L'art dans le monde de 1960 à nos jours pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hazan

作者:Philippe Dagen

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2012-9-26

价格:EUR 35.00

装帧:Relié

isbn号码:9782754104364

丛书系列:

图书标签:

• français
• =j=
• 艺术史
• 当代艺术
• 现代艺术
• 艺术评论
• 文化研究
• 全球化
• 艺术趋势
• 20世纪艺术
• 21世纪艺术
• 艺术理论

艺术在世界：1960年至今的视觉革命 在二十世纪下半叶，世界经历了一场深刻的变革，而艺术，作为时代的镜子，也随之展开了前所未有的视觉革命。从1960年至今，艺术不再是象牙塔里的精英游戏，而是以更加多元、自由、甚至颠覆性的姿态，渗透到我们生活的方方面面，深刻地影响着我们理解世界的方式。 摆脱束缚，走向多元：艺术的边界被重新定义 20世纪60年代，一股打破传统艺术藩篱的浪潮席卷全球。波普艺术的崛起，将日常消费品、流行文化符号和大众媒体图像大胆地引入艺术殿堂。安迪·沃霍尔的罐头、玛丽莲·梦露的肖像，不仅挑战了艺术的精英主义，更揭示了消费社会下图像的泛滥与意义的消解。与此同时，极简主义艺术家们则追求最纯粹的形式和材料，用几何体、工业材料剥离艺术的装饰性，直指其本质。这些艺术流派的出现，标志着艺术边界的第一次大扩张，证明了艺术的载体和表达方式可以无限拓展。 到了70年代，观念艺术的兴起更是将艺术的重心从视觉呈现转移到思想和概念本身。艺术家不再拘泥于物件的创造，而是通过文字、行为、地图、甚至只是一个想法来表达艺术。约瑟夫·科苏斯的“椅子”作品，通过对一个真实椅子、一张椅子的照片、以及“椅子”一词的呈现，引发了观众对“是什么构成了椅子”以及“艺术是什么”的深刻思考。这种观念的转变，使得艺术的范围变得无比辽阔，几乎所有人类的思想活动都可以成为艺术的素材。 身体、政治与社会：艺术的介入与发声 进入80年代，艺术开始更加积极地回应社会和政治议题。女性主义艺术的蓬勃发展，挑战了男性视角的主导地位，揭示了性别不平等，并重新定义了女性的身份和身体。艺术家们通过摄影、装置、表演等方式，讲述女性的经验，批判父权制，呼唤平等。 同时，政治艺术也以前所未有的力量登场。冷战的阴影、全球化带来的挑战、以及各种社会运动的兴起，都成为了艺术家关注的焦点。从涂鸦艺术的街头宣言，到装置艺术对战争、贫困、环境问题的控诉，艺术不再是旁观者，而是成为了积极的参与者和有力的发声者。艺术家们用他们的作品，直面社会矛盾，引发公众讨论，甚至推动改变。 数字浪潮与全球视野：艺术的未来无限可能 90年代至今，随着数字技术的飞速发展，艺术的面貌再次发生了翻天覆地的变化。数字艺术、新媒体艺术、互动装置、虚拟现实作品层出不穷，将科技的冰冷与艺术的温度巧妙融合。艺术家们利用计算机、互联网、以及各种新兴技术，创造出前所未有的视觉体验和互动模式。 全球化也为艺术带来了更广阔的视野。不同文化背景的艺术家们相互交流、借鉴，形成了更加多元和包容的艺术生态。跨国界的展览、艺术节、以及在线平台，打破了地域的限制，让世界各地的观众都能接触到来自不同文明的艺术。从非洲的当代雕塑，到亚洲的影像艺术，再到拉丁美洲的装置作品，艺术的版图变得更加辽阔而丰富。 挑战与反思：艺术的意义与价值 当然，艺术的发展并非一帆风顺。快速的变革也带来了新的挑战。商业化对艺术的侵蚀、艺术市场的泡沫、以及如何评价和传承新兴艺术形式等问题，都引发了广泛的讨论。然而，正是这些挑战，促使我们不断反思艺术的意义和价值。 在1960年至今的这段艺术史中，我们看到艺术不再仅仅是关于美学，更是关于观念、关于表达、关于对世界的观察和介入。它是一种思考方式，一种感受世界的方式，一种与他人沟通的方式。艺术家们以他们的敏感、勇气和创造力，不断拓宽艺术的边界，挑战我们的认知，激发我们的想象，让我们看到一个更加丰富、复杂、也更加充满可能性的世界。这段波澜壮阔的艺术历程，至今仍在继续，并以前所未有的力量，塑造着我们当下的生活和未来的愿景。

