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出版者:Routledge

作者:Roger Copeland

出品人:

页数:328

译者:

出版时间:2003-12-16

价格:USD 36.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780415965750

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• 英语
• 舞蹈
• 现代舞
• 默斯·坎宁安
• 舞蹈史
• 美国舞蹈
• 先锋派
• 实验舞蹈
• 即兴舞蹈
• 舞蹈理论
• 20世纪舞蹈
• 表演艺术

《光影流转：一个舞蹈家的跨界艺术探索》 引言： 本书将带领读者深入探索一位在当代艺术界享有盛誉的艺术家的非凡历程。这位艺术家，我们姑且称之为“伊莲娜”，其艺术生涯横跨舞蹈、视觉艺术、电影制作乃至装置艺术等多个领域。她的作品以其独特的空间构建、对身体潜能的极限挖掘以及对时间感知的前卫处理而著称。这本书并非聚焦于某一个单一的艺术形式，而是试图勾勒出伊莲娜如何将不同媒介的语言融会贯通，最终形成其独树一帜的艺术哲学的全景图。 第一部分：身体的拓扑学——从古典到解构 伊莲娜的艺术起点是严谨的古典芭蕾训练。然而，她很快意识到传统框架对表达复杂内在世界的局限性。本书的开篇将详细考察她如何有意识地“拆解”和“重构”身体的运动模式。我们不会过多纠缠于她早年在何处学习或与哪些特定导师合作的细节，而是专注于她作品中那些标志性的动作特征：那些看似不协调的、却在逻辑上自洽的肢体关系，以及她如何利用重力、惯性和平衡的临界点来创造视觉上的张力。 在这一部分，我们将分析她早期作品中对“空间关系”的执着。她的舞蹈不再是叙事性的，而是成为了空间本身的“可视化证明”。她如何将舞台视为一个三维的几何体，而舞者则是在这个几何体中移动的动态变量？书中有大量对她早期独舞和小型群舞作品的详细文本分析，着重于其运动的“拓扑结构”——即便是形态发生剧变，其内在的逻辑联系依然存在。这部分内容会深入探讨她如何通过细微的肌肉控制，来传达宏大的哲学命题，而非依赖强烈的戏剧性。 第二部分：媒介的对话——视觉与听觉的重塑 随着伊莲娜艺术视野的拓宽，她开始积极地将她的舞蹈理念投射到其他媒介中。本书的第二部分将重点阐述她与电影语言的深度结合。我们关注的不是她作为“舞者”在镜头前的表现，而是她如何作为“导演”和“视觉构思者”，将舞蹈的即兴性和结构性融入到电影的剪辑和构图之中。 伊莲娜的电影作品往往抛弃了线性叙事，转而采用一种“碎片化”的时间结构。书中会详细对比分析她几部关键影像作品的场面调度。例如，某个长达五分钟的固定镜头中，前景舞者的静默与背景中快速移动的光影形成了怎样的对话？她如何利用景深的变化，迫使观众在观察“动作”的同时，也必须关注“环境”的参与性？这不仅仅是记录舞蹈，而是将舞蹈的运动法则应用到电影的构建层面。 此外，书中还会专门辟出一章来讨论她对声音环境的驾驭。她摒弃了传统意义上的“配乐”，而是倾向于使用环境音、白噪音，甚至是沉默本身作为听觉元素。这些声音是如何被组织起来，以呼应或反制身体的运动？这种对听觉的“非音乐化”处理，如何增强了观众对物理存在的感知？ 第三部分：环境的介入——装置艺术与体验场域 伊莲娜后期最重要的转向是她对“现场”和“环境”的关注。本书的第三部分聚焦于她如何将舞蹈从传统的舞台解放出来，将其转化为沉浸式的装置体验。她开始创作那些观众可以穿行其中的大型空间作品。 我们将分析她如何利用材料学特性（如半透明的薄膜、反射性极强的金属表面）来影响观众对舞者位置和速度的判断。这些作品不再是“观看”的对象，而是“经历”的过程。书中会引用大量对观众参与者的访谈记录（仅限于他们对空间感受的描述，而非对艺术家的评价），以呈现体验的多样性。 例如，在一个被称为“迷宫”的作品中，舞者被安置在多层半透明的屏幕后方，观众只能通过光影的折射和模糊的轮廓来感知他们的存在。这种对可见性的控制，实际上是对“在场性”的深刻探讨。这种模糊性，正是她艺术哲学的核心之一：真实性并非固定不变的实体，而是在观察者和被观察者之间不断流动的能量场。 第四部分：创作的隐秘工坊——方法论与哲学思辨 本书的最后一部分将超越具体作品的分析，转而探讨伊莲娜的创作哲学和她的日常工作方法。我们不会讨论任何关于她个人生活或幕后八卦的内容，而是专注于其艺术实践背后的思考逻辑。 伊莲娜坚持一种高度结构化的“偶然性”创作模式。书中会详细描述她如何设计一套复杂的规则系统（如随机数生成器、时间限制、特定的物理约束），然后让舞者（或自己）在这些规则的框架内进行即兴发挥。这种“受控的失控”是如何保证作品既有内在的连贯性，又保持了生命力的？ 她对“意图”与“结果”之间关系的看法，是理解其艺术的关键。她认为，一旦创作的初始框架建立，艺术家的“意图”就应该退居次席，让作品自身的物理和结构逻辑得以完成。这种对自我审视和放手的过程，是她区别于许多当代艺术家的重要标志。 结论： 伊莲娜的艺术生涯是一场持续不断的“边界消融”实验。她没有停留在任何一个舒适的领域，而是不断地将舞蹈的身体语言转化为光影的结构，将空间的概念转化为可供体验的场所。本书旨在呈现的，是一个不断自我更新的艺术思维，一个关于如何观看、如何感知以及如何在流变中寻找稳定性的深刻探索。她的作品留下的遗产，不是具体的姿态，而是思考艺术本体论的一种全新维度。

