具体描述
In paintings, murals, and book illustrations, Aaron Douglas (1899–1979) produced the most powerful visual legacy of the Harlem Renaissance, prompting the philosopher and writer Alain Locke to dub him the “father of Black American art.” Working from a politicized concept of personal identity and a utopian vision of the future, the artist made a lasting impact on American art history and on the nation’s cultural heritage. Douglas’s role, as well as that of the Harlem Renaissance in general, in the evolution of American modernism deserves close scholarly attention, which it finally receives in this beautifully illustrated book.
作者简介
Susan Earle is curator of European and American Art at the Spencer Museum of Art. Renée Ater is an assistant professor at the University of Maryland. Kinshasha Holman Conwill is deputy director of the National Museum of African American History and Culture at the Smithsonian Institution. David C. Driskell, a practicing artist and scholar, is retired as Distinguished Professor of Art at the University of Maryland. Amy Helene Kirschke is associate professor of art history at the University of North Carolina, Wilmington. Stephanie Fox Knappe is a doctoral candidate in the history of art at the University of Kansas. Richard J. Powell is John Spencer Bassett Professor of Art and Art History at Duke University. Cheryl R. Ragar is visiting instructor in the Interdisciplinary Studies Department at Drury University in Springfield, Missouri.
目录信息
读后感
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用户评价
这本书的叙事空间感处理得太绝了！我常常有种错觉，以为我不是在阅读文字，而是在一个极其空旷、回音极大的建筑空间里游荡。作者似乎非常迷恋“边界”、“边缘”以及“过渡地带”的概念。书里描写的场景，要么是在海岸线——海与陆的交界；要么是在午夜的边界——白昼与黑夜的交替；再不然就是在梦境与清醒之间的那条模糊的细线。人物之间的对话也总是充满了留白，他们说的内容往往不是重点，重点是他们没有说出口的、被那些空旷的寂静所吞噬的部分。我喜欢这种“留白美学”，它迫使读者必须主动参与到文本的建构中来。你会忍不住去想象那些角色在沉默中究竟思索了些什么，他们眼神的微小变化又暗示了怎样的汹涌暗流。有那么一瞬间，我甚至觉得这本书本身就是一个巨大的、未完成的建筑草图，充满了未被填充的空间，而我们作为读者，就是被邀请进去完成最后几笔线条的人。它对空间的处理，不仅仅是背景，它就是情感本身。读到后面，你会发现，那些所谓的角色，其实都只是这个巨大空间中的“回音点”而已。
