与生机，还是干旱草原的严酷与力量，这些都深刻地影响着艺术家们的创作媒介和表达方式。例如，硬木的坚韧被用于雕刻坚固的图腾，而柔软的泥土则被塑造成细腻的祭祀器皿。 本书的另一条重要线索，是理解非洲艺术形式如何承载和传递社会权力、身份认同和历史记忆。在许多非洲社会中，艺术品不仅仅是装饰，更是权力的象征、地位的标志、历史事件的见证，甚至是法律和道德规范的载体。我们将探讨不同社会阶层、性别角色以及年龄群体在艺术创作和使用中的不同扮演的角色，以及这些艺术形式如何巩固或挑战既有的社会秩序。 此外，我们还将关注非洲艺术形式的动态性与适应性。非洲艺术并非一成不变的遗物，而是在持续的互动和变革中发展壮大。本书将探讨外部文化（如伊斯兰教和欧洲殖民主义）对非洲艺术形式产生的影响，以及非洲艺术家如何巧妙地吸收、转化甚至抵抗这些外部力量，创造出既承载传统又焕发新生的艺术作品。 最后，本书将强调非洲艺术形式在全球艺术史上的重要地位和深远影响。它并非孤立存在，而是与其他文明进行着持续的对话，为20世纪的现代艺术带来了不可估量的启发。通过对这些“非洲形式”的深入研究，我们旨在打破固有的刻板印象，展现非洲艺术的丰富性、创新性和普世价值，邀请读者以全新的视角去理解和欣赏这些来自古老大陆的璀璨艺术遗产。

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我一直对实验电影和非线性叙事结构抱有极大的兴趣，这本探讨上世纪六十年代北美地下电影运动的深度研究，简直是一场酣畅淋漓的智力冒险。作者没有将这些先锋创作者视为孤立的天才，而是将他们的创作置于冷战后期的文化焦虑、反主流思潮以及新兴电子媒介技术的交汇点上进行剖析。书中对沃霍尔的“漂浮的电影制作”策略的解读，超越了单纯的商业批判，更多地关注了其如何挑战“作者性”和“完成度”这两个传统电影概念。而对于女性实验电影人如何利用身体政治和录像艺术来对抗主流好莱坞的凝视（the Gaze），则提供了许多视角锐利且振聋发聩的论述。阅读这些章节时，我脑海中不断闪现出那些低保真、颗粒感十足的影像片段，仿佛亲身经历了那种颠覆既有审美标准的冲击感。作者的写作风格充满了节奏感，擅长用充满张力的句子来描绘那些充满张力的艺术作品，使得阅读体验本身也具有一种“反高潮”的、意犹未尽的实验性美感。

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这本关于19世纪末奥地利知识分子圈内关于“自我消亡”与“本能解放”的哲学思辨的专著，绝对是理解现代性的关键钥匙之一。作者将维也纳的咖啡馆文化、弗洛伊德的早期精神分析理论，以及克里姆特那些充满颓废美感的装饰艺术，串联成一幅复杂而迷人的文化织锦。书中对“伪装”（Masking）和“真实性”（Authenticity）之间矛盾的探讨极为深刻。例如，书中详细分析了当时贵族沙龙中那种精心维护的社交面具，与知识分子私下对内心混沌的迷恋之间的张力是如何催生了新的艺术和心理学表达。我尤其喜欢作者对奥地利语言学家路德维希·维特根斯坦早期思想中那种对“清晰”的极度渴求，如何与当时社会弥漫的、对模糊和潜意识的追逐形成一种微妙的互文关系。整本书的行文充满了古典的严谨，但在阐述那些关于欲望和禁忌的内容时，又带有一种近乎私密的、诱惑性的低语感，让人在沉浸于历史场景的同时，也不禁反思自身在现代社会中对“真实自我”的构建与妥协。

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这本关于现代艺术史的著作，尤其是聚焦于20世纪后半叶的欧洲表现主义运动，简直是为我这种痴迷于战后艺术实验的读者量身定做的。作者以极其细腻的笔触，剖析了那一代艺术家们如何挣脱传统学院派的束缚，转向对内在情感和非理性世界的探索。书中对德国“桥社”和“蓝骑士”两个关键群体的比较分析尤为精彩，不仅仅停留在风格的罗列，更是深入挖掘了他们各自的哲学根基和创作动机。比如，在谈到恩斯特·路德维希·基希纳的作品时，作者没有简单地描述那些扭曲的线条和刺眼的色彩，而是将其置于魏玛共和国初期那种社会焦虑和都市疏离感的背景下，让我们得以窥见色彩背后的时代脉搏。此外，对于战后西班牙流亡艺术家群体对抽象表现主义的影响，书中也进行了独到的阐述，这种跨地域的比较视野极大地拓宽了我的认知边界。阅读过程中，我频繁地停下来，反复揣摩那些黑白印刷的图像，试图捕捉到文字中描述的那种原始的、近乎野蛮的生命力。这本书的论证逻辑严密，引用了大量一手资料和艺术家的私人信件，使得整个叙述充满了鲜活的生命力，而非干巴巴的学术堆砌。

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作为一名对古代神话和民间信仰体系的爱好者，我花了很长时间在寻找一本能够清晰梳理地中海沿岸几个主要文明（比如米诺斯、迈锡尼以及早期的希腊城邦）之间宗教符号相互渗透与演变的书籍。这本书在这方面做得相当出色。它并非简单地复述《奥德赛》的故事，而是追溯那些故事和神祇形象的源头——那些在陶器碎片、神庙遗址和壁画上留下的模糊印记。作者极其擅长将考古发现与文献记载进行交叉验证，构建出一种动态而非静态的信仰图景。最令我印象深刻的是关于“大地之母”崇拜在不同时期如何被“天空之父”的叙事逐渐边缘化或同化，这一过程的社会结构性原因分析得鞭辟入里。阅读过程中，我感觉自己仿佛站在克里特的废墟之上，听着那些沉寂已久的声音。书中对“原始泛灵论”向有组织宗教转变的论述，充满了审慎的推测和扎实的论据支持，让你在敬畏于古代智慧的同时，也清醒地认识到神话的建构过程本身就是一种历史行为。

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我最近一直在寻找一本能将建筑美学与社会学观察深度结合起来的书籍，而这本专注于20世纪都市化进程中公共空间设计演变的作品，彻底满足了我的期待。它没有陷入那种空泛的赞美或指责，而是采用了一种近乎人类学家的冷静视角，去解构“广场”、“街道”和“纪念碑”这些元素如何在不同的政治气候和社会经济条件下被重新定义和使用。尤其欣赏作者对中欧城市规划中“功能主义”与“地方性精神”之间持续拉锯战的描绘。书中展示了大量对比鲜明的案例，比如将理性几何学推向极致的某些住宅项目，如何与居民对社群归属感的潜在需求产生冲突。作者非常擅长通过建筑的“肌理”来反思“权力”的运作，这一点在我看来是全书的精髓。阅读到关于1970年代兴起的“去中心化”社区营造理念时，我仿佛能感受到那种自下而上改变城市景观的微弱但坚定的力量。书中穿插的那些详细的平面图和剖面分析图，虽然专业，但解读得非常到位，使得即使是非专业人士也能清晰地理解空间布局背后的深层意图。

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