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Merce Cunningham 的这本书，让我对“合作”这一艺术创作中的重要环节有了更深的认识。他与约翰·凯奇的合作，以及与各种不同领域艺术家（如艺术家罗伯特·劳森伯格 Robert Rauschenberg、安迪·沃霍尔 Andy Warhol）的跨界创作，都展现了他开放的艺术胸怀和对不同声音的尊重。我一直认为，真正的艺术火花，往往来自于不同思想的碰撞和融合。Cunningham 的作品，正是这种碰撞的产物。书中对这些合作的细节描述，让我看到了艺术创作是如何在开放的对话和相互的激发中成长的。他并不将自己的艺术理念强加于人，而是与合作者共同探索，寻找一种新的平衡和新的可能性，这种态度本身就是一种对艺术的深刻理解。

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最后，这本书给我的最大感受是，Merce Cunningham 是一位真正意义上的“自由”的艺术家。他从不对艺术形式设限，也从不对自己的创作设限。书中所展现的，是一位艺术家如何以一种不受束缚的姿态，去探索身体的无限可能，去拥抱未知，去挑战常规。他让我明白，真正的艺术，源于内心的驱动，源于对世界的好奇，源于对表达的渴望。这种对自由的追求，体现在他舞蹈的每一个动作，体现在他作品的每一个细节。我希望自己也能从他的身上汲取力量，在自己的生活和工作中，也能够保持这份对自由的追求，勇于尝试，敢于突破，去创造属于自己的独特价值。这本书，不仅是对一位伟大艺术家的致敬，更是对一种自由精神的赞颂。

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Merce Cunningham 的这本书，让我对“身体”这一概念有了全新的理解。一直以来，我们习惯于将身体视为情感的载体、故事的讲述者，或者音乐的伴奏。但 Cunningham 却将身体从这些附加的意义中解放出来，让身体本身成为一个独立的、自主的艺术主体。书中对他的舞蹈动作的描述，那些精确、犀利、毫不拖泥带水的线条，以及它们在空间中展开的方式，都让我感受到了一种纯粹的力量。我一直在思考，当我们卸下那些社会赋予的标签和角色，我们最本质的“存在”是什么？Cunningham 的舞蹈，似乎就是在探索这个问题的答案。他让身体在纯粹的运动中完成自己的叙事，这种叙事并非来自外部的赋予，而是源于身体自身的逻辑和潜能。书中的一些片段，让我仿佛能够“看”到那些肢体的碰撞与分离，那种在无声中进行的对话。

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Merce Cunningham 的这本书，让我深刻地意识到，艺术的伟大之处，往往在于它能够挑战我们习以为常的认知模式。书中所展现的 Cunningham 的艺术理念，核心在于“独立性”，即舞蹈不依赖于音乐，也不受叙事和情感的束缚。这在当时的艺术界无疑是一记重磅炸弹，但我通过阅读，逐渐理解了这种“独立”背后所蕴含的解放力量。他让身体本身成为表达的中心，让运动的纯粹性得以彰显。我一直在思考，在我们日常的生活和思考中，有多少时候是被预设的框架和联系所束缚？Cunningham 的舞蹈，就像是在打破这些枷锁，鼓励我们去发现事物之间新的、非线性的可能性。书中对他早期作品的剖析，特别是那些在探索不同空间布局和舞者互动模式上的尝试，都让我看到了他作为一位先驱者，是如何不断试错、不断突破的。这种对艺术边界的不断拓展，本身就是一种极具启发性的精神。

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Merce Cunningham 的这本书，让我深刻地体会到了“解构”的艺术魅力。他似乎有一种魔力，能够将我们熟悉的艺术形式一一拆解，然后用一种意想不到的方式重新组合，从而创造出全新的观看体验。书中所展示的他对音乐、服装、舞台美术的独特处理方式，都打破了传统的界限。我尤其对他在作品中引入科技元素的做法感到好奇，这在那个时代是极其大胆的尝试。他如何看待科技与艺术的关系？科技是服务于艺术，还是能够成为艺术本身的一部分？这些问题，在这本书的字里行间得到了很好的体现。他并非盲目地拥抱科技，而是以一种审慎的态度，去探索科技能够为舞蹈带来怎样的可能性，以及在新的媒介中，身体表达的边界在哪里。