评分如果说大部分小说都是关于“发生”了什么，那么这本书更像是关于“感受”什么。它的文体非常独特，几乎像是将散文的流动性、诗歌的凝练度和戏剧的张力融合在了一起，创造出一种全新的阅读体验。我特别欣赏作者处理“物质性”的方式。她对日常物品的描写达到了近乎偏执的程度，但这种偏执不是为了炫技，而是为了揭示物品背后潜藏的人类意志和历史重量。比如，一个被反复摩挲的木质扶手，在作者的笔下，会承载着几代人的不安和慰藉；一块掉漆的油漆，会诉说着关于“腐朽的美学”的深刻见解。这本书的节奏是极其缓慢的，它不急于推进任何情节，而是沉浸在对当下瞬间的无限拉伸中。这就像是慢镜头播放一朵花从绽放到枯萎的全过程，虽然过程很长，但你看清了每一个细微的结构变化。这本书需要一种耐性，一种愿意和作者一起在文字的纹理中慢慢爬行的耐心。它像一面高度抛光的镜子，映照出我们日常生活中那些被我们匆忙略过的心灵细节，读完后，你会对身边那些“无生命”的事物产生一种全新的敬畏之心。
评分说实话，初读这本书的时候，我一度感到有些挫败，因为它完全不走寻常路，根本没有一个传统意义上的“主角”或者“情节主线”。它更像是一本经过精心编排的“植物图鉴”——只不过，图鉴里的“物种”是人类的情感和记忆。作者对各种微妙情绪的分类和命名，简直令人叹为观止。她创造了一系列我闻所未闻的词汇来描述那种介于“怀念”和“恐惧”之间的复杂感受，比如“琥珀色的忧郁”或者“回音室的渴望”。我尤其被其中对“遗忘的机制”的描述所吸引。她提出，遗忘不是主动的清除，而是一种缓慢的、艺术性的重构过程，就像雕塑家去除多余的石料一样，记忆在被遗忘的过程中，反而被塑造成了一种更符合我们当下需要的形状。整本书散发着一种知识分子的清高和疏离感，但又在不经意间流露出对人类脆弱性的深刻同情。它不是让你读完就合上然后去做别的事情的书，它会像一把小小的锉刀一样，在你脑海里留下一些细微的划痕，让你在接下来的日子里，时不时地去思考那些被你忽略已久的情感碎片。这本书的阅读体验，与其说是享受，不如说是一场精神上的漫长修行。
评分哇，最近读到一本叫《光影之歌》的书，简直是打开了我对色彩和情感理解的新世界！这本书的作者在描绘光线穿过彩色玻璃窗时那种变幻莫测的效果上，简直达到了出神入化的地步。我感觉自己仿佛真的站在那个被阳光烘烤的古老教堂里，看着斑驳的光影在地板上跳跃、流动。更厉害的是，作者并不只是描绘视觉上的美，她似乎能把光线的温度、声音都用文字具象化出来。比如，她描述正午的阳光像一把炽热的刀锋，瞬间将阴影切得干干净净，那种果决和凌厉感，让我读到后背都泛起一阵凉意。而到了黄昏时分，光线又变得像融化的蜂蜜一样缓慢而粘稠，每一个笔触都充满了怀旧和温柔。这本书的结构也很有意思，它不是线性的叙事，更像是一系列散落的、相互呼应的“光影瞬间”的集合，让你需要自己去拼凑出那个宏大的情感画面。我特别喜欢其中一段描写雨后初晴的场景，空气中弥漫着湿润泥土的气息，而那些被雨水洗刷过的叶片，反射着一种近乎刺眼的、鲜活的绿色，那种生命的张力，读起来让人心潮澎湃。这本书需要静下心来慢慢品味，它不是那种让你一口气读完的快餐读物，它更像是一坛陈年的老酒，每一次翻阅都能品出新的韵味来，关于存在、关于消逝，一切都藏在那些变幻的光影之中。
评分这本书，嗯，怎么说呢，它更像是一部关于“时间”的哲学思辨录，只不过作者选择了一种极其隐晦和诗意的方式来呈现。我读这本书的时候，脑子里总是不由自主地蹦出一些关于“永恒”和“瞬间”的悖论。作者似乎对机械、钟表这类代表着精准和重复的意象情有独钟，但她笔下的钟摆却总是摇摆不定，滴答声时而快得让人窒息，时而又慢得仿佛时间凝固。有一种强烈的宿命感贯穿始终，但这种宿命感又被那种对细节的极致捕捉所稀释了。比如，她会花上大段的篇幅去描绘一滴水从屋檐滴落到水洼中，激起的微小涟漪，然后立刻将视角拉回到宇宙的宏大尺度，暗示着这个微不足道的涟漪与星系的诞生本质上并无二致。这种强烈的对比，让我时常感到一种眩晕。这本书的语言风格极其冷静克制，几乎没有情绪外露的词汇，但正是这种冷静，反而营造出一种令人不安的张力，好像在告诉你，你所感受到的所有混乱，不过是宇宙宏大而精确的计算中的一个微不足道的误差。我猜，作者是想通过这种对重复与变异的反复探讨，来解构我们对“线性时间”的固有认知。读完合上书本的那一刻，我甚至下意识地去看了看墙上的时钟，怀疑它是不是还在正常运转。
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