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这本书的理论深度是毋庸置疑的，它毫不避讳地引入了大量的后结构主义、女性主义和酷儿理论的视角来剖析当代艺术的权力结构。对于一个非专业人士来说，初期阅读门槛是相当高的，很多段落需要反复咀嚼，甚至需要查阅相关的哲学背景才能真正理解其深层含义。然而，正是这种挑战性，使得阅读过程充满了智力上的愉悦。作者并非生硬地套用理论框架，而是将理论工具灵活地运用到对具体作品的分析中，比如他如何用福柯的权力/知识理论来解构装置艺术中的“观看”机制。这种严谨的学术态度，让这本书的论述极具说服力，它成功地将1960年后艺术领域中那些看似晦涩难懂的“术语战”转化为清晰可见的思辨脉络，是一本可以被反复研读、每次都能获得新感悟的案头宝典。

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这本书的装帧设计非常吸引人，封面采用了大胆的色彩组合和抽象的几何图形，立刻就能感受到它试图捕捉的那个时代艺术的躁动与不安。当我翻开内页，那种油墨的质感和纸张的厚度都透露出一种对艺术严肃性的尊重。它不像有些当代艺术画册那样追求极简的留白，而是用密集的图文排版，仿佛要将1960年至今全球各个角落涌现出的艺术思潮一股脑地塞进读者的脑海。我特别欣赏它在章节过渡时使用的那些小插曲，它们往往是一段简短的艺术史料，或者是某位重要艺术家的手写信件摘录，这种细微之处的设计，让阅读过程不再是单向的知识灌输，而更像是在与历史进行一场私密的对话。不过，说实话，初次上手时，信息的密度确实让人有点喘不过气来，感觉需要备一把“放大镜”和一本“术语词典”才能勉强跟上作者的步伐，但这或许也是它想要传达的——战后艺术的复杂性与多维性，绝非三言两语可以概括。

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抛开那些复杂的理论和密集的图版不谈，这本书在“媒介革命”的叙事上，展现出一种近乎预言家的洞察力。作者似乎早早地就捕捉到了技术对于艺术本体的颠覆性影响。他对早期录像艺术的讨论，其前瞻性令人叹服，他没有将录像仅仅视为一种新的记录工具，而是将其视为一种对时间、空间以及观众参与感的彻底重构。尤其是当他讨论到数字艺术和互联网艺术的兴起时，那种探讨“原创性消亡”和“分布式创作”的段落，读起来让人感觉像是刚刚从未来穿越回来的人在低语。这种对媒介本质的深刻拷问，使得这本书的价值远远超越了一本简单的艺术史书籍，它更像是一份关于人类感知和创造力如何被技术重塑的深度观察报告。这本书的阅读体验，是挑战性与启发性并存的，它让人对“什么是艺术”这个问题，在今天这个信息爆炸的时代，有了更复杂、更具批判性的回答。

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最让我感到震撼的是书中对“去中心化”这一概念的实践。它没有将焦点仅仅锁定在欧美主流艺术机构的视角，而是花费了大量的篇幅去挖掘那些在政治动荡、经济不发达地区涌现出的、具有强烈社会批判性的艺术实践。我发现自己对一些我此前从未听闻的拉丁美洲激进艺术团体、或者东南亚地区对后殖民语境的反思性创作有了初步的了解。作者在描述这些艺术家的创作状态时，语气中流露出的那种近乎于“同情”的理解，使得这些作品不再是遥远的、异域的符号，而是充满了人性的挣扎与反抗。这种对全球艺术地图的重新绘制，让传统的美术史叙事显得单薄无力。读完这部分，我深刻地体会到，艺术的力量往往不在那些光鲜亮丽的博物馆里，而在那些充满泥土气息、直面社会现实的角落里。

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这本书的叙事节奏把握得极为精妙，它没有采取那种平铺直叙的编年史写法，而是像一位经验丰富的策展人，巧妙地将不同地域、不同媒介的艺术运动进行并置和对话。比如，它可能前一页还在深入剖析波普艺术在纽约的商业化浪潮，下一页却会无缝切换到日本“物派”的极简主义对物质本体的哲学叩问，这种跨文化的并置极大地拓宽了我的视野。我注意到作者在论述概念艺术时，使用的语言风格突然变得极为克制和精确，仿佛他本人也受到那种对语言边界的审视态度的影响，每一个句子都像是经过精确计算的。这种文字风格的转换，本身就是对所讨论艺术流派的一种致敬。阅读体验下来，我感觉自己像是乘坐着一架高速列车，穿越了半个多世纪的艺术景观，既有对宏大趋势的把握，又不乏对那些边缘、被忽视的艺术实践的细致描摹，让人拍案叫绝。

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