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Merce Cunningham，这本书的封面就带着一种莫名的吸引力，那种简洁却又充满力量的设计，仿佛预示着这本书将要带领我进入一个与众不同的世界。作为一名对现代舞，尤其是那些敢于打破常规、挑战传统的舞者和编舞家充满好奇的读者，我一直以来都对 Merce Cunningham 的名字有所耳闻。他的作品，如同他本人一样，总是被赋予了“革命性”、“前卫”、“解构”等标签，这些标签本身就激起了我内心深处的求知欲。我希望通过这本书，能够更深入地理解他究竟是如何一步步构建起属于自己的舞蹈哲学，又是如何在那个时代，以一种近乎叛逆的方式，重新定义了舞蹈的边界。我尤其期待书中能够揭示他与约翰·凯奇（John Cage）之间那段传奇的合作关系，我知道他们俩是艺术上最紧密的伙伴，那种跨越不同艺术领域的互相启发，一定能为我带来全新的视角。这本书会是我的探索之旅的起点，我渴望从中找到那些关于创造、关于自由、关于身体表达的深刻洞见，它们或许能够点亮我理解艺术的另一扇窗。

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从这本书中，我获得的不仅仅是对 Merce Cunningham 个人艺术生涯的认知，更重要的是，它引领我进入了一个关于“可能性”的广阔领域。他对于“不确定性”的拥抱，对于“惊喜”的追求，深深地打动了我。我读到他如何运用抽签、抛硬币等方式来决定舞蹈的顺序和动作，这在我看来，与其说是“随性”，不如说是一种对控制欲的超越，一种对生命本身流动和不可预测性的尊重。这种态度，也让我反思自己在生活和工作中，是否过于追求所谓的“完美”和“确定”，而忽略了那些偶然之中诞生的美好。书中对他在不同时期创作的探讨，特别是他如何与不同领域的艺术家合作，如玛莎·格雷厄姆（Martha Graham）的弟子出身，却走向了截然不同的方向，这种“告别”与“前行”，展现了他强大的独立意志和自我革新能力。

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初次翻开 Merce Cunningham 的这本书，我最先感受到的是一种沉浸式的体验。它并非那种按部就班地讲述生平事迹的传记，而是仿佛将我直接置身于他作品的现场，用一种更加直观、更加感性的方式来呈现这位舞蹈巨匠的艺术世界。我惊喜地发现，书中对他的舞蹈编排过程的描述，远比我想象的要来得更为细致和深入。那些关于“随机性”和“概率”在舞蹈创作中的运用，听起来有些玄乎，但一旦结合书中提供的具体案例分析，便能体会到其中蕴含的精妙和大胆。他如何打破传统的叙事结构，如何让舞蹈的各个元素——空间、时间、舞者、音乐、舞台——各自独立又彼此呼应，这些都让我感到十分着迷。我一直在思考，这种看似“无逻辑”的编排方式，实际上是否是对一种更深层次的、超越人类理性认知的秩序的探索？这本书无疑为我提供了思考的线索，它不仅仅是关于舞蹈的技法，更是关于如何看待世界、如何进行创造的哲学。

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从这本书中，我感受到了一种“超越”的艺术追求。Merce Cunningham 的舞蹈，似乎总是在试图超越人类固有的感知习惯和思维模式。他让舞蹈变得更加抽象，更加不易解读，但恰恰是这种“难以捉摸”，才激起了我更大的探索欲望。我一直在思考，艺术的终极目的是什么？是取悦观众，还是探索未知？Cunningham 的作品，显然属于后者。他并不刻意迎合观众的期待，而是邀请观众一同进入他的艺术世界，去寻找属于自己的理解和感受。书中对一些作品的评论，特别是那些褒贬不一的评价，都为我提供了一个理解他作品的多元视角。他并非追求大众的喜爱，而是致力于一种纯粹的艺术表达，一种对身体潜能和空间关系的极致探索。

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这本书带给我的，是一种对于“过程”的全新审视。Merce Cunningham 的创作，似乎更关注的是“如何去创造”，而非“创造出什么”。他对于“即时性”的强调，对于排练过程中不断调整和变化的接受，都让我看到了艺术创作的动态本质。我一直以来都认为，艺术作品一旦完成，就进入了一个相对静态的阶段，但这本书却让我明白，对于像 Cunningham 这样的大师来说，创作本身就是一场持续的生命体验。他鼓励舞者在表演时保持一种开放的心态，去感知当下，去回应环境。这种“活在当下”的创作哲学，不仅体现在他的舞蹈中，也贯穿于他对艺术的整个态度。书中对一些作品首演时的细节描述，特别是那些观众反应不一的时刻，更凸显了他作为一位艺术家，是如何坚定地走在自己的道路上，不为外界的评价所左右